K RATION
BOX 2

The events of the second part of the 2021 season K RATION .
The programme will be published shortly.

K RATION
BOX 1

The events of the first part of the 2021 season K RATION

– Preview –
21>23 April 2021 4.30 p.m.
PROJECT AND DEVICE – traces of a multimedia theatre
digital column for the HUMAN RIGHTS FESTIVAL

19 > 22 MAY 2021 TURIN / 15 > 19 JUNE 2021 MILAN
PLAY ME (ORIGINS PROJECT)
a production ZONA K, creation CODICEFIONDA (IT)
dramaturgical advice Agrupación Señor Serrano (ES)
Turin c/o Palazzo del ‘900
Milan c/o ZONA K

13 > 14 JULY 2021 h. 21.45 pm
THE MOUNTAIN
Agrupación Señor Serrano (ES)
presented in collaboration with and c/o Olida/Da vicino nessuno è normale

20 > 21 JULY 2021 7 p.m.
A CERTAIN VALUE
Anna Rispoli / Martina Angelotti (IT)
presented in collaboration with and c/o BASE

K RATION
Emergency food kit for theatre addicted

K-Ration was the food ration of American soldiers during World War II.

For us, the K RATION is almost like a small but substantial survival ration, “light and compact”. It is about doing and giving what is necessary to stay alive but dosing resources and energy. It is calibrating our strengths and weights, to be really ready to start again in the light of the changes that every event of this magnitude brings with it.

It is a change of pace with respect to the past, the sign of an intermediate year between a before, very clear and defined, and an after still to be written. On the one hand, it is a transitional year that brings to a close projects that have already begun but have not yet been presented to the public. On the other hand, it presents new ideas, following up on the peculiarities that have distinguished us over the years: audience participation, urban performance, attention to the present and research into new languages in the field of live performance.

There are no more focuses but a part 1 and a part 2. Continuing the metaphor of K-Ration: a lunch and a dinner, a first course and a second course, a box 1 and a box 2. A first part that is concentrated from April to July and a second part that starts again in September and includes the autumn/winter until the end of 2021.

The desire to reiterate the importance of sharing projects and ideas with other realities of the artistic and cultural scene in Milan remains firm. Never as in the past year and in the current one has the need for relations, perspective exchanges and comparison on the future been so important.This confirms the collaboration with DANAE/Teatro delle Moire, Olinda/Da vicino nessuno è normale, IntercettAzioni, BASE, Stratagemmi, the Cooperativa Sociale Stripes, Terzo Paesaggio.

On a national level, ZONA K is a partner of In-Situ Italia, a cultural consortium for art in public space created together with Indisciplinarte of Terni in collaboration with BASE Milan, Sardegna Teatro of Cagliari and Pergine Festival in Trentino. “In-Situ Italia” gathers the Italian partners of “In-Situ”, the European platform created in 2003 and which today counts 19 partners from 13 countries. In the four-year period 2020-2024, the Italian consortium will promote the networking of skills and resources, collaborating within the European project “(Un)Common Spaces”.

Moreover, from this year ZONA K is among the new partners who have joined the Call for Digital Residencies conceived and promoted by Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partnership with Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, the Cooperative Anghiari Dance Hub, ATCL Lazio for Spazio Rossellini, the Centre of Residency Emilia-Romagna (L’Arboreto Teatro Dimora di Mondaino – La Corte Ospitale), the Luzzati Foundation Teatro della Tosse in Genoa.

 

         

BOX 1 APRIL – JULY 2021                             BOX 2 SEPTEMBER – DECEMBER 2021

ROGER BERNAT (ES)

with the collaboration of Mar Canet and Varvara Guljajeva

and the live Facebook participation of

– Roberto Fratini 20 November at 9.00 p.m. – 9.30 p.m.
– Renato Gabrielli 21st November at 9.00 – 9.30 p.m.
– Magdalena Barile 22 November at 9.00 – 9.30 p.m.

From 18 to 28 November, 24 hours a day, the Catalan director Roger Bernat, who generally creates performances without performers, offers us the opportunity to write an oceanic play directly from the ZONA K website.

Luis Buñuel and Jean-Claude Carrière locked themselves in a room and, embodying their characters, wrote the scripts for their future films. On the theater website, instead of conversing with Buñuel, Carrière or Shakespeare, the internet user converses with ENA, a bot that mimics human conversation. According to the Wikipedia definition, a bot is a sequence of computers that performs repetitive tasks that would be impossible or very burdensome for a human being. To learn how to write, ENA was shown 8 million documents.

The bots that answer the phone when we call big companies, those that affect social networks when elections are approaching or the bots we face in electronic games are brothers and sisters of ENA. But ENA doesn’t want to sell us anything, doesn’t want to inform us of any news (fake or real) and doesn’t even want to comfort us. ENA was conceived with the only purpose of pretending to be a human being, therefore to make theatre. ENA does not understand what she says or is told. For ENA, language is just a sequence of signs to which it responds with another sequence. Any dialogue with ENA will only make sense to the person participating in the conversation and to the audience reading the conversation on the theater’s website at the time. Having a dialogue with ENA is like playing squash with a wall that returns the ball to you. Keep in mind that, as a human being, you may be surprised or angry, or tired. ZONA K cannot be held responsible for messages sent by ENA which may be unpredictable.

CAUTION:
ENA learned to write with GPT-2 (OpenAI) and dialogues thanks to DialoGPT (Microsoft) of the Transformer (Google) database. For this reason, although he understands Italian, he answers only in English. Nobody’s perfect.

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Info: online collective writing • duration as desired • in Italian and English translated simultaneously
Participation: free, non-stop 24 hours a day on the zonak.it website

If you have spoken to ENA and want a copy of your dialogue, send an email to biglietti@zonak.it clearly indicating the nickname and day of your interview
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A project by Roger Bernat with the collaboration of Mar Canet and Varvara Guljajeva web design and programming Mar Canet and Varvara Guldjajeva graphics Marie-Klara González coordination Helena Febrés co-production  FFF and Teatre Lliure thanks to Fabiano Cocozza

BIO

Magdalena Barile lives and works in Milan. Author, playwright and screenwriter, she teaches Theatre Writing at the Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi and at the Scuola Belleville and Screenplay at the IED – Istituto Europeo di Design. Her theatre texts, many of which have been translated into several languages, are the most recent: Raffiche (2016); Il divorzio, adaptation of the film Divorzio all’italiana by Pietro Germi (2016); Rosa Conchiglia. Anaïs Nin e i giorni del porno ( (2017); Cosa beveva Janis Joplin (2018); Api Regine. Commedia fantascientifica sull’eliminazione del maschio (2018). She collaborates permanently as author and screenwriter with Swiss Radiotelevision (RSI) and has participated in the writing of several drama and comedy programmes for Italian television (Albero Azzurro, Camera Cafè, Bye Bye Cindarella).

Roberto Fratini Serafide (Milan, 1972), playwright and dance theorist, is a lecturer at the Conservatori Superior de Danza (Istituto del Teatro) in Barcelona, and has held courses and lectures at other European universities. He collaborates with several international contemporary dance and theatre companies (among them Caterina Sagna Company, La Veronal, Roger Bernat FFF, Taiat Dansa, Germana Civera, Aerites Dance Company, Alexandra Waierstall, Sol Picó, Philippe Saire) and has given dramaturgy workshops at different masters and theatre institutions. His book A Contracuento. La danza y las derivas del narrar was published in 2012. In 2013 he received the FAD Sebastià Gasch Prize for his artistic and intellectual trajectory.

Renato Gabrielli, playwright and screenwriter, teaches at the “Paolo Grassi” and the “Luchino Visconti” School of Cinema in Milan. He is the author of the guide Scrivere per il teatro (Carocci, 2015). Among his most recent theatre works: Combattenti (“Hystrio” XXIX-3, 2014), La donna che legge (Cue Press, 2015), Redenzione (2017), Spin (2018), Fammi un’ altra domanda and Nessun miracolo a Milano (2020). In 2008 he won the Hystrio Prize for Dramaturgy. In 2020, with Procedura, he won the Premio InediTo Colline di Torino – Sezione Teatro.

 

E. Bozkurt, C. Campara, G. Oglialoro, R. Tabilio, F. Venturi
with Rimini Protokoll

A project by ZONA K and Casa degli Artisti

The pandemic emergency led to a division of the social components into systemically relevant and not relevant. For many it was also a psychological polarization: between what is essential and what is superfluous. The artistic professions are not among those socially necessary.

Should we think of a world in which art will no longer play a role? Can we imagine a reality that cancels the existence of art and of those who work there? What relationship can art have with each of us in this state of crisis? Is something that has long since gotten stale about to end? Can such a profound crisis be an opportunity?

PHASE NINE || Urban Solo invites us to ask ourselves these questions in the context of the city. Nine important places for art in Milan – some iconic, others unusual – become the stage for nine audio installations which, through interviews with various experts, are confronted with a provocative question: why does art exist and not nothing?

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14 OCT – 14 NOV every 10 min.
Wednesday – Friday from 13.30 to 16.30
Saturday from 10.00 to 13.00

departure Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89 / A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

Info: urban walk for 1 person • duration 120 min. • in Italian
In case of heavy rain the event will be canceled.

Tickets online only: full € 15.00 – reduced € 10.00 (students / under 26 / over 65 / groups)
Ticket collection on the day of the walk at Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89 / A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

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BASIC INFORMATION FOR PARTICIPATING A FASE NINE // Urban Solo
On the day of the walk, show up at Casa degli Artisti at least 15 minutes before the start to collect the ticket. A document will be requested as a deposit for the use of the navigator.

As this is a route with mandatory stops, the departure time cannot be postponed.
The walk takes about 120 minutes and will be covered on foot.
The place of arrival is close to the place of departure. It is recommended to wear comfortable and waterproof shoes in case of light rain; in case of heavy rain the event will be canceled.
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Artists: Ekin Bozkurt, Chiara Campara, Giulia Oglialoro, Riccardo Tabilio and Francesco Venturi Artistic supervision: Aljoscha Begrich and Jörg Karrenbauer (Rimini Protokoll) Project management: Valentina Kastlunger (ZONA K) Audio coordination and mixing: William Geroli Multimedia implementation: Stripes Digitus Lab In collaboration with: Eataly Smeraldo, Goethe-Institut Milano, Fondazione Giangiacomo Feltrinelli, Giardini in Transito – Giardino Comunitario Lea Garofalo, Anteo Palazzo del Cinema, Piccolo Teatro di Milano Main partner Casa degli Artisti: BNP Paribas Thanks to: Feltrinelli bookshop in viale Pasubio, Il Barettino in via Solferino, Armonium Galvan

Photo: Luca Del Pia

** Performative action included in “IntercettAzioni” – Artistic Residence Center of Lombardy: a project by Circuito CLAPS and ZONA K, Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire, with the contribution of the Lombardy Region, MiBACT and Fondazione Cariplo. **

Ekin Bozkurt (sound designer), Chiara Campara (filmmaker), Giulia Oglialoro (author, journalist), Riccardo Tabilio (author and dramaturg) and Francesco Venturi (composer) are the artists that the second open call of Casa degli Artisti on the theme “Work” Selected in March 2020 for the artistic project shared with the German collective Rimini Protokoll.

The work, coordinated and followed by Jörg Karrenbauer and Aljoscha Begrich of Rimini Protokoll in the role of mentors, was completely rethought during the months of lockdown. The theme of work remained central, but he decided to focus in particular on work in the world of culture and art, a theme made even more urgent by the crisis caused by the pandemic. It was decided to work precisely on contingency, considering it an opportunity, investigating the changing perception of spaces and cultural operators.

Rimini Protokoll was founded in 2000 by Stefan Kaegi, Helgard Haug and Daniel Wetzel and over the years has collaborated with various constellations of artists. The goal is to expand the means of the theater in order to create new perspectives on reality. Rimini Protokoll avails itself of the collaboration of experts, whose knowledge and skills go beyond the theater, to produce shows, radio productions and urban interventions that often translate urban spaces and social structures into theatrical formats.

The program is organized in such a way as to respond to national regulations in relation to the current health emergency (DPCM of 17/05/2020 and 11/06/2020 and Ordinances of the Lombardy Region n.547 of 17/05/2020 and n. 566 of 12/06/2020)

REALITY?

In the presentation of the Reality 2020 season we told our vision of reality that did not want to translate into a philosophical disquisition or a flattening on the spectacularization of contemporary media. It was a title that wanted to close a three-year period where ample space was given to artists who have done their research and art from the Theater of Reality. A three-year period that started with Power and continued with Economy in which we felt the need to analyze and interpret the present, always keeping an eye on the so-called reality data as a rudder that keeps the course despite the brazen and unrepentant political propaganda that does not fear neither the self-contradiction nor the explicit lie.

Of that season – which should have been structured in the Global, Human and Virtual focuses – we just had time to present the special event that went beyond the focus but which for us had the symbolic flavor of a first show that ZONA K brought into Casa degli Artisti.

Then everything, as for everyone, stopped. The companies were first warned, then put on stand by, and finally the shows were canceled. Suddenly our strength, our distinctive trait, our identity and consistency in design choices and consolidated international relationships have become our boomerang. How to keep up a season that would have included numerous European artists? How to reopen a space where the distancing measures force to have no more than 20 spectators? How to look beyond the obstacle to imagine and build a new reality?

The word “new” was enough to re-tune us and to start again from where we left off. If it is a new reality that we have to live, then our season can be called REALITY ?. The question mark not only closes a questioning sentence, but also summarizes the amazement, perplexity and ultimately the hope that this is not really a new world to be invented, but a phase, a parenthesis not to be archived and from which to start again.

We therefore start from the desire to find a new meaning to reality, new perspectives, new ways of enjoying culture thanks to a continuous comparison with some of the artists who have accompanied us most in recent years. Thus the new autumn season that has emerged continues the path started where possible and leaves much more space for those distinctive features that have characterized our work in past years: complex projects, urban performances, shows for a few spectators at a time, collaboration with theaters larger to accommodate artists who need the stage. The most important novelty is the desire to give more space and time to the shows in the season with, on our part, an important productive effort: many of the shows we offer are real productions and co-productions. It is a choice that was already in the making and that found a boost in the pandemic: to continue working on an annual season, but with even more our projects that are able to sustain a long life and that do not run out in the space of a few reruns. 

Here is a preview of the program of ?

FOCUS VIRTUAL

In the present, increasingly built on virtual reality, augmented reality, reality shows and fake news, a reflection dedicated to virtual reality could not miss. How much does the immersive experience, now increasingly rampant, allow us to deepen our reality or is it reduced to a simple act of gamification?

Some studies argue that virtual reality can be interpreted as a machine of empathy capable of making us experience different and difficult situations. Is there a difference between policemen who wear VR to imagine themselves as criminals and spectators who virtually experience the violence suffered by migrants? Is there a precise boundary between reality and fiction?

 

These, the shows of FOCUS VIRTUAL.

cancelled
SILKE HUYSMANS & HANNES DEREERE | CAMPO (BE)
PLEASANT ISLAND
[multidisciplinary documentary theatre]
presented in collaboration with Fattoria Vittadini

c/o Fattoria Vittadini

 

postposed
MAMMALIAN DIVING REFLEX (Canada)
THE LAST MINUTES BEFORE MARS
[multimedia perfomance]
A project of ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts

c/o ZONA K

 

13 + 14 and 16 + 17, and from 20 to 24 May
CODICEFIONDA (IT)
PLAY ME (Origins Project)
A ZONA K production
[one-to-one performance]

c/o ZONA K

 

Discover the complete programme of Theatre Season 2020 REALITY

 

pic. by © Michele Borzoni / TerraProject

CODICEFIONDA (IT)
dram. cons. Agrupación Señor Serrano (ES)

In the Theatrical Season 2021 RAZIONE K, ZONA K presents a new production: PLAY ME (Origins Project). It continues the direction already taken with Generazione gLocale in 2017 with the involvement of children, the use of new stage devices and the creative and dramaturgical support of important names in the international scene, for this project the award-winning Catalan collective Agrupación Señor Serrano.

One button. A player. A screen.

Here are the new barbarians. Incomprehensible to the eyes of the adult world. Teenagers, hyper-connected and fragile, terrified and attracted by the image of themselves on “social media”, experts in “sexting”, “video-games” and “binge drinking”, owners of Smartphones as an extension of their body. But what do we know about today’s teenagers?
A narrative short circuit from the origins of the video game to the origins of the iGeneration. An immersive experience in which to meet today’s teenagers through the use of new technologies. A path of creation that tells our identities – real and virtual – thanks to the comparison between generations.

In this performance the audience will find himself in relation to them. You can choose whether to confirm or question your expectations, fears and prejudices. The ultimate goal will be a “performative game” to generate an unprecedented and intimate encounter. PLAY ME (ORIGINS PROJECT) is the result of a work on the biographies of young people met in the stage of research and dramaturgical development between Turin and Milan.
What the sociologist Morin defines as “cinema of total authenticity”.

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Info: multimedia performance for single spectators with VR • audience aged 16 and over • duration 30 min. • entrance every 15 min • in Italian

2021 membership card compulsory, APPLY NOW

full € 15.00 – reduced € 10.00 (students / under 26 / over 65 / groups)
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Project direction and creation Andrea Ciommiento, creation and multimedia reference Simone Rosset, dramaturgical consultancy Álex Serrano and Pau Palacios, executive production Valentina Picariello and Valentina Kastlunger, organisation and communication Silvia Orlandi and Federica Bruscaglioni, VR application programming Luigi Sorbilli and Giuliano Poretti, creation assistent Kausar El Allam, Shady Mostafa, Imane Mouslim, Jaouher Brahim, Mattia Ghezzi, Anes Fettar, Matteo Coppola, Momo Moukett, Filippo Farina, Lorenzo Bregant, Federica Bruscaglioni, David Benvenuto. Production ZONA K (Milan), creation of Codicefionda (Turin), dramaturgical consultancy Agrupación Señor Serrano (Barcelona), in collaboration with Fuori Luogo Festival (La Spezia), Polo del ‘900 (Turin), Human Rights Festival (Milan), Instituto Professionale Albe Steiner (Turin), Yepp Italia (Turin) and Collettivo gLocale (Milan), With the support of  IntercettAzioni – Center of Artistic Residence of Lombardy and of the Municipality of Milan and Dialogues – Residences of the performing arts at Villa Manin “(CSS FVG stable innovation theatre). Thanks to ITAS Giulio Natta and Hotel San Guido in Milan and Digital Storytelling Lab – Università degli studi di Udine..

The project was carried out with the support of the Compagnia di San Paolo within ORA! Contemporary culture productions.
Visit oracompagniadisanpaolo.it

 

 

MAMMALIAN DIVING REFLEX (CA)

FOCUS: VIRTUAL

Created together with a group of students from ITAS Giulio Natta in Milan, The Last Days Before Mars imagines the last minutes on Earth and what we are willing to sacrifice for our dear, sweet, beautiful dying planet.

The Last Minutes Before Mars is a live performance, which includes 360° video, about the exquisite ennui of life on Earth as we speed towards a terrifying future.

It is a criticism of those who suggest that the future of humanity depends on its diffusion throughout the universe. According to the Mammalians it is unlikely that solutions to terrestrial problems can be found on distant planets with hostile conditions. The current obsession with the colonisation of Mars is considered a panic-stricken response to the difficult problems humanity faces on earth: climate change, a collapsing ecosystem and the fact that many scientists believe that we are in the midst of another mass extinction of life on Earth, etc. But rather than trying to overcome our problems and probably produce a whole new set of even more difficult problems, it might be better to settle down and understand how to “terraform” the earth, making it a more hospitable habitat for humans and all others lives we rely on. Why make Mars more like Earth when there is the task of making Earth more like Earth?

NATIONAL PREMIERE for the Theatre Season 2020 REALITY

 

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A project by ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts.

To participate you must send the request for the annual membership by the day before the show, click HERE to do it NOW

c/o ZONA K

Info: multimedia performance

Ticket price: to be decided

Membership card 2020: €2,00

Not part of the subscription shows

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Director & Concept: Darren O’Donnell, Co-Director & Video Director: Konstantin Bock, Co-devising team: Darren O’Donnell, Konstantin Bock, Alice Fleming, Tina Fance, Chiara Prodi, Sorcha Gibbson, Kiera O’Brien, Thule Van Den Dam, Sara Guttadauro, Sara Ben Hamouda, Andrada Ciccotto, Fjoralba Qerimaj, Jerwin Mostiero, Morena Marra, Genny De Leon, Elisa Fasiello, Mervin Fajardo, Performed by: Sara Guttadauro, Sara Ben Hamouda, Andrada Ciccotto, Fjoralba Qerimaj, Jerwin Mostiero, Morena Marra, Genny De Leon, Elisa Fasiello, Mervin Fajardo, Producers: Tina Fance, Chiara Prodi, Alice Fleming, Set Design: Sorcha Gibson, Music Composition: Isola, 360 Expert: Fi Nicholson, Co-produced by: ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts, Thanks to: Stephen O’Connel, Fi Nicholson, Letizia Gozzini from Itas Giulio Natta, Development support from the Australian Council for the Arts and the Goethe Insitute Toronto, The performance is supported by the Canada Council of the Arts

 

Mammalian Diving Reflex is a Toronto-based company known for its intellectually stimulating performance. Founded in 1993 under the artistic direction of the writer and director Darren O’Donnell, Mammalian Diving Reflex reflects on the private and social dimension of language, thought and information. The company has produced various projects in Canada, Japan, Australia, Singapore, India, the United States, Ireland, England and many other European countries. Their projects include Diplomatic Immunities, pppeeeaaaccceee, The Children’s Choice Awards, Who Shot Jacques Lacan?, Dare Night, Slow Dance with Teacher, Nightwalks with Teenagers, and Haircuts by Children. The company’s artistic style recognises a performative dimension in every daily gesture and explores aesthetics and society, creating unusual alliances between the world of art and that of young people. Mammalian Diving Reflex’s research takes the form of performances, collective experiences, theoretical texts and happenings.

SILKE HUYSMANS &
HANNES DEREERE | CAMPO (BE)

The show is canceled, according to the regional ordinance of 04/03/20

FOCUS: VIRTUAL

Nauru is a small island-state in the Pacific Ocean, once known by European explorers as “Pleasant Island”. The history of this island can be seen as a parable of our times. After the exhaustive exploitation of the island’s vast underground phosphate resources, both under Anglo-Australian rule and after its independence in 1968, the island was left in total economic and ecological ruins.

Today Nauru hosts refugee detention centres from which you cannot escape in exchange for big sums of money from Australia. Meanwhile, the island risks to be swallowed by the ocean as a result of the rising sea level.

It is in this post-apocalyptic scenario that the documentarians Silke Huysmans and Hannes Dereere meet the limitations of a world that is intent on endless growth. Drawing on interviews and conversations with the island’s residents and refugees, they seek new perspectives.

What future is there in a place that is exhausted in terms of ecology, economy and humanity? And how do we deal with the gloomy predictions that seem to wait for us?

NATIONAL PREMIERE for the Theatre Season 2020 REALITY

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c/o  Spazio Fattoria – Fabbrica del Vapore, via Procaccini 4 – M5 Monumentale –

Info: multimedia documentary theatre • duration 60 min. • in English with Italian subtitles

Standard ticket: 15,00 € – Students/under 26/over 65/groups: 10,00€

Part of the subscription shows

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By & with: Silke Huysmans & Hannes Dereere Dramaturgical advice: Dries Douibi, sound mixing: Lieven Dousselaere, technical support Anne Meeussen & Piet Depoortere, production: CAMPO, coproduction: Kunstenfestivaldesarts, Spring Festival Utreht, Beursschouwburg, Kunstenwerkplaats Pianofabriek, Veem House For Performance, Spielart & De Brakke Grond residenze Beursschouwburg, De Grote Post, KAAP, Kunstencentrum Buda, Kunstenwerkplaats Pianofabriek, STUK & Veem House for Performance, LOD with the support of the Vlaamse Gemeenschapscommissie & KAAP. Thanks to all partners who collaborated

 

The work of the young playwriters Silke Huysmans and Hannes Dereere is based on concrete situations, events or places that represent a broader topic. What characterises the duo is how they carry out their research through scientific examination, interviews and fieldwork. After finishing their studies in Gant in 2013, they started working on documentary theatre. In their critically acclaimed Mining Stories (2016), they explored the impact of a recent mining disaster in southern Brazil. The next projects will be produced by CAMPO, with the support of Pianofabriek, KAAP Bruges, Kunstenfestivaldesarts and Beursschouwburg Brussels.

FOCUS GLOBAL

The FOCUS is canceled, according to the regional ordinance of 04/03/20.
All the shows are postponed.

Reality tells us that we live in the era of globalisation, made up of incredible potential and ease, despite the economic, political and social distortions that always accompany the great passages. The difficulty of finding new ethical codes, different ways of living together and distributing wealth is answered with closure, anachronistic nationalisms, fear. Is there a possible way?

If globalisation implies the development of different transnational lifestyles, is Ulrich Beck right when he says that “to survive you need a cosmopolitan realism”?

These, the shows of FOCUS GLOBAL.

 

postponed
VALTERS SĪLIS (LT)
BEING A NATIONALIST
[show]

c/o ZONA K

 

postponed
GUINEA PIGS (IT)
#NUOVIPOVERI
[show]

c/o ZONA K

 

postponed
ROGER BERNAT / FFF (ES)
NO CONVERSATIONS OF INTEREST ARE RECORDED
[show]

c/o ZONA K

 

Discover the program of the theatre season 2020 REALITY.

 

photo  ©Simone Donati / TerraProject

 

WIM VANDEKEYBUS
ULTIMA VEZ (BE)

The space of the Casa Degli Artisti, which is recently returned to the city, has been chosen for the opening of the Theatre season 2020 REALITY of ZONA K.

In Go Figure Out Yourself, an encounter with the audience in an unprepared space, five characters take you far beyond the protective walls of the theatre and they show you a place where you can give shape to your own thoughts, simply by looking and listening to others. At the rhythm of a soundtrack that mixes words, music and dance, you are invited to participate in an unpredictable and exciting trail.

Go Figure Out Yourself explores the boundaries between audience and performers.

Simply moving freely in the space, you will become part of a group happening, which will leave you in the end with many questions and few answers. The slowness of everything contrasts with the speed of the individual. The whole is greater than the sum of its parts. Everything is what it is.

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presented in collaboration with and c/o Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89/A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

Info: dance performance • duration 75 min. • in English
Nb: audience and performers share the same stage space. There are no chairs.

Standard tickets: 15,00 € – Students/under 26/over 65/groups: 10,00€
You can pick up tickets at Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89/A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

Part of the subscription shows
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direction, choreography, scenography Wim Vandekeybus, created and interpreted by Sadé Alleyne, Maria Kolegova, Hugh Stanier, Kit King, Tim Bogaerts, dramaturgy Aïda Gabriëls, lighting design Davy Deschepper, Wim Vandekeybus, costume design Isabelle Lhoas assisted by Isabelle De Cannière, technical coordination Davy Deschepper, sound engineer Bram Moriau, stage manager Tom de With, producer Ultima Vez, co-producer Les Brigittines (Bruxelles), with the support of the Tax Shelter measure of the Belgian Federal Government, Casa Kafka Pictures Tax Shelter empowered by Belfius, Ultima Vez is supported by the Flemish Authorisations and the Flemish community commission of the Brussels-Capital region.

 

Physicality, passion and intuition are the main elements of Wim Vandekeybus’ work, one of the greatest exponents of the international performance scene. A multifaceted artist, choreographer, director, performer who attended the University of Leuven where he studied psychology. Fascinated by the relationship between mind and body, this interest influenced all his choreographic work.
In 1987 he founded the Ultima Vez company with which he made almost 30 productions as well as numerous films and videos. The use of different media and languages ​​translates into a constantly evolving cast that includes dancers, circus performers, actors, musicians and collaborations with artists from different disciplines.

REALITY

You don’t want to do a philosophical analysis of realism, neo-realism, modernity and post-modernism.
Neither simplify an English word that by now has entered the common Italian vocabulary and sees Reality only and solely linked to show.

For us, Reality is simply, and perhaps trivially, the reality. That reality which keeps us anchored to the present day, to its observation, to its analysis, to its interpretation. It is the reality of the facts, the matter of reality, which we believe to exist despite the disorientation caused by the overload of information, despite the spread of “fake news”, despite shameless political propaganda that fears neither self-contradiction nor the explicit lie.

It is that reality that in 2018, with the rise of populist movements and a new form of power that disdained knowledge but was built on communication, made us think of Power. That same reality that the following year with Economy led us to turn our gaze to the economic world, its excesses and its distortions.

And it is always the reality that, at the end of the three-year period with Reality, takes the place of honour and, after two years of glossy and metaphorical images, invade with its power, as a quick overview of global reality. An overview that questions the meaning of the world and would like to be “cosmopolitan” following the thought of the German sociologist Ulrich Beck who spoke of the need for a “daily look, vigilant at history, reflective, which arises in an environment in which borders, differences and cultural contradictions vanish […] “.

GLOBAL, VIRTUAL and HUMAN are the three focuses that accompany the season, keys of interpretation to explore the current framework of contemporary society. Three focuses and not four as in previous years, to give more unity and coherence to the autumn programme and to allow a longer holding of some shows.

At the closing, not only of the year but also of the three-year period and of a path that until today has led us to invite the most representative names of that genre defined Theatre of reality, we will dedicate two days to a convention of reflection and discussion on how we view the future of the theatre in relation to the reality.

An important opportunity to take stock of the current situation in Europe but also to bring up new issues and questions. For the occasion, we’ll invite some of the artists we hosted over the years, and the representatives and critics that are the most sensitive to this topic.

 

SPECIAL EVENT
15 February
WIM VANDEKEYBUS/ULTIMA VEZ (BE)
GO FIGURE OUT YOURSELF
[dance performance]
presented in collaboration with and c/o Casa degli Artisti

 

FOCUS #1 • GLOBAL • 27 February – 22 March 2020

27 + 28 February
VALTERS SĪLIS (LV)
BEING A NATIONALIST
[show]
c/o ZONA K

14 + 15 March
GUINEA PIGS (IT)
#NUOVIPOVERI
[show]
c/o ZONA K

21 + 22 March
ROGER BERNAT / FFF (ES)
NESSUNA CONVERSAZIONE DEGNA DI RILIEVO
[show with headset]
c/o ZONA K

 

FOCUS #2 • VIRTUAL • 2 APRIL – 17 May 2020

2 + 3 April
SILKE HUYSMANS & HANNES DEREERE | CAMPO (BE)
PLEASANT ISLAND
[multidisciplinary theatre documentary]
presented in collaboration with Fattoria Vittadini c/o Spazio Fattoria

22 + 23 + 24 MAY
MAMMALIAN DIVING REFLEX (Canada)
THE LAST MINUTES BEFORE MARS
[multimedia performance]
A project of ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts
c/o ZONA K

13 + 14 and 16 + 17 May
CODICEFIONDA (IT)
PLAY ME (Origins Project)
[multimedia performance]
A project of ZONA K
c/o ZONA K

 

FOCUS #3 • HUMAN • Octobre – Novembre 2020

start October – end Novembre
RIMINI PROTOKOLL (DE)
TURNO DI NOTTE
[travelling urban performance]
A project of ZONA K in collaboration with Casa degli Artisti
c/o places in the city

22 + 23 October
BABILONIA TEATRI (IT)
GIULIO
[show]
c/o ZONA K

12 + 13 Novembre
M. Anderson, I. Kralj THEATRE GIGANTE (USA)
A. Renda TEATRO DELLE ALBE /RAVENNA TEATRO (IT)
IN THE BELLY OF THE BEAST
[show]
c/o ZONA K

28 + 29 Novembre
AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO (ES)
THE MOUNTAIN
[multimedia show]
A co-production of ZONA K presented in collaboration with Olinda Onlus
c/o TeatroLaCucina

Novembre
CONVENTION

 

The artists in residence during 2020 are:
Anna Serlenga (IT)
Guinea Pigs (IT)
Muna Mussie (IT)
Yan Duyvendak (CH)
Mats Staub (DE)
Michele Losi (IT)
+ the winner of the IntercettAzioni contest 2020

 

photo ©Michele Borzoni / TerraProject

 

The season REALITY is a ZONA K project – Subject of regional relevance of the Lombardy region – With support of MIBACT Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, ORA! Compagnia di San Paolo – With the patronage of the Comune di Milano, the Belgian embassy in Rome, Istituto Cervantes Milano, Goethe Institut, Italian embassy in Canada – In collaboration with Casa degli Artisti, Fattoria Vittadini, Triennale Milano, Olinda, Stratagemmi, Mare culturale urbano, Claps Circuito Lombardia Arti Performative, Industria Scenica, Teatro delle Moire, Milano Musica – Communication partner: Profili, Neo Studio

 

WORKSHOP DI INTERPRETAZIONE
PER ATTORI PROFESSIONISTI

Sorry, this entry is only available in Italian. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in the alternative language. You may click the link to switch the active language.

 

 

ANDY FIELD Masterclass

 

“One-to-one performance is like knocking on a stranger’s door (…) unsure of what I will find on the other side, what world I will stumble into and what worlds will stumble into me”.

Andy Field’s works are unusually formal and interactive, inviting us to consider our relationships with the spaces we inhabit and the people around us.  Over the years he has created art projects in theatres, galleries, warehouses, multi-storey car parks and city streets.

His interactive performances are designed to involve different audiences: whole families, as in the case of the successful Curious Creatures presented at the Natural History Museum in London, which saw, in 5 days, over 6,000 participants, or involving the individual spectator, as in the case of Lookout, a one-to-one and site-specific performance made in collaboration with a local primary school.

Co-director of the arts organisation Forest Fringe, he is also a guest lecturer at Royal Holloway University and the author of publications for The Guardian, The Stage and Contemporary Theatre Review.

Young and eclectic Andy Field devotes a significant part of his work to the active involvement of young and very young people.

 

Meeting organised with the support of the British Council.

Duration 60 min. – In English with translation
c/o ZONA K

 

GO TO PERFORMANCE Lookout

EUROPA! EUROPA!

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ECONOMY

This is the era of the “globalization of the world”, with a single worldwide market. The capitalization success on a global scale affirms that such a big economic revolution never existed.

However this system needs to take in consideration the three problematic phenomena that it may bring: inequity, instability and the environmental cost. These consequently may bring to an ecology crisis, globalization, consumes and social inequality.

According to the capacity or incapacity to get to a solution of the three critical factors, however, it seems incontrovertible that economic growth is a prerequisite to reach a more equal income distribution, given a stability to the system and a full respect for the environment.

“How would you then favor an economic growth that is both durable and sustainable?”

In 2018 the Nobel Prize for the Economy was assigned to Nordhaus and Romer, for their studies that highlight a strong relationship between macroeconomic trends, climate change and new technology. They also bring to the light the contradictions in the capitalism paradigm, underlining the necessity of political decisions in the long hall.

In 2019, with our seasonal theater, we decided to aim our goal into the economic world, to all access and distortion caused by money, to the society influenced by it, to the rebellious and victimized environment, to the technological innovation producing both economic development and social implosions.

ECONOMY is our answer to a complicated science of development models we superficially know and to a present moving so fast we can’t keep up with.

Four focuses, MONEY, SOCIETY, ECOLOGY and TECHNOLOGY. These are four aspects that we retain to be closely related to the interpretation of international artists and Italians that, like us, do not stop questioning the present.

In addition, the year 2019 strengthens the collaborations with numerous urban realities. A further confirmation of the strong necessity for a shared cultural economy. Therefore, the relationships between Teatro delle Moire/Danae Festival, Triennale Teatro dell’Arte, Teatro Franco Parenti, Stanze – esperienze di teatro d’appartamento, Olinda/TeatroLaCucina, Stratagemmi/Prospettive Teatrali, Laboratorio Lapsus, mare culturale urbano e Fattoria Vittadini are confirmed.

 

FOCUS #1
• MONEY •

The cost of money, rating, interest taxes, inflation, deflation, investments, stock market trading, bitcoin …

Financial inclusion passes also from literacy. In Nepal – where approximately 18% of the population is completely excluded from the banking system – Prakash Koirala provides financial education services to inform, involve, motivate and promote responsibility among consumers towards financial independence and discipline.

Would it be necessary to do this elsewhere too?

Today the most recent statistics state that 62% of the wealthiest individuals in the world possess the same wealth as the poorest half of the planet and the global economy gurus imagine a “globalization” 4.0 in favor of a more human-centric growth, more sustainable, more inclusive.

With what means and instruments?

A focus MONEY and four shows that discuss money are our answer. Four different ways to tackle a complex theme from different perspectives.

 

February 22 | 23
KALEIDER (UK)
The Money
at ZONA K

March 5
Money makes happiness
curated by Q Code Mag
meeting at ZONA K

March 15 | 16
MAURO PESCIO (IT)
Mio cugino (limited edition)
at ZONA K

March 22 | 23
ONTROEREND GOED (BE)
£¥€$ (Lies)
at ZONA K

March 31
CHRISTOPHE MEIERHANS (CH/BE)
Trials of Money (preliminary hearing)
at ZONA K

 

 

GO TO THE WHOLE SEASON

Kaleider (UK)

 

The Money is a cross between a game and a play.
You can choose to be a Silent Witness and watch or a Player and take part in deciding how to spend a real amount of money.

As a Player you can express yourself as you wish. But you must reach an agreement with your teammates before time runs out and by following the rules you will be given. If these conditions are not met, the money goes to the next group of players.
Silent Witnesses can join the Player group at any time and this can change everything.

The playful premise of this celebrated work sets the stage for one of the most memorable conversations you’ll ever witness, as altruism actually soon turns to self-interest, everyone’s personalities clash, and hierarchies are turned upside down.

The results can lead to tensions as in a thriller, or they can be ridiculed as in a farce, but in the end what is asked is: are there really any values we can agree on? Is the most valuable thing of all the common understanding? Finally, what is the most interesting thing we can do together that we can’t escape?

 

Game|Show – duration 100 min. – in italian
c/o ZONA K

 

Production: Kaleider Concept and Direction: Seth Honnor Artistic Collaboration: Alice Tatton-Brown Production Manager: Jay Kerry Performers: Gemma Paintin, Hanora Kamen, Gilda Deianira Ciao Photos: Prudence Upton

Ontroerend Goed (BE)

[

 

“The best way to rob a bank is to own one.” (William K. Black, American lawyer and lecturer specializing in financial crimes)

A casino, an illegal poker backroom to experience the thrill of being part of the elite 1% of the population that makes the world economy go round. There is no more time for ethics, you are in it to win it. In this den of intrigue and trading, it’s the adrenaline and investment decisions – not the roll of the dice – that count. What does your credit rating look like?
Who gets bailed out, who gets junk status, who implodes? Are you really in control or are you taking a gamble? Award-winning Belgian collective Ontroerend Goed provides insight into the complexities of the monetary system and its impact on our lives, immersing audiences in the financial world and allowing them to become players in the “game” of high-absorption capitalism.

 

 

Play|Show for 42 viewers per replay – duration 110 min. – in English
c/o ZONA K

“Play produced as part of the Teen Time project.”

Direction: Alexander Devriendt Script: Joeri Smet, Angelo Tijssens, Karolien De Bleser, Alexander Devriendt & cast Lyrics: Joeri Smet Cast: Max Wind, Britt Bakker Costumes: Astrid Peeters Music: Johannes Genard Set design: vormen & Nick Mattan Dramaturgy: Koba Ryckewaert, Julie Behaegel (intern/stagiaire) Production: David Bauwens Production assistant: Charlotte Nyota Bischop Co-production: Vooruit Kunstencentrum, Ghent (BE), Theatre Royal, Plymouth (UK), Richard Jordan Productions (UK) Thanks to: Toneelacademie Maastricht (NL), Khalid Koujili, Maria Dafneros, Miriam Matthys, Tamara Searle, Jeffrey Caen, Ruud Vanderheyden, Bram Billiet, Thomas Dhanens, Bo Marlijnen, Louiza Vande Woestyne With the support of the Flemish Community, the Province of East-Flanders and the City of Ghent

 

 

The Belgian collective Ontroerend Goed, under the artistic direction of Alexander Devriendt, creates projects and scenic devices based on the here and now, inviting the audience to participate and have an intense experience. The group has won numerous awards in Europe and their works are represented in major festivals around the world. Ontroerend Goed creates and realizes scenic devices that lead the viewer to question how we, as individuals, position ourselves in today’s world. Either way, whether it’s tracing the history of the universe in one evening, turning viewers into voters, guiding strangers through a labyrinth of mirrors and avatars to meet each other, the collective has made it their trademark to be unpredictable in content and form every time. Ontroerend Goed are: Alexander Devriendt, Joeri Smet, Charlotte De Bruyne, Karolien De Bleser, Angelo Tijssens, David Bauwens, Wim Smet, Babette Poncelet and Karen Van Ginderachter.

Christophe Meierhans (CH/BE)

 

Can the money we use on a daily basis be held responsible for the bleak state of the world today? What would it mean to hold it accountable for its actions? Trials of Money challenges the idea that money is just a tool or a means, and treats it as a complex being, a “semi-human” entity that has acquired an autonomous operation and escapes the control of the men who use it.

This new version of the performance is based on the collected testimonies of nine witnesses: an ex-banker, a Suisse National Bank employee, a homeless man, a wealthy philanthropist, a Native American, an economics professor, a kibbutz resident, and a criminologist. It invites the public to take part in the actions of a fictitious court, conducted as a collective exercise where all present freely assume the position of prosecution or defense, based on their beliefs and influenced by the proceedings.

Can money actually be tried before a human tribunal? And if the defendant is ultimately found guilty, what should be the appropriate sentence?

WORLD PREMIERE
Conference Show – duration 120 min. ca – in Italian
c/o ZONA K

 

A project ZONA K and Stanze
“Show realized within the project Teen Time.”

Concept and direction: Christophe Meierhans Performer: Christophe Meierhans, Luca Mattei Dramaturgy: Bart Capelle With the participation of: Shila Anaraki, Jochen Dehn, Adva Zakai Set design: Decoratelier Jozef Wouters Decor: Giammarco Falcone Light saber microphones: Alexis Pawlak, Gaia Carabillo Costumes: Sofie Durnez, Valerie Le Roy Lighting design: Luc Schaltin Monetary consultant: Olivier Auber Production: HIROS, Elisa Demarré Co-production: AUAwirleben (Bern), BIT Teatergarasjen (Bergen), BUDA (Kortrijk), FAR° (Nyon), Kaaitheater (Brussels), Nouveau Théâtre de Montreuil (Paris), Teatro Maria Matos (Lisbon), Vooruit (Gent), ZONA K (Milan) With the support of: Vlaamse Gemeenschap, ProHelvetia

 

Christophe Meierhans (Geneva; Brussels) works with and through performance, public space, installation, sound, music and video. His work consists mainly in developing strategies of intervention in everyday life, through the manipulation of accepted conventions, social habits or simple customs. Fragments of reality become the frame for artistic operations that can redirect banality in order to make it reappear under unexpected angles. His work raises questions about norms and conventions, confusing a random context with different ones, and confronting the viewer with something else, with the strangeness of being in the “wrong” place, or the possibility that the place may become something else.

FOCUS #2
• SOCIETY •

Already in the 1930s, Keyens sustained that the true challenge that needs to be overcome is the reconnection of economy and society in an intelligent and non regressive manner.

After a century and another devastating economic crisis, it is understandable to wonder if a mediation between the modernizing push of progress and the needs of society is still possible.

The populist movements of today – whether guided from above or born spontaneously from the bottom – embody a diffused indisposition that contests blocked social hierarchies, as well as stationary social elevators, concentration of richness that is increasingly evident and that no longer allows for the possibility of the acquisition of well being and security in the same way it was assured in the past.

Nonetheless in a panorama so desolating and confused, the voices of those reclaiming the humanistic side of the economy, a social science that needs to occupy itself with the wellbeing of man in the “interest of stability and social justice”, are not missing.

The focus crosses various visions – ironic, disillusioned, worried – of today’s society, that is founded on economy and in which you’ll drown.

 

May 5
KTO THEATRE (PL)
Peregrinus
Itinerant Performance

May 21 | 22
BABILONIA TEATRI (IT)
Calcinculo
at ZONA K

May 24 | 25
ANNIE DORSEN (USA)
Spokaoke
at ZONA K and a Private House

May 28 | 29
LA BALLATA DEI LENNA (IT)
Human animal. Liberamente tratto da “il re e pallido” di D.F. Wallace
at ZONA K

 

 

 

GO TO THE WHOLE SEASON

KTO Theatre (PL)

 

A wandering theatre show without words

A theatre production inspired by poetic works of T.S. Eliot.

The show depicts a single day in the life of an individual of the 21st century. The contemporary “Everyman”, whose life is “suspended” between Home and Work for a corporation, identifies his or her “pathway through life” as a “pathway to work”.
The peregrination in search of the meaning of life comes into view through everyday toil, deprived of spirituality, love and beauty.
The world of the “Pererginus” is a “digital” civilization – sad, terrifying and grotesque, where consumerism turns into a dominant religion. A shop window is the home of the Peregrinus of the 21st century.
A mobile character of the show exposes the adventures of the protagonist in various contexts of urban space. Homo Peregrinus is a formatted human being stripped of emotionality, predictable and bereft of individual characteristics.

This is the way the world ends
This is the way the world ends
This is the way the world ends
Not with a bang but a whimper
T.S. Eliot

The show has been presented in many cities in Poland as well as in Canada, China, Croatia, England, France, Georgia, Germany, Iran, Italy, Korea, Lithuania, Romania (Tony Bulandra Award for the best street performance in Targoviste), Russia, Spain and USA.

 

Itinerant Performance – 60 min  – no words

MeetingPoint: VIA DE CASTILLIA 14, under the Bosco Verticale building, at the beginning of the LUIGI VERONELLI walk to Gae Aulenti square

A ZONA K project in collaboration with Fattoria Vittadini and FESTIVAL DEL SILENZIO

 

Script, music selection and stage direction: Jerzy Zon Mask concept: Spitfire Company Masks design: Joanna Jaśko-Sroka Stage movement and choreography:  Eryk Makohon Performers: Karolina Bondaronek, Paulina Lasyk, Grażyna Srebrny-Rosa, Justyna Wójcik, Marta Zoń, Sławek Bendykowski, Bartek Cieniawa, Paweł Monsiel/Krzysztof Tyszko, Michał Orzyłowski

Babilonia Teatri (IT)

 

A point of excellence in the Italian scene of theatrical research, Babilonia Teatri arrive in Milan with a new creation, a sort of concert through which they manage to pass dense content and full of rebellion. The repeated word that tells the disenchantment for an (im)perfect world, unmistakable feature of the company, is shaped mainly in songs, specially written on the notes of Lorenzo Scuda (Oblivion), building a show where music and theater contaminate and dialogue in an uninterrupted and whirling.

Calcinculo is a show where words take the shape of music. Where music takes the shape of words. We live in an obsessive time that words and images are no longer able to tell by themselves, music comes to the rescue like a medicine or an explosive fuse.

Calcinculo is a show that wants to photograph our today. His perversions and his escapes from himself. His inability to imagine a future, to dream it, to strive towards an ideal, to believe. With this show the Babilonia tell the world around us with their sharp, painful and ironic look.

 

Show – duration 60 min. – in Italian
c/o ZONA K

By and with: Enrico Castellani and Valeria Raimondi Music: Lorenzo Scuda Stage direction: Luca Scotton Sound engineer: Luca Scapellato Production: Babilonia Teatri, La Piccionaia centro di produzione teatrale Co-production: Operaestate Festival Veneto Scenes Babilonia Teatri Production 2018. Thanks to Ana Valli Grandi Choir and Cuore Husky rescue

 

Babilonia Teatri is one of the most innovative companies in the contemporary theater scene, distinguishing itself for a language that is variously defined as pop, rock, punk. It has imposed itself on the Italian scene for its irreverent and divergent look at today’s world. Babilonia Teatri has won numerous awards over the years In addition to the main Italian cities, the company’s shows have been hosted numerous times abroad, from France to Germany, from Austria to Hungary, from Bosnia-Herzegovina to Croatia, from Colombia to Russia. Enrico Castellani and Valeria Raimondi, founders of the company in 2006, are the Artistic Directors of Babilonia Teatri. Playwrights, authors, directors and actors, Castellani and Raimondi are based in Verona. Lorenzo Scuda from 1999 to 2003 studies Musical at the BSMT of Bologna and from there he participates first as musician/orchestral and then as actor and singer in several productions, the most important is Jesus Christ Superstar with the Compagnia della Rancia in the role of Pilate. In 2002 he founded Oblivion. He is author and co-author of the lyrics, arranger and composer of all their productions. They debuted in November 2018 with their first original musical: La Bibbia riveduta e scorretta, directed by Giorgio Gallione. Since 2009 he has been working mainly for Oblivion, also dedicating himself to the activity of teacher for musical courses and seminars for theatrical improvisers throughout Italy.

Annie Dorsen (USA)

 

A microphone, a screen, the text running in overlay, two minutes to perform in front of the audience. Singers? No, in their place are other great artists who have gone down in history for their passion, their eloquence, their words.

Spokaoke is a participatory event that invites the audience to declaim speeches just as they would sing songs in a karaoke bar. Fifty speech-videos loaded into a karaoke device and available in a catalog that viewers can browse through: political speeches, public speeches, theatrical monologues, eulogies, trial testimony, etc. Some are familiar to the point of being considered icons (“I have a dream,” “Mr. Gorbachev, tear down this wall”); others are less well known; some are part of our history, others part of the collective imagination.

Reciting these old speeches means recognizing them for what they are: fragments of history and folk art. Here is an opportunity to pay homage to some of the greatest hit makers of all time and thus resurrect triumphs and traumas from our distant and near past.

If karaoke offers us the opportunity to recognize a shared ownership of pop music heritage, Spokaoke allows us to play with a legacy of spoken artifacts by constructing a Top10 of collective discourse.

 

 

Participatory performance – duration 60 min. – in Italian
A project by ZONA K with Stanze

 

Conception: Annie Dorsen Sound design: Vladimir Kudryatsev and Uli Ertl Assistance: Lola Harney Management: Natasha Katerinopoulos Co-production steirischer herbst (Graz) Black Box Teater (Oslo)

 

Annie Dorsen is a New York-based filmmaker and writer whose works explore the intersection of algorithms and live performance. Her most recent project, The Slow Room, premiered at Performance Space in New York City in Fall 2018. Previous projects, including The great outdoors (2017), Yesterday Tomorrow (2015), A piece of work (2013), and Hello hi there (2010), have been widely performed in the United States and other countries. She contributes to and writes for The Drama Review, Theatre Magazine, Etcetera, Frakcija, and Performing Arts Journal (PAJ).

La ballata dei Lenna (IT)

 

The show comes to life from the reading of The Pale King, the last novel published posthumously by the American David Foster Wallace, dedicated to the heroic everyday life of a group of officials of the Internal Revenue Service of a provincial town in the USA, with the intention of investigating boredom, and the ability / inability of the human being to survive the bureaucracy. Of The Pale King, a novel left unfinished, following DFW’s suicide, only shreds of unfinished stories remain in which we can glimpse the fragmented existences of the protagonists, and breathe DFW’s torment in trying at all costs to find a meaning to human existence.

Starting from here, La Ballata dei Lenna through a path of identification with the author, has conducted over several months, a search within several offices of the Internal Revenue Service in our country, with the intent to investigate a world that in the common imagination of heroic has very little. The material has produced an original dramaturgy that plays with the fragmentary nature of the novel to give life to a docuteatro that gives, together with the viewers’ eyes, a new sense to the work.

 

 

Performance – duration 70 min. ca. – in Italian
c/o ZONA K

By Paola Di Mitri Directed by Nicola Di Chio, Paola Di Mitri, Miriam Fieno With Nicola Di Chio, Paola Di Mitri, Miriam Fieno Narrator Alex Cendron Lights and visual concept Gennaro Maria Cedrangolo and Eleonora Diana Video and filming Vieri Brini and Irene Dionisio Costumes Valentina Menegatti Production La Ballata dei Lenna Executive production ACTI Teatri Indipendenti Production support Hangar Creatività, ZONA K Milano, Factory Compagnia Transadriatica, Principio Attivo Teatro In collaboration with Scuola Holden

 

La Ballata dei Lenna is a theatrical research collective founded by Nicola Di Chio, Paola Di Mitri and Miriam Fieno that was founded in 2012 at the Civica Accademia d’Arte Drammatica “Nico Pepe” in Udine, where the three actors trained and graduated. The company’s work focuses on the study of the relationships between the community and its daily life, in an attempt to highlight the points of friction of the contemporary imagination. The idea of theater as a collective representation leads the company to research and use a variety of languages, ranging from the centrality of the actor to its decomposition, from the word to the movement, from sound to image. The three artists ground their work in a perspective that encompasses the art of authorship, the craft of performance, and the role of stage manager.

FOCUS #3
• ECOLOGY •

Climate change, green economy, ecological economics…

The UN defines the green economy as a real perspective. A perspective for which a growth of income and employment are driven by investments whose goal is to reduce pollution, increase renewable energy, make resources more efficient and avoid the loss of biodiversity.

Climate change is a fact: the temperatures are increasing, the precipitation pattern is changing, the ice and snow are melting and the average sea level is rising globally.

Nonetheless the differences towards that science that Darwin referred to as “economy of nature” and that in 1866 was given the name of ecology, are still too many.

Although scientists tell us that we have entered in a so called time of “Anthropocene”, in which the terrestrial environment is strongly conditioned from the effects of human actions, we assist to a global schizophrenia. On one side political, social and economic forecasts are predicting devastating news about the planet’s future, supported by protectionist initiatives, nationalistic closures, and the discussion of the 2015 Paris agreements. On the other hand the birth of transnational movements are in favor of the environment, and new generations are aware of the risks and especially the development of economic investments in energetic camp that let us hope that the green economy will not only remain a dream.

 

SPECIAL RESIDENCES:

• September  28 | 29
  ELISABETTA CONSONNI with POLIPO (IT)
  I LOVE YOU PUBLIC
• October 3 | 6
  MICHELE LOSI/PLEIADI ART PRODUCTIONS (IT)
  R 500 – SAFARI IN THE URBAN LABYRINTH #STUDIO I. THE ISLAND THAT DOESN’T EXIST

October 11 | 14 + 16 + 18 |20
DOM- LEONARDO DELOGU, VALERIO SIRNA (IT)
THE MAN THAT WALKS
A project ZONE K and DANAE FESTIVAL
Traveling Show

October 16
ANDY FIELD (GB)
Masterclass

October 19 | 20
ANDY FIELD (GB)
LOOKOUT “a one on one meeting with a city view”
Site specific

October 23
ČERNOBYL’: A CATASTROPHE, A POINT OF DEPARTURE AND AWARENESS.
by Q Code Magazine

October 26 | 27
BERLIN (BE)
ZVIZDAL [CHERNOBYL, SO FAR – SO CLOSE]
at TeatroLaCucina

 

 

 

GO TO THE WHOLE SEASON

 

Deflorian/Tagliarini (IT)

 

Scavi is a collateral project to Quasi niente, a performance freely inspired by the film Deserto rosso by Michelangelo Antonioni, a work around the figure of the film’s protagonist, Giuliana, a “wild woman dressed elegantly” who takes on the marginality that has always attracted the two artists.

Scavi is a collateral project to Quasi niente, a performance freely inspired by the film Deserto rosso by Michelangelo Antonioni, a work around the figure of the film’s protagonist, Giuliana, a “wild woman dressed elegantly” who takes on the marginality that has always attracted the two artists.

Scavi is a performance that wants to be the public restitution of the “discoveries” in the investigation phase of the work on the new creation.

Digging patiently, as archaeologists do, to find a note in the margin, an unexpressed thought, a barely sketched idea, the photograph of an unedited scene. It is the encounter with the creative process, a vast, dense, raw material, of which the work is only the tip of the iceberg. This is how Daria Deflorian and Antonio Tagliarini, together with Francesco Alberici, approached Michelangelo Antonioni’s first color film, Il deserto rosso. At ZONA K they will return the discoveries of their excavations.

 

A project ZONA K and Triennale Teatro dell’Arte
Included in the program of FOG Triennale Milano Performing Arts.

Show – duration 60 min. ca. – in Italian
c/o ZONA K

 

A project by Daria Deflorian and Antonio Tagliarini Written and performed by Francesco Alberici, Daria Deflorian and Antonio Tagliarini Literary advice Morena Campani Accompaniment and international distribution Francesca Corona Organization Anna Damiani Photos Elizabeth Carecchio Coproduction A.D. and Festival di Santarcangelo In collaboration with Istituto Italiano di Cultura di Parigi Production residence Carrozzerie | n.o.t Roma

 

Daria Deflorian and Antonio Tagliarini are authors, directors and performers. Their first work dates back to 2008, Rewind, homage to Cafè Müller by Pina Bausch. In 2009 they staged From A to D and Back Again. Between 2010 and 2011 they worked on the “Reality Project” which, starting from the diaries of a Cracow housewife, gave life to two works: the installation/performance czeczy/cose (2011) and the show Reality (2012), a work for which Daria Deflorian won the 2012 Ubu Award as best leading actress. Ce ne andiamo per non darvi altre preoccupazioni debuted in 2013 (2014 Ubu Award as best Italian new play while in 2016 it received the Critics’ Award as best foreign play in Quebec, Canada). They created two site specific: Il posto (2014) created and presented in Milan at Casa Museo Boschi/Di Stefano for the project “Stanze” and Quando non so cosa fare cosa faccio (2015). The sky is not a backdrop premiered in 2016 in Lausanne. The show Almost Nothing premiered in October 2018.

Francesco Alberici (1988), completed his classical studies and graduated in Economics and Business at Bocconi University in Milan. He graduates as an actor at the school Quelli di Grock and works in several shows of the same company. With the collective FRIGOPRODUZIONI, of which he is founder together with Claudia Marsicano and Daniele Turconi, he realizes Socialmente and Tropicana, works thanks to which the group obtains several awards. In 2015 he participates in the theatrical specialization course “Il corpo nelle parole” of the Centro Teatrale Santa Cristina. In 2016 he begins a collaboration with Daria Deflorian and Antonio Tagliarini, which leads him to take part in the projects Il cielo non è un fondale, Quasi niente and Scavi.

Elisabetta Consonni (IT)

 

 

Project winner OPEN call /// CONTEMPORARY [URBAN] CREATION 2019 – new production

 

“The first man who, having fenced a piece of land, thought to say ‘this is mine’ and found people stupid enough to believe him, was the true founder of civil society. How many crimes, how many wars, how many murders, how many miseries and errors he would have spared mankind” (J.J. Russeau, Origin of Inequality, 1754).

Ti voglio un bene pubblico is an urban game that reflects on dividing infrastructures such as gates, walls, fences. So much of what surrounds us is made of walls and fences; understanding their meaning, from time to time, is a necessary civic practice. It is significant to note that the article of the civil code that regulates the construction of fences to secure private property is called ‘ius escludendi alios’: to determine one’s own by excluding the other.
When does a wall stop protecting and start dividing, segregating and excluding? And when a public space is fenced off and access to it is restricted, how much of that public space remains? When a wall is put up, how much of what is behind it can we not know?

Itinerant urban game for 24 spectators – duration 75 min. – in Italian
Departure point: c/o M1 Pasteur stop, Viale Monza 34

 

A project by Elisabetta Consonni In collaboration with Cristina Pancini, Sara Catellani and Barbara Stimoli With the support of IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (a project of Circuito CLAPS and ZONA K, Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire) With the consultancy of Adriano Cancelleri A production: Pergine Festival Co-production ZONA K, In\Visible Cities/Contaminazioni digitali, Terni Festival

Elisabetta Consonni has been active in the reflection and practice of how art can be a detonator of social change since 2014 with Ergonomica, a research container for the relationship of the body with urban space. As part of this research, she accompanies the theoretical study to the realization of actions such as: “We want to become architecture” and “Go with the flow” (Poland, 2014), the choreographed construction of “Pompenpurg Park” (Rotterdam, Architecture Biennale 2014), “Zeno’s second Paradox” (Milan, 2016), “Enough Space for the Tenderest of Attentions” (project for the Dance Biennale 2016). He curated the symposium Spazio Ergonomico at the Biennale Danza 2016.

Michele Losi/ Pleiadi Art Productions (IT)

 

R 500 – Safari in the urban labyrinth #studio I. Neverland is an itinerant and participatory performance that leads the public to explore nature, sometimes hidden from our eyes, and its complex relationship with urban architecture and inhabitants, in a narrow 500-metre radius between ZONA K and the Biblioteca degli Alberi.

The performance is the result of a collective work of artistic research and scientific analysis of this specific 500-metre radius: performers, ecologists, architects and musicians give life to an engaging and unique urban safari, composed of sound fragments, stories, visions and encounters.

 

Urban game for 66 spectators – in Italian
Duration: approx. 90 min.
Departure point: c/o ZONA K

 

A project by Pleiadi, Campsirago Residenza, in collaboration with ZONA K (I), The Intrnational Accademy for Natural Arts (NL), BAM – Biblioteca degli Alberi Milano (I), With the support of IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (a project of Circuito CLAPS and ZONA K, Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire) artistic and scientific team Michele Losi, Sjoerd Wagenaar, Sofia Bolognini, Liliana Benini, Luca Maria Baldini, Emilio Padoa Schioppa, Studio Pasta Madre collective.

 

Pleiadi Art Productions was founded in 2015 as part of Campsirago Residenza. It is an open and multidisciplinary production project that stems from the theatrical and performance experience of Michele Losi and the artistic experience of actress Mariasofia Alleva, together with Riccardo Calabrò, playwright, Marialuisa Bafunno, set designer, Stefania Coretti, costume designer and visual artist, Alberto Sansone, videomaker, Diego Dioguardi, sound designer, musician and DJ. It focuses on experimentation in the field of performing art, theatre in the landscape and site-specific productions. Pleiadi is a place open to artists from different disciplines and backgrounds who share the aim of creating art also for those who are not used to it: for those who, for example, have never been to the theatre or have stopped coming.

DOM- with Antonio Moresco (IT)

 

Art is about making everything false and seeming true.
Art is to make everything true and seem false.
“Realism is the impossible” – W. Siti

After the great success of the last season, the extraordinary operation of DOM- returns, which, starting from the graphic novel by Jiro Taniguchi, builds a dramaturgy of spaces in which to let explode the border between centre and suburbs, between urban and third landscape, between human and non-human.

A man, the writer and playwright Antonio Moresco, walks through the city. Through his journey, the landscape opens up and hides from the eyes of the public, who follow him at a distance, as if to spy on him, poised between identification and detachment.

The spaces follow one another as in an uninterrupted sequence – a square, a station, a cathedral, an uncultivated field, a swamp, a public swimming pool, a motel. The living experience of walking becomes the pretext for a hand-to-hand encounter with reality.

 

A project ZONA K and Danae Festival

Urban, itinerant performance for 15 spectators only.
Duration of the journey: 4 hours and 30 minutes approx.

The place of departure will be communicated by text message to each participant the day before the performance is booked, so telephone contact will be requested. The performance involves a walk of about 4 and a half hours, comfortable clothing and shoes are recommended. It is not suitable for people with reduced mobility.

 

Conceived, dramaturgy and direction by DOM- / Leonardo Delogu, Valerio Sirna Production Teatro Stabile dell’Umbria, ZONA K, Danae Festival, Terzo paesaggio With Antonio Moresco and with Paola Galassi and Isabella Macchi With the participation of the students of ITAS Giulio Natta of Milan Organisation and guidance Francesca Agabiti Freely inspired by the comic strip by Jiro Taniguchi – L’uomo che cammina Unpublished texts by Antonio Moresco Video project Studio Azzurro Edited by Alberto Danelli, Laura Marcolini, Martina Rosa Original music Fabio Zuffanti Sound processing Lorenzo Danesin Collaboration Museo Del Novecento, Milano Sport, Abbazia di Chiaravalle, Hotel Corvetto With the support of IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (a project of Circuito CLAPS and ZONA K, Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire)

 

GO TO THE FILM BY STUDIO AZZURRO

 

DOM- is a project born in 2013 from the collaboration between the artists Leonardo Delogu, Valerio Sirna and Hélène Gautier. It investigates the language of the performing arts, with particular attention to the relationship between body and landscape, and is committed to the transmission of peculiar practices of dwelling, linked to the space and time of artistic creation. DOM- builds performance events, seminars, walks, writings, gardens, installations, videos, photographic reportages.

Antonio Moresco, Italian writer [Mantua, born 1947]. After completing a difficult apprenticeship, which he recounts in Letters to No One (1997), critically documenting the difficulty of emerging from the condition of being a writer.
After completing a difficult apprenticeship, which he describes in Lettere a nessuno (1997), critically documenting the difficulty of emerging from the condition of being an underground writer rejected by the Italian publishing world, in 1993 he published the collection of short stories Clandestinità (Clandestinity), in which the themes that underpin his work are already present, rendered in a dry and hyper-realistic style that increases its dramatic impact: loneliness, first and foremost, crossed by a dimension of dreaming as estrangement from the self, which is accompanied by the recurring motif of a frantic search for meaning that unravels through oblique and unstable paths. The fulcrum of Moresco’s work revolves around the vast work Giochi dell’eternità (Games of Eternity), written over a period of 35 years, consisting of Gli esordi (1998), Canti del caos (published in two volumes in 2001 and 2003) and Gli increati (2015). His other works include: La cipolla (1995), Lo sbrego (2005), Scritti di viaggio, di combattimento e di sogno (2005), Merda e luce (2007), La lucina (2013), Fiaba d’amore (2014), I randagi (2014), Piccola fiaba un po’ da ridere e un po’ da piangere (2015), L’addio (2016), Fiabe da Antonio Moresco (2017) and, both in 2018, L’adorazione e la lotta and Il grido.
Founder in 2003 of the blog Nazione indiana, in 2005 he created the online and print magazine Il primo amore.

Andy Field (GB)

 

 

“A one-to-one meeting with a view of the city”.

Created in collaboration with a local school, Lookout is a one-to-one meeting between an adult, from the audience, and a child. An exchange between two people, who might not normally meet, that takes place on top of a building in Milan where together they look down on the city and imagine the future.
The conversation they share is a quiet journey through the past, present and future guided by the streets and landmarks laid out in front of them.
Through dreams of utopian architecture and possible catastrophes, hopes and fears, fashions of the future, proposed demolitions and real and imagined advances, they explore two very different versions of the city they both live in.

Lookout is an attempt to consider the big questions in a small way, to rediscover with a different gaze our Milan that we normally call home.
This version was developed through a workshop with the pupils of the third grade class of the I.C. Vittorio Locchi in Milan, who take part in the performance.

So far Lookout has been presented in: England, New Zealand, Egypt, Lithuania, Estonia, China, Shanghai, Vancouver. This version has been developed through a workshop with the fourth grade students of I.C. Vittorio Locchi in Milan who take part in the performance.

 

A project ZONA K and STANZE

The performance will be held also in case of rain.
c/o covered terrace Best Western Hotel Blaise & Francis, Via Enrico Annibale Butti, 9 (Dergano district).

 

Concept Andy Field Production Beckie Darlington Music and sound Tom Parkinson Dramaturgy Sybille Peters With the extraordinary participation of Class IVB I.C. Vittorio Locchi via Passerini: FRANCESCO, YAMAL, CRISTIAN, OLIVIA, DAVIDE C., DAVIDE D., ARAME, ADAM, RAHUL, KSENIA, MATTEO, ALESSANDRA, ANNA, LEONARDO, SABRINA, FEDERICO, BRIANA, VICTOR

Andy Field is an artist, writer and art curator based in London. He creates projects that aim to consider our relationships both with the spaces we inhabit and the people around us. He works primarily with children and young people. He has created interactive projects for families at the Natural History Museum in London, the Southbank Centre and the Arnolfini Gallery in Bristol. He is co-director of the Forest Fringe and writes for The Guardian and The Stage and Contemporary Theatre Review.

 

Go to MASTERCLASS

Cinzia Pietribiasi (IT)

 

During her residency at ZONA K, Cinzia Pietribiasi worked on a project she had been imagining for some time: a performance that could tell the story of a relationship. That of a daughter with her father. No representation, no characters: a story that is not told but rather traversed. The narration proceeds in fragments, images from memory, historical events and covers a period of time from 1979 to 1992. But Father of Love Father of Mud is present life. The spectators are summoned to be witnesses of an act of love that takes place in the creative process and ultimately in the performance itself. If there is a meaning, the only salvation lies in a collective hymn to life.

FIRST STUDY.
Digital performance and intermediate installation

Duration 70 min. – In Italian

by Cinzia Pietribiasi production Company Pietribiasi/Tedeschi co-production DAF Teatro dell’Esatta Fantasia With the support of IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (a project of Circuito CLAPS and ZONA K, Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire) performer Cinzia Pietribiasi sounds Giorgia Pietribiasi images Ayanta Noviello, Cinzia Pietribiasi scenes Giulia Drogo odours Marco Ceravolo light design Davide Cavandoli assistant performer Lidia Zanelli dramaturgical consultancy Pierluigi Tedeschi audio editing Alfredo De Vincentiis stage photos Pietro Baroni Thanks to Stefan Kaegi for tutoring, for advice and suggestions Lola Arias, Alina Marazzi, Franco Ripa di Meana, Filippo Ceredi, Lorenzo Belardinelli We would also like to thank Spazio Quarantanove and Via Roma Zero in Reggio Emilia, Unzalab in Milan, Alfonso Burzacchiello

 

Cinzia Pietribiasi, multidisciplinary and multimedia performance artist, was born in Vicenza in 1979. Today she lives in Emilia. She uses multimedia, especially video language and techniques, both as an artist and in her workshops with primary and secondary school students and psychiatric users. She obtained a master’s degree in Conservation of Cultural Heritage, a university master’s degree in Clown Therapy and a university master’s degree in theatre techniques as a tool for educational activities. She is currently enrolled in the two-year specialist course in New Technologies of Art at the Brera Academy of Fine Arts in Milan. In 2012, her solo “Io sono qui” was among the semi-finalists of Premio Gd’A Emilia Romagna. In the same year he founded the Pietribiasi/Tedeschi Company, an independent and self-produced company whose productions range from multimedia theatre to civil theatre. 

 

SPECIAL RESIDENCIES TECHNOLOGY

“Intercettazioni” – Centro di Residenza Artistica della Lombardia: a project by Circuito CLAPS and Industria Scenica, Milano Musica, Teatro delle Moire, ZONA K, with the contribution of Regione Lombardia, MiBAC and Fondazione Cariplo.

FOCUS #4
• TECHNOLOGY •

On the date of December 31, 1982, Isaac Asimov wrote in the Toronto Star newspaper. He narrated about how the world would have been in 2019. The focus being on if humanity will have survived a nuclear war, or how technology and IT innovation would have radically changed our way of living and working. The people of 2019 would have just been working on developing and studying implications of Artificial Intelligence and its applications.

Surely, for so many aspects he was right. Nowadays, AI is already part of our reality: domotic or home automation, siri, autonomous vehicles, robots. Are all of these simply tools that can guarantee people more free time and freedom or could they become dangerous antagonists of humankind in a near future? Is it possible that a machine develops wishes and could be looking for its own power or to substitute its own creator?

Scientists and experts are divided, some see such dangers as very probable, while others as not possible. We are not taking a position on this, but we are focusing on how smart technologies are already significantly affecting our life and how we interface with the world.

Is it all just about economic benefits, simplifications, working opportunities not possible before? Or should we also account for the fact that, under the surface of the friendly AI, there are hidden algorithms that already control the vast majority of the global financial transactions……social networks, news credibility, our world vision, as well as the mood – positive or negative – of billions of human beings, that can forecast human behavior and, based on such data, send out personalized promotional ads, manipulate minds, suggest actions to humans unaware of it all” (Luca De Biase)?

 

NOVEMBER

AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO /ANDREA CIOMMIENTO (ES/IT)
ORIGINS
A ZONA K production
Creation and direction Andrea Ciommiento
Original idea and dramaturgical consultancy Agrupación Señor Serrano

at ZONA K

 

SPECIAL TECH RESIDENCES

at ZONA K

• NOVEMBER
  CINZIA PIETRIBIASI (IT)
  FATHER of LOVE FATHER OF MUD
• NOVEMBER
  IMAGINOMETRIC SOCIETY (IT)
  THE MILAN EXPERIMENT
• NOVEMBER | DECEMBER
  KOKOSCHKA REVIVAL (IT)
  YOU FIGHT!

 

DECEMBER
RIMINI PROTOKOLL AND STAATSSPIELHAUS DRESDEN (CH/DE)
DREAMING COLLECTIVES. TAPPING SHEEPS (STATE 3)

A ZONE A  and Teatro Franco Parenti project

at TEATRO FRANCO PARENTI

 

 

GO TO THE WHOLE SEASON

LOLA ARIAS Masterclass

 

Can art be a way to revive the past? How do reality and fiction overlap? What does the expression documentary art imply? What kind of writing processes allow for this kind of project?

 

Through videos and materials from her works, Argentinean director Lola Arias talks about her experience in the field of documentary art and interdisciplinary projects using theatre, cinema and visual arts over the last decade. Arias addresses different aspects of the genesis and development of her works, where she problematises the relationship between aesthetics and politics, reality and fiction, artwork and social experiment.

Running time: 90′

Darren O’Donnell

 

Telling by involving: the seminar on participative theatre

This training seminar is for whoever wants to gain some advice and innovative strategies to develop site-specific and participative plays, that can be both provocative and original.

The work is based on the active involvement of people (not actors) of different ages and social context.

Artistic director and founder of the Canadian Mammalian Diving Reflex (considered the international expects in this area, always present at the most important international theatre festivals) Darren O’Donnell will guide you in the ideation and test of small performative actions based on his method: social ago puncture, designed to explore and systematize innovative devices to interact with the public.

The seminar in in English, with Italian translation, and is free.

To participate you should have a strong interest in this social practice. Experience is not necessary.

At the end of the seminar, who is interested can produce and send to ZONA K a participative theatre show to realize in Milan (following some parameters set out by ZONA K) to participate at the residence selection of ZONA K 2019.

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Darren O’Donnell is a novelist, essayist, playwright, director, designer and performer. His books (published by Coach House Press) include: Haircuts by Children and Other Evidence for a New Social Contract (2017), Social Acupuncture (2006), which argues for aesthetics of civic engagement, and Your Secrets Sleep with Me (2004), a novel about difference, love and the miraculous. His stage-based works include White Mice (1998), [boxhead] (2000), and All the Sex I’ve Ever Had (2012), all produced by Mammalian. Darren was the 2000 winner of the Pauline McGibbon Award for directing and has been nominated for a number of Dora Awards for his writing, directing, and acting, winning (with Naomi Campbell) for their design of White Mice. His play [boxhead] was nominated for a Chalmers Award and he received a Gabriel Award for excellence in broadcasting for his CBC radio piece Like a Fox. Under his directorship, Mammalian won the 2010 Mayor’s Arts Award for Youth, and his Mammalian Protocol for Collaborating with Children was awarded the Canadian Coalition for the Rights of Children Supporter Award in 2012. Darren has an MSc. in urban planning, a BFA in acting and studied shiatsu and tradition Chinese medicine at The Shiatsu School of Canada. Follow Darren on Twitter: @darrenodonnell Instagram: @o.darren Periscope: @darrenodonnell Snapchat: photoshine

FOCUS #1
• POLITICS •

Who wants to be a politician needs to venture into the world.

Opening the 2018 season with FOCUS POLITICS is foresight and provocation. The march elections speak for us. Politics permeate our social life in an intrusive way, contributing to spreading the alienation and detachment of the citizens. A question then arises: is democracy still a representation of the people’s power? In an everchanging society, is the power of democracy still effective? Is it still possible to talk about public and active agora?

Two famous international artists, that have already been guests of previous seasons at ZONA K, question these points. Roger Bernat presents PENDIENTE DE VOTO (HALTED VOTE). A show in which the participation of the public is required, in a political, humoristic reflection that faces the mechanisms of power in democracies and the totalitarian thinking in communities. A reflection on the word ‘citizenship’ and on participatory democracy, that can only make us think of the next political elections.

Yan Duyvendak, Nicolas Cilins & Nataly Sugnaux Hernandez (CH) with ACTIONS: a scenic device that seeks to create an ideal democratic meeting where refugees, political figures and volunteers can express themselves, with the goal of responding with effective and direct actions that can involve every single individual.

At last, the Italian section of ZONA K will host the revelation, artist Filippo M. Ceredi with BETWEEN ME AND P. , an intimate show made up of a documentary of a mysteriously missing brother. It is the action of one individual that creates a political by radically refusing to submit to the status quo of our society.

 

16 | 17 FEBRUARY
ROGER BERNAT/ FFF (ES)
PENDIENTE DE VOTO

 

20 FEBRUARY
SARAJEVO REWIND 2014>1914
Film documentario di Eric Gobetti e Simone Malavolti

 

2 | 4 MARCH
FILIPPO M. CEREDI (IT)
BETWEEN ME AND P.

 

9 | 10 MARCH
YAN DUYVENDAK & NICOLAS CILINS & NATALY SUGNAUX HERNANDEZ (CH)
ACTIONS
c/o Casa della Memoria

 

Filippo M. Ceredi (IT)

 

An intimate documentary on a mysteriously missing brother. It is the action of one individual that creates a political gesture by radically refusing to submit to the status quo of our society.

Between me and P.  is born from the radical need to rewrite a family story. Pietro disappeared voluntarily without leaving any traces, in 1987, when he was 22 years old.

After 25 years, Filippo, the younger brother started a long research to try and get closer to him and understand what pushed to disappear. The research is an attempt to bring light on this silent and pervasive absence. His scenic elaboration is a way to transmit this story, that talks deeply about the individual and collective present.

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano
Performance in Italian with subtitles in English – Duration 70 min. ca.

 

 

Performance di e con Filippo Michelangelo Ceredi. Tutor: Daria Deflorian, nell’ambito della residenza artistica Officina LachesiLAB. Accompagnamento alla realizzazione: Alessandra De Santis e Attilio Nicoli Cristiani. Accompagnamento alla coreografia: Cinzia Delorenzi. Assistenti al progetto: Clara F. Crescini, Sara Gambini Rossano, Francesca S. Perilli
Produzione: Filippo Michelangelo Ceredi, Teatro delle Moire / Danae Festival – 2016. Con il sostegno di ZONA K. Foto: Michela Di Savino 

Filippo Michelangelo Ceredi  filoceredi.wixsite.com

Yan Duyvendak,
Nicolas Cilins & Nataly Sugnaux Hernandez (CH)

 

“Is someone willing to do something? And what?¨

 

ACTIONS gives shape to an ideal democratic meeting where refugees, political figures and volunteers can express themselves, with the goal of responding with effective and direct actions that can involve every single individual. ACTIONS cannot be defined as a show. It is more a scenic device in the form of a documentary that involves the spectators in order to respond to the violence and the urgency of our political reality. It brings back the role of the theatre as a forum within the city life. It is an experience from which you will not leave indifferent.

 

ACTIONS is a cooperation projects involving:

• 4 associations from Milan: ASSPI, Black Panthers, Farsi Prossimo e ASNADA
• 4 refugees: Keita Thei, Jallow Sulay, Noori Abdul Jawad, Ali Dashti Bahiat
• 1 representative of the department of social politics of Milan
• 1 representative of ASGI, l’Avv. Luce Bonzano referent of ASGI Lombardia
• 2 giornalists to keep the debate coherent: Christian Elia, codirettore del Q CODE MAGAZINE e Carla Chelo, ex giornalista de L’Unità

 

ACTIONS explores the migration crisis, concentrating on ‘here and now’ and dealing with the theme of exclusion and the relationships that exist between art, activism and social changes in a moment in time in which the values of the European democracies are dissolving.

 

c/o CASA DELLA MEMORIA, Via F. Confalonieri, 14, 20124 Milano 
In Italian – Duration 140 min. ca.

 

 

Ideazione: Nicolas Cilins & Yan Duyvendak & Nataly Sugnaux Hernandez. Produzione Dreams Come True, Genève Coproduction La Bâtie-Festival de Genève; far° Festival des Arts Vivants, Nyon ; Marche Teatro/Inteatro Festival – Ancona, Pour-cent culturel Migros Con il sostegno di République et canton de Genève; Ville de Genève; Pro Helvetia – fondation suisse pour la culture; crédit de la Confédération destiné à l’intégration, Fondation meyrinoise du Casino, Stanley Thomas Johnson Foundation, Fondation Leenaards, Fondation Ernst Göhner, Bureau de l’intégration des étrangers BIE, Fondation JTI, fondation sesam, Ville de Versoix, Ville de Bernex, Ville de Satigny, Fondation suisse des artistes interprètes – SIS, Loterie Romande, CORODIS
Ringrazimanenti: Daniela Almansi, les Amis de La Bâtie, Patrick Falconnet, Christophe Girod e Katia Zenger – Hospice Général Genève, Cie Gilles Jobin, Théâtre de l’Usine

www.actionsproject.org
www.nicolas-cilins.com
www.duyvendak.com

FOCUS #2
• PEOPLE •

The power of the people, of the general public. The force and the real propulsion that come from the bottom. People have the power, power to the people, songs and slogans from the 70’s that still resist in a world that is very different than what is was then. Yet, despite everything, we still think that people have the power to change the world.

PEOPLE explores the strengths and the contradictions that permeate our society: the strength of feelings, the exchange between generations, solidarity; but also the relations between people where power plays are always more ambiguous and ruthless. Mainly it talks about people: young, teenagers, women that are curious, independent, aggressive but always current.

 

26 APRILE | 19 MAGGIO
MAMMALIAN DIVING REFLEX / DARREN O’DONNELL (CA)
TEENTALITARIANISM with 3 events + 1

• 26 | 27 APRIL
  Seminario con DARREN O’DONNELL
• 9 | 12 MAY
  NIGHTWALKS WITH TEENAGERS
  A ZONA K and Triennale Teatro dell’Arte project
• 18 MAY
  SEX, DRUGS AND CRIMINALITY
• 19 MAY
  ASK FOR THE MOONS

 

23 | 24 MAY
GUINEA PIGS (IT)
ATTI DI GUERRA

 

25 MAY
BARBARA MIELE (IT)
FOREVER YOUNG, I SOGNI DEL SESSANTOTTO
In collaborazione con PHOTO FESTIVAL MILANO

 

30 | 31 MAY
MARTA DALLA VIA (IT)
PERSONALE POLITICO PENTOTHAL – Opera rap per Andrea Pazienza

 

5 | 6 JUNE
SHE SHE POP (DE)
SACRIFICIO DI PRIMAVERA
A ZONA K and Teatro Franco Parenti project

 

 

Mammalian Diving Reflex
Darren O’Donnell (CA)

 

Here the  TEENTALITARIANISM project

 

Mammalian Diving Reflex
Darren O’Donnell (CA)

 

“You do not have to answer”

 

In this performance, 8 teenagers will pose questions to famous public figures of the city (politicians, intellectuals, artists) on their juvenile mischief and wrongdoings. The teens can ask any type of question and those questioned can refuse to answer.

For the FIRST NIGHT, the guests will be:  Lorenzo Piccolo (Nina’s Drag Queens), NERONE, Ira Rubini di Radio Popolare and Andrée Ruth Shammah (Teatro Franco Parenti).

The canadian group works towards the break down of the generational gap in a direct and non conventional wat. The two groups will see if they are able to connect, even if its only with their fingertips, and together they will have a very sincere discussion on three of the most confusing arguments in the universe: sex, drugs and criminality.

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano
In Italian – Duration 90 min. 

 

Here all TEENTALITARIANISM project

 

Ideazione e regia: Darren O’Donnell. Co-regia: Tina Fance, Kiera O’Brien, Virginia Antonipillai, Sanjay Ratnan. Produzione esecutiva: Eva Verity, Tina Fance. Produzione: ZONA K. Photo: Martin-Steffen. 
Questa presentazione di Teentalitarianism è resa possibile in parte grazie al supporto del Canada Council for the Arts e dell’Ontario Arts Council.

 

 

Mammalian Diving Reflex
Darren O’Donnell (CA)

 

Will you give me the moon?

 

Will you give me the moon?

 

With the closing of the   TEENTALITARIANISM journey, dedicated to teenagers, the Ask for the moon event will be the opportunity for them to publibly expose their works and snatch promeses to the organizers.

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano

 

Ideazione e regia: Darren O’Donnell. Co-regia: Tina Fance, Kiera O’Brien, Virginia Antonipillai, Sanjay Ratnan. Produzione esecutiva: Eva Verity, Tina Fance. Produzione: ZONA K. Photo: Konstantin Bock. 
Questa presentazione di Teentalitarianism è resa possibile in parte grazie al supporto del Canada Council for the Arts e dell’Ontario Arts Council.

 

Guinea Pigs (IT)

 

The show articulates itself it two autonomous branches with a common theme: the violence of power, hidden and invisible, that society does not recognize. Free violence and social-bullying, a women’s body as a land to be conquered: these are the wars that Guinea Pigs tell in a scenic vision founded on the relationship between acting, sonic composition, drama and movement.

Atti di Guerra (War acts) is the first artistic project of the Milanese group, that has already won prestigious rewards in Italy. Four actors on scene, their bodies, the sound, light and the speaking: there are the elements that make the show Atti di Guerra. Two different tensions. On one side the will to remain participating to the acts of violence that are evoked on stage, without embellishments and without special effects .On the other side the tension of a theatrical language far way form the reality of the representation, that makes it possible to observe these violent acts as if they weren’t true, but from a magnifying glass, that isolates the details. The result of of this research made by the Guinea Pigs is a show in which narration and representation travel on two parallel tracks in constant dialogue. The narration is entrusted to the speech, to the bodies, to the sounds and light: metaphorical and sometimes meta-theatrical. The unspoken objective is the creation of a prism that can bring the eyes of the spectators closer to those shards of free and unjustified violence that can explode wherever.

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano
In Italian – Duration 70 min.

Ideazione e regia di Riccardo Mallus. Drammaturgia di Giulia Tollis. Di e con: Letizia Bravi, Marco De Francesca, Francesco Martucci, Federico Manfredi. Composizone sonora di Gianluca Agostini. Movimento scenico di Betti Rollo. Costumi di Laura Dondi. Luci di Martino Minzoni. Foto: Diego Monfredini  e Lucia Baldini

Marta Dalla Via (IT)

 

Opera Rap for Andrea Pazienza show that with a great sense of rhythm, deals with the confrontation between two generations: those of the disputes on the street, and those of the digital and social square. A tribute to the linguistic palette of Paz that paints with words, scenes of heroin, bullets and free radio’s. Opera Rap embellished with the verses of four young artists coming from the world of freestyle.

Pentothal is one of Andrea Pazienza’s graphic alter-ego’s, but it is also a drug that free’s your inhibitions. The rappers on the stage are like that: they don’t accept censorship. But the pentothal can also be the fatal injection gives to the senteced to death. It is the amnesia of the rest of the world, the reduction of the cultural immune defenses.

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano
In Italiano – Duration 80 min.

 

Un progetto Fratelli Dalla Via. Di e con Marta Dalla Via e Omar Faedo (Moova), Simone Meneguzzo (DJ MS), Michele Seclì (LETHAL V), Alessio Sulis (REBUS). Direzione tecnica Roberto Di Fresco. Scene e costumi  Roberto Di Fresco. Una produzione Piccionaia Centro di Produzione Teatrale + Fratelli Dalla Via + Gold Leaves e Festival delle Colline Torinesi. Lo spettacolo ha debuttato a giugno 2017 al Festival delle Colline Torinesi.

 

performed by the She She Pops and their mothers (DE)

 

“A great show about parents’ faults and mistakes” Der Spiegel

 

2018 marks the start of a collaboration between ZONA K and Teatro Franco Parenti which, in an unusual and constructive way, present some shows together. An OFF reality and a historic theatre on the Milanese scene thus make explicit a convergence of artistic and thematic interests on some international avant-garde companies.

The performers are on stage with their respective mothers in an unusual version of Igor Stravinsky’s Rite of Spring. The performance focuses on the sacrifice of women in today’s family and society.

Since 1993, the Berlin-based women’s collective She She Pop have been exploring the social boundaries of communication in shows where they combine humour and intransigence on the one hand and spontaneity and sincerity on the other. After inviting their fathers in 2010 to participate in the performance Testament, they continued their investigation by adapting Igor Stravinsky’s Rite of Spring, together with their real mothers. The result is a lucid and irreverent analysis of the contradictory relationships between generations, a sort of manifesto on the role of women, prisoners of the conflict between private life and career.

 

 

The performance focuses on the theme of women’s sacrifice in the family and society. Stravinsky’s religious dimension of the ritual of human sacrifice is replaced by the moral question of self-sacrifice in the relationship between women and men and between mothers and daughters. Put in these terms, the topic immediately generates reluctance: sacrificing oneself as a woman for others seems an obsolete issue today. The enormous importance of self-determination and personal freedom that drives our society has obscured the sense of devotion and sacrifice.

The ancient pagan ritual that inspired Stravinsky, on the other hand, is based on the certainty that every community requires sacrifice, and indeed is founded and affirmed precisely through collective sacrifice. As in Stravinsky’s original play, the performance stages a ritual: the meeting between the She She Pops, their mothers and the audience. However, unlike the community gathered by Stravinsky to celebrate the sacrifice of spring, there is no agreement between the She She Pops and their mothers as to how it should be performed. Doubts arise from the very beginning. However, at the same time, the decision to try, together, is firm. “Who were we? Who are we? Why have we become like this?”

 

A project by ZONA K and Teatro Franco Parenti
c/o Teatro Franco Parenti, Via Pier Lombardo, 14 Milan
performance in German with Italian subtitles

 

un progetto She She Pop di e con Cornelia e Sebastian Bark, Heike e Johanna Freiburg, Fanni Halmburger, Lisa Lucassen, Mieke Matzke, Irene e Ilia Papatheodorou, Heidi e Berit Stumpf, Nina Tecklenburg video Benjamin Krieg e She She Pop scenografia Sandra Fox e She She Pop costumi Lea Søvsø collaborazione musicale Damian Rebgetz collaborazione coreografica Jill Emerson consulenza drammaturgica Veronika Steininger luci e direzione tecnica Sven Nichterlein suono Florian Fischer  assistente video Anna Zett sovratitoli KITA (Anna Kasten) coordinamento e supporto Fanny Frohnmeyer, Kaja Jakstat, Ruschka Steininger supporto tecnico tour Florian Fischer, Manuel Horstmann, Andreas Kröher, Michael Lentner, Sven Nichterlein, Torsten Schwarzbach.  traduzione per sovratitoli Emanuele Galante produzione/PR ehrliche arbeit – freelance office for culture.  amministrazione Aminata Oelßner. management Elke Weber produzione She She Pop coproduzione Hebbel am Ufer, FFT Düsseldorf, Mousonturm Frankfurt, Kaserne Basel, brut Vienna, German Language Theater Festival of Prague/Archa Theater Prag, Kyoto Experiment, Théâtre de la Ville/Festival d’Automne à Paris con il sostegno di Città di Berlino e Hauptstadtkulturfonds Berlin

 

She She Pop is a collective founded at the end of 1990 by a group of graduates of the “Applied Theater Studies program” in Gießen. The members are Sebastian Bark, Johanna Freiburg, Fanni Halmburger, Lisa Lucassen, Mieke Matzke, Ilia Papatheodorou and Berit Stumpf. The executive production is by Elke Weber. The performers, mostly women, see themselves as authors, playwrights and makers of their own stage art. The reference to their own biographies is primarily a method – and not an aim – of their work: the biographical material is condensed into a recognisable artistic strategy and stylised positions. The result is a form of theatre strongly linked to experimentation. The theatre is transformed into a space dedicated to utopian communication. She She Pop considers it its task to trace the social limits of communication – and to go beyond the protective theatrical space, in both specific and artistic terms. Since 1998 She She Pop has been based in Berlin. The theatre HAU Hebbel am Ufer has been co-producer and partner since 2003. Other partners, in Germany and abroad, are: Munich Kammerspiele, Schauspiel Stuttgart, Kampnagel Hamburg, Forum Freies Theater Dusseldorf, Mousonturm Frankfurt / Main and Kaserne Basel, brut Wien, Theatre de la Ville / Festival d’Automne de Paris, Festival Kyoto Experiment Archa Theatre Prague, Prague German language Festival and the Konfrontationen Festival Lublin. The group is currently on tour with the following shows: the preview of Oratorio, which will premiere in February 2018 in Berlin, The Ocean is closed (2017), which premiered in October in Berlin and has just been presented at Romaeuropa Festival, Besessen (2016), 50 Grades of Shame (2016), Some of us (2014), Ende (2014), Schubladen (2012). Among the most successful shows, we must remember the extraordinary Testament (2010) which saw the performers on stage with their fathers.

FOCUS #3 • CITIES •

What role do cities have in today’s world? Open, cosmopolitan, incubators of better tomorrows, memories of past cultures, grounds for ecological and social challenges? Or chaotic, closed, provincial even if European, an example of non-integration, uniform and without poetry?

The roads are different, they overlap, they run parallel to remind us that it is we who determine the places we live.

And so we are returning to focus on cities, not only as symbols of economic and political power but above all as examples of the richness of Italy’s cultural heritage and the diversity of its urban fabric. And we want to reappropriate this heritage: invading spaces, marking out landscape maps, building connections, inhabiting places that are often unknown. Let us once again come out into the open in an unusual and necessary way in the only way we know how.

 

 

5 | 7 OTTOBRE
OHT (IT)
PROJECT MERCURY – Performance n°3

 

14 OTTOBRE
ELEONORA PIPPO (IT)
LE RAGAZZINE DI MILANO STANNO PERDENDO IL CONTROLLO. La società le teme. La fine è azzurra.

 

18 | 21 OTTOBRE + 24 | 28 OTTOBRE
DOM –  (IT)
L’UOMO CHE CAMMINA
Un progetto ZONA K e  Danae Festival

 

10 | 11 NOVEMBRE
DANCE MAKERS (IT)
LONG-LASTING LANDSCAPES – Itinerari coreografici urbani
Un progetto ZONA K e Stanze

 

LONG-LASTING LANDSCAPES
itinerari coreografici urbani

 

Long-Lasting Landscapes è un progetto basato sulla relazione tra persone e luoghi attraverso la danza e i linguaggi del corpo. Il percorso degli itinerari è strutturato in molteplici tappe in cui si alternano creazioni artistiche di natura performativa a momenti partecipativi dove il pubblico diventa visitatore, spettatore e protagonista.

Gli itinerari offrono nuove prospettive di osservazione e nuovi modi di abitare gli spazi urbani mettendo in campo la corporeità. Ogni itinerario coreografico è unico perché sviluppato e pensato in stretta relazione al contesto che lo ospita.

Il progetto si propone di diffondere la danza contemporanea in luoghi non convenzionali stimolando una riflessione sul territorio e sulle sue risorse, attraverso interventi che portano ad esplorare il territorio tramite il vocabolario corporeo. La danza è di tutti e di tutti i luoghi, i quali a loro volta, impregnati di storia, di natura e di arte, sono fonte di conoscenza e stimolo per l’immaginazione e la creazione artistica. Questo pensiero è la base per la creazione di partiture coreografiche che traggono ispirazione dagli elementi architettonici, dalle geometrie, dalle sonorità, dalle opere d’arte, dalla storia e dagli abitanti che rendono unico un territorio e che andranno a costituire le tappe degli itinerari coreografici.

 

Un progetto ZONA K e Stanze

 

perfomance site-specific c/o luogo della città
In italiano – Durata 40 min.

Ingresso: 15,00 € (intero) / 10,00 € (ridotto under 30/over 65/gruppi)

 

ideazione e interpretazione: Dance Makers (Anna Altobello, Beatrice Bresolin, Ilaria Campagnolo, Marina Donatone, Giovanna Garzotto, Michela Lorenzano, Andrea Rampazzo, Silvia Sessi) con il sostegno di: CSC – Centro per la Scena Contemporanea di Bassano del Grappa

 

Dance Makers è un gruppo di artisti della danza nato nel 2017 in seguito alla partecipazione a Dance Makers1, progetto organizzato dal CSC – Centro per la Scena Contemporanea di Bassano del Grappa. Il gruppo è composto da danzatori, insegnanti, insegnanti Dance Well – movement research for Parkinson e coreografi. I Dance Makers hanno pensato e realizzato itinerari coreografici in spazi non convenzionali, attività di ricerca sulle pratiche coreografiche e restituzioni di spettacoli in occasione di B.Motion Danza Operaestate – Festival Veneto, Festival Ammutinamenti – Cantieri Danza e Gender Bender Festival. Hanno danzato in progetti a cura di Iván Pérez, James Batchelor e Silvia Gribaudi, e attualmente sono impegnati in una nuova creazione con il coreografo Andrea Costanzo Martini. Parallelamente continuano a realizzare spettacoli site-specific in musei e spazi urbani, e sono attivi nell’organizzazione di workshops per professionisti e non-professionisti.

Eleonora Pippo (IT)

SOCIETY FEARS THEM. THE END IS BLUE

“We are not girls.
We are silver bullets for your middle-class brains!”

 

The friendship between Motta and Castracani – two middle-class girls with a shared passion for medical analysis – tells of the loss of control, the confused search for an identity, the recklessness, the challenge to themselves and the world, the investigation of their own bodies, common to many teenagers.

Inspired by Ratigher’s teen drama of the same name, Eleonora Pippo’s work enriches the plot with the experiences of the girls on stage. A parallel narrative made up of short interviews, live songs chosen by the girls themselves and letters addressed to a self from the future reveals the resources of the Post-Millennial Girls, interweaving fiction and reality that reinforce each other.

The theatre project is based on the formation of a temporary local company made up of girls between 13 and 18 years old, who – in the record time of seven days – work together with the director to create an original performance.

The performance, enriched by the installation La fine azzurra (The blue end), by Eleonora Pippo herself, is staged only once with active participation of the audience.

A PROJECT ZONA K and STANZE
c/o ZONA K
People-specific creation for girls under 18 and their community – Duration 60 min.

In each square where the show is programmed, a temporary local troupe of non-professional teenage girls is formed.  The production takes place in seven days. The show is staged only once with active audience participation. @le_ragazzine_project by Eleonora Pippo is co-produced by Teatro della Tosse in Genoa and Eleonora Pippo with the support of Coconino Press FANDANGO EDITORE + Kilowatt Festival press office Antonella Bartoli

The bravest girls in Milan are 
Camilla Bonati, Clara Topputo, Elena Rieux, J. Gilda Pucci, Matilde Rosati, Paola Ricchiuto, Sara Guttadauro

Eleonora Pippo (Pordenone, 1976). A pupil of Giancarlo Cobelli and Marisa Fabbri at the Scuola del Teatro Stabile di Torino, actress with Valerio Binasco, Tim Stark, Claudio Longhi, Elio De Capitani and Franco Branciaroli, she is the director of “Cinque allegri ragazzi morti IL MUSICAL LO-FI”, the independent experimental musical based on the homonymous comic strip saga by Davide Toffolo, which has conquered the most prestigious Italian stages. He works on the break of the traditional theatrical language, he avoids the scenic illusion, to enter a territory of intimate sharing with the inner world of the characters and of the audience to whom he recognizes the role of protagonist. He directed Cinque allegri ragazzi morti IL MUSICAL LO-FI L’alternativa, La festa dei morti and #tuttonuovo, Marburg, Save your wish, Come fu che in Italia scoppiò la rivoluzione ma nessuno se ne accorse by Davide Carnevali, Ulisse chatta con gli dei Amleto gioca alla playstation, Raskolnikov legge fumetti, Sotterraneo), Cinque donne con lo stesso vestito Yumiura. He won the Premio Scintille at Asti Teatro Festival (2010). She perfected her training at the ViaNegativa company in Ljubljana, with Thomas Ostermeier, Agrupación Señor Serrano and with Richard Maxwell/ New York City Players.

OHT | Office for a Human Theatre (IT)

 

“Lo spazio siderale per indagare lo spazio dei desideri”

 

Fiora and Chiara are training to become astronauts and face what is, to all intents and purposes, a space odyssey. The inability to assert themselves is latent in their every gesture and word, yet they do not give up and fight to conquer their portion of space.
It is their total lack of cynicism that turns an aseptic photographic studio into sidereal space.

Starting with Mercury 13, the failed American plan to send thirteen women into space, the show investigates the emotional consequences of not having the opportunity to do what you want to do. Oscillating in this impasse, the show puts the two would-be astronauts in dialogue with John Fitzgerald Kennedy, Jerrie Cobb (the first failed astronaut) and the only strike that took place in space.

With Project Mercury, OHT continues its Performance Series inspired by Richard Sennett’s sociological research on the emotional waste caused by one’s working condition. The first performance (Self-Portrait with Two Friends) deals with failure in a private space. The second (Weaknesses) turns on the exposure of one’s weaknesses in a public place. Finally, the third (Project Mercury) revolves around the absence of privilege in sidereal space.

c/o ZONA K
In Italian – Duration 50 min.

 

Idea, regia, scenografia Filippo Andreatta di e con Chiara Caimmi, Fiora Blasi drammaturgia Filippo Andreatta e Charles Adrian Gillott esperto spaziale Paolo Giuseppe Bianchi costumi Andrea Ravieli  direttore palcoscenico Massimiliano Rassu costruzione pedana Giovanni Marocco produzione Laura Marinelli una produzione OHT con il supporto di Fondazione Caritro, PAT residenza artistica Centrale Fies, Residenze IDRA, Teatro Cantiere Florida

 

OHT | Office for a Human Theatre was born in 2008, after winning Nuove Sensibilità, national award for young directors at Napoli Teatro Festival Italia, it has obtained Italian and international collaborations with the most prestigious European cultural institutes and important cultural institutions in the world. Finally, Centrale Fies and MART museum of modern and contemporary art of Trento and Rovereto are frequent partners.

DOM– con Antonio Moresco (IT)

“follow the man as he walks / match your step to his
keep a certain distance / sink into the landscape you cross”.

 

A man – shadowy and elusive – walks through the city. He walks through a variety of urban and suburban spaces – a station, an uncultivated field, an occupied house, a monastery, a recreational club and in between streets, squares, tracks. The audience follows him at a distance, almost spying on him, poised between identification and detachment.

“The man who walks” in Milan is Antonio Moresco, writer, author of narrative, theatrical and non-fiction works. It will be him that participants will have to follow from the centre to the periphery, from open spaces to closed ones. A wonderful experience for spectators/walkers, a rare opportunity to look at one’s own city with other eyes.

Starting from the graphic novel L’uomo che cammina (The Walking Man) by Jiro Taniguchi, DOM- builds a dramaturgy of spaces in which to explore the boundary between urban and third landscape, those abandoned areas at the edge of the inhabited reality. Going deeper and deeper into the substance of the places, the living experience of walking becomes the pretext for an ineliminable tension with reality and the presence of the spectator becomes the very centre of the performance.

A project by ZONA K and DANAE Festival
Urban walk for 18 spectators per performance.
In Italian – Duration 4h and 30 min.

The place of departure will be communicated by text message to each participant the day before the booked performance, so a phone contact will be requested. The performance involves a walk of about 4 hours, comfortable clothing and shoes are recommended. It is not suitable for people with reduced mobility.

 

creation, spatial dramaturgy and direction DOM- Leonardo Delogu, Valerio Sirna with Antonio Moresco and with Paola Galassi, Isabella Macchi with the participation of the students of ITAS Giulio Natta thanks to Studio Azzurro produced by Teatro Stabile dell’Umbria, Danae Festival, Zona K organisation Francesca Agabiti freely inspired by the comic strip by Jiro Taniguchi – L’uomo che cammina audiovisual documentation Studio Azzurro original music Fabio Zuffanti sound processing Lorenzo Danesin
Special thanks to the association Terzo Paesaggio

 

DOM- is a project born in 2013 from the collaboration between the artists Leonardo Delogu, Valerio Sirna and Hélène Gautier. It investigates the language of performing arts, with particular attention to the relationship between body and landscape, and is committed to the transmission of peculiar practices of dwelling, linked to the space and time of artistic creation. DOM- builds performance events, seminars, walks, writings, gardens, installations, videos, photographic reportages.

Antonio Moresco, Italian writer [Mantua, born 1947]. After completing a difficult apprenticeship, which he recounts in Letters to No One (1997), critically documenting the difficulty of emerging from the condition of being a writer.
After completing a difficult apprenticeship, which he describes in Lettere a nessuno (1997), critically documenting the difficulty of emerging from the condition of being an underground writer rejected by the Italian publishing world, in 1993 he published the collection of short stories Clandestinità (Clandestinity), in which the themes that underpin his work are already present, rendered in a dry and hyper-realistic style that increases its dramatic impact: loneliness, first and foremost, crossed by a dimension of dreaming as estrangement from the self, which is accompanied by the recurring motif of a frantic search for meaning that unravels through oblique and unstable paths. The fulcrum of Moresco’s work revolves around the vast work Giochi dell’eternità (Games of Eternity), written over a period of 35 years, consisting of Gli esordi (1998), Canti del caos (published in two volumes in 2001 and 2003) and Gli increati (2015). His other works include: La cipolla (1995), Lo sbrego (2005), Scritti di viaggio, di combattimento e di sogno (2005), Merda e luce (2007), La lucina (2013), Fiaba d’amore (2014), I randagi (2014), Piccola fiaba un po’ da ridere e un po’ da piangere (2015), L’addio (2016), Fiabe da Antonio Moresco (2017) and, both in 2018, L’adorazione e la lotta and Il grido.
Founder in 2003 of the blog Nazione indiana, in 2005 he created the online and print magazine Il primo amore.

FOCUS MEDIA

Una riflessione sul rapporto tra mezzi di comunicazione e potere e sul potere della comunicazione di condizionare il pensiero della società, di stravolgere il passato, di leggere un solo presente e immaginare futuri incredibili.

Siamo vittime della comunicazione, asservita alle strategie di manipolazione dei poteri economici e politici, secondo la formula comunicazione=potere=controllo sociale?

Oppure esistono ancora margini per utilizzare i media come una forza positiva, strumento e strada verso il cambiamento?

A guardare l’assalto di dispositivi elettronici che oramai corredano le nostre esistenze come protesi irrinunciabili, pare evidente quanto l’uso dei nuovi strumenti ci offra un diverso modo di percepire la realtà, sempre più in bilico tra un’informazione diretta, onesta e una falsificazione della stessa, priva di controllo.

Ancora una volta, gettiamo uno sguardo alla forza positiva della comunicazione che non è solo “quarto potere” o “potere 4.0”, ma è anche la forza dei diversi linguaggi che la compongono e che ci offrono sguardi e letture differenti.

 

17 | 20 OTTOBRE

BERLIN (BE)
PERHAPS ALL THE DRAGONS
+
REMEMBER THE DRAGONS
Un progetto ZONA K e Triennale Teatro dell’Arte

 

19 NOVEMBRE
LOLA ARIAS (AR)
THEATRE AS A REMAKE OF THE PAST
Masterclass

 

19 | 22 NOVEMBRE
LOLA ARIAS (AR)
VETERANS

 

23 NOVEMBRE
LOLA ARIAS (AR)
MY DOCUMENTS

 

15 | 18 NOVEMBRE
CIRCOLO BERGMAN (IT)
BILDERATLAS

 

1 | 2 DICEMBRE

MILO RAU/IIPM (CH)
HATE RADIO
In collaborazione con Olinda / TeatroLaCucina

Berlin (BE)

 

“Breathtaking! And exciting, because each of the characters
tells a true story.  A collection of collective stories.
This work is a descent into the heart of humanity.” Le Figaro

 

For the first time in Milan, the Belgian company acclaimed throughout Europe with an aesthetically irresistible theatrical installation with intelligent content.

A famous pianist realises on stage that she has studied the wrong concerto – A neurosurgeon swaps the head and body of two monkeys, they survive – In Japan there are 700,000 people who live as hikikomori, locked in their bedrooms for at least a year, completely detached from social life – Six degrees of separation, a theory that states that each individual can connect with another through no more than 6 intermediaries in the world.

Thirty stories, transformed into as many video monologues with a dramaturgical construction that creates coherence between them. The duration of each intervention will be exactly the same. Different interactions will take place at different times. Directors Bart Baele and Yves Degryse have encountered interesting people, facts, anecdotes, adventures, intrigues and thoughts. The themes that emerged from these stories are eclectic: from philosophical hypotheses to scientific detail to anecdotes, etc. A large oval structure on the perimeter of which 30 screens/stories are mounted, accommodates 30 spectators

 

A project by ZONA K e Triennale Teatro dell’Arte 

 

c/o  Triennale Teatro dell’Arte – viale Alemagna, 6
30 spectators for each performance

 

Take a look to: REMEMBER ALL THE DRAGONS

 

 

Ideazione BERLIN (Bart Baele, Yves Degryse) Scenografia BERLIN, Manu Siebens Testo Kirsten Roosendaal, Yves Degryse, Bart Baele Editing Bart Baele, Geert De Vleesschauwer, Yves Degryse Soundtrack e mixing Peter Van Laerhoven Camera Geert De Vleesschauwer Direzione tecnica Robrecht Ghesquière Ricerca e drammaturgia Natalie Schrauwen con Derek Blyth, Sergey Glushkov, François Pierron, Juan Albeiro Serrato Torres, Rinat Shaham, Shizuka Hariu, Shlomi Krichely, Jonas Jonsson, Nirman Arora, Suneet Chhabra, Luci Comincioli, Roger Christmann, Regina Vilaça, Pat Butler, Walter Müller, Adela Efendieva, Andrew Mugisha, Ramesh Parekh, Nico Mäkel, Wim Mäkel, Tamas Sandor, Philippe Cappelle, Romik Rai, Brecht Ghijselinck, Vladimir Bondarev, Andrei Tarasov, Matsumoto Kazushi, Bob Turner, Geert-Jan Jansen, Kurt Lannoye, Robrecht Ghesquière, Laura Fierens, Patryk Wezowski, Hilde Verhelst, Christina Davidsen produzione BERLIN in coproduzione con Deutsches Schauspielhaus Hamburg [DE], KunstenfestivaldesArts [Bruxelles – BE], le CENTQUATRE [Parigi – FR], Dublin Theatre Festival [IE], Centrale Fies [Dro – IT], Noorderzon Performing Arts Festival [Groningen – NL], La Bâtie – Festival de Genève [CH], Zomer van Antwerpen [BE]
progetto coprodotto da NXTSTP, con il supporto del Programma Cultura dell’Unione Europea e ONDA – Office national de diffusion artistique BERLIN è artista associato a CENTQUATRE [Parigi – FR] con il supporto del Governo Fiammingo

VETERANS

 

“Incredibilmente potente” Indipendent

 

In questo progetto del 2014 Lola Arias indaga la questione di cosa significhi essere un veterano di guerra del conflitto delle Malvinas/Falkland.

La videoinstallazione è composta da cinque video che raccontano di come viene ricordato il conflitto da coloro che nel 1982, all’età di 18 anni diventarono soldati e di come oggi, all’età di 50 anni, si sentano dei veterani. Ognuno di loro ricostruisce la propria esperienza in un luogo che vive giornalmente: uno psicologo rivive l’esplosione di una bomba nell’ospedale psichiatrico in cui lavora, un campione di triathlon rivive la morte del suo partner in una piscina dove si allena tutti i giorni…

Tutti loro rivivranno i loro ricordi come se una macchina del tempo avesse riportato all’oggi il loro passato.

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano

Videoinstallazione – durata 50 min.

Per accedere occorre tesserarsi a ZONA K. Leggi qui come.

 

Ideazione e regia: Lola Arias Con i veterani argentini della Guerra delle Falkland: Guillermo Dellepiane, Daniel Terzano, Marcelo Vallejo, Dario Volonté, Fabián Volonté Messa in scena: Nele Wohlatz, Ignacio Masllorens Riprese: Manuel Abramovich Camera: Manuel Abramovich, Ignacio Masllorens Suono: Francisco Pedemonte, Facundo Moreno Produzione: Sofía Medici, Luz Algranti Editing: Alejo Moguillansky Assistente all’editing: Nele Wohlatz Traduzione: Daniel Tunnard

MY DOCUMENTS

 

“My Documents è un lavoro sul fallimento” Lola Arias

My Documents è il risultato del workshop condotto da Lola Arias con un gruppo di artisti italiani, che prende spunto dall’omonimo ciclo di conferenze-spettacolo dove artisti di diversi ambiti raccontano la loro ricerca, un’esperienza che hanno vissuto in modo radicale e una storia che li ossessiona.

Sul palco ci sarà solamente l’artista con i suoi appunti: un modo per portare alla luce il tipo di ricerca che spesso si perde in una cartella senza nome in un computer.

Questo genere di conferenze-spettacolo fu creato negli anni ’60 da Joseph Beuys e da Robert Smithson, un modo di trasformare un discorso in opera d’arte. Negli ultimi anni, questo formato è proliferato nel teatro, nella danza e nelle arti visive, diventando una delle modalità del teatro concettuale. Artisti come Rabih Mroué, Tim Etchells and Jérôme Bel hanno reinventato il genere, rendendo queste conferenze non accademiche un modo per presentare e parlare di ricerche ed esperienze.

 

c/o ZONA K

Durata 60 min.

Ingresso: 15,00 € (intero) / 10,00 € (ridotto under 30/over 65/gruppi)
Per accedere allo spettacolo occorre tesserarsi a ZONA K. Leggi qui come.

 

Ideazione e a cura di Lola Arias Produzione di Luz Algranti Direzione tecnica di Marcos Medici

 

 

 

Circolo Bergman (IT)

 

What is at stake when we put an image of ourselves into circulation? What is this gesture deeply connected with?

Every day, in the open space of the Web, millions of photos are posted through which people attempt to compose an image of their own identity. Places, portraits, selfies create an endless Atlas of the contemporary, almost a modern-day version of the unfinished Atlas of Memory, composed by art historian Aby Warburg at the beginning of the 20th century. Warburg was convinced that archetypes traversed history by embodying themselves in images and, in images, he sought that formula of pathos that would reveal to him the profound spirit that connects our imagination to its origins.

The plates of Bilderatlas Mnemosyne resemble an analogue version of an Instagram profile, in which a constant is sought that connects them together: the photo of a young girl in a club brings the archetype of the Nymph to our day; the analogue photos of a young actor try to recompose the archetype of the Hero.

Circolo Bergman, starting from the personal images of its performers, questions – like Warburg – the presence of archetypes in our time. A modular scenic action, divided into autonomous and interdependent tables, which can be assembled, disassembled and reconstructed in theatrical and non-theatrical spaces, in search of a pervasive Atlas in which the spectator can mirror and multiply himself.

 

Played in Italian – Running time 60 min.

 

concept Paolo Giorgio a project by Sarah Chiarcos Paolo Giorgio Marcello Gori direction Paolo Giorgio original music Marcello Gori staging Circolo Bergman lights Sarah Chiarcos scenographic consultancy Erika Sambiase visual Dario Serio stage photos Jo Fenz production Circolo Bergman texts intimately shared with Sarah Ātman and Alberto Baraghini – first study: IT Festival 2017 – second study: Hors, Teatro Litta, 6-8 October 2017 – third study: Teatro Magro 6 January 2018

 

Circolo Bergman is a collective composed by: Paolo Giorgio, director and dramaturge; Sarah Chiarcos, dramaturge and responsible for the productions; Marcello Gori, musician, dramaturge, responsible for the sound. It moves between the creation of a repertoire of contemporary dramaturgy and the experimentation in the performative area, declining new writing formats through different media, with a particular interest in site-specific projects. He operates in different territories, starting from live performances and embracing curatorial, exhibition or editorial paths. Depending on the specific nature of each project, the collective is open to collaboration with other professionals (videomakers, curators, artists, critics, actors, performers, dancers), as well as non-professionals. It produced the shows: Werther, o dell’assoluto (2014), La cosa peggiore che possa capitare a un cane (2015), Fondamenta (Teatro Ringhiera, 2015), Calcografia (2016), Macinante (commissioned by Festival Pergine Spettacolo Aperto, 2016), Pergine, via San Pietro 4 (commissioned by Festival Pergine Spettacolo Aperto, 2017).

HATE RADIO

 

“Teatro politico d’alto calibro.” 
★★★★★’ De Theaterkrant

 

Hate Radio (Svizzera/Germania 2011) è lo spettacolo che racconta la storia della RTLM/Radio-Télévision Libre des Mille Collines, stazione radio ruandese che ha giocato un ruolo cruciale nel genocidio della minoranza Tutsi nel 1994.

Il 6 aprile 1994, l’aereo del Presidente ruandese Habyaruman, viene colpito da due missili mentre stava per atterrare. Questo evento segnò l’inizio del più brutale genocidio che ci fu dalla fine della guerra fredda. Nei mesi di aprile, maggio e giugno 1994, nel paese del Centro Africa si stima che furono uccisi dagli 800.000 a 1.000.000 Tutsi (la minoranza etnica) e migliaia di Hutu.

Gli strumenti usati per umiliare e uccidere persone di ogni età e genere erano semplici: macheti, bastoni e poche pistole. In realtà, il più potente strumento del genocidio fu la Radio-Télévision Libre des Mille Collines. Gli operatori della stazione radio hanno coltivato e preparato il genocidio per mesi integrando nella propria programmazione: musica, sport, comunicati politici e autentiche istigazioni all’omicidio.

Lo spettacolo Hate Radio riporta RTLM on air in una scena ricostruita che rimane fedele all’originale dove i sopravvissuti al genocidio sono sul palco. Al centro del progetto c’è la riproduzione delle trasmissioni di RTLM, condotte dai veri protagonisti – tre estremisti Hutu e l’italiano-belga Georges Ruggiu. Come funziona il processo di affermazione dell’ideologia razzista? Come è possibile epurare l’individuo della sua umanità? L’opera del regista Milo Rau si avvale di documenti e testimonianze dirette di membri dell’etnia Hutu e di superstiti del genocidio stesso, per dare una risposta a questi interrogativi lasciando che le persone facciano esperienza diretta di quanto accaduto nella storia.

 

c/o e in collaborazione con Olinda/TeatroLaCucina – Ex O.P. Paolo Pini – via Ippocrate, 55

Spettacolo sovratitolato in italiano – Durata 110 min.

Ingresso: 15,00 € (intero) / 10,00 € (ridotto under 30/over 65/gruppi)

 

Una produzione THE INTERNATIONAL INSTITUTE OF POLITICAL MURDER – IIPM  Testo e regia: Milo Rau Drammaturgia e ideazione: Jens Dietrich scene e costumi: Anton Lukas  video: Marcel Bächtiger suono: Jens Baudisch  Con: (live) Afazali Dewaele, Sébastien Foucault, Diogène Ntarindwa, Bwanga Pilipili; (video) Estelle Marion, Nancy Nkusi  Assistente alla regia: Mascha Euchner-Martinez Assistente alla produzione esecutiva e drammaturgia: Milena Kipfmüller Public-relation: Yven Augustin Collaborazione alla documentazione: Eva-Maria Bertschy Corporate Design: Nina Wolters Web Design: Jonas Weissbrodt Academic Counselling: Marie-Soleil Frère, Assumpta Mugiraneza & Simone Schlindwein Casting Bruxells/Ginevra: Sebastiâo Tadzio Casting Kigali: Didacienne Nibagwire 

HATE RADIO is a production by IIPM Berlin/Zürich with Migros-Kulturprozent Schweiz, Kunsthaus Bregenz, Hebbel am Ufer (HAU) Berlin, Schlachthaus Theater Bern, Beursschouwburg Brüssel, migros museum für gegenwartskunst Zürich, Kaserne Basel, Südpol Luzern, Verbrecher Verlag Berlin, Kigali Genocide Memorial Centre and Ishyo Arts Centre Kigali. Supported by von Hauptstadtkulturfonds (HKF), Migros-Kulturprozent Schweiz, Pro Helvetia – Schweizer Kultur-stiftung, Kulturelles.bl (Basel), Bildungs- und Kulturdepartement des Kantons Luzern, Amt für Kultur St. Gallen, Ernst Göhner Stiftung, Stanley Thomas Johnson Stiftung, Alfred Toepfer Stiftung F. V. S., GGG Basel, Goethe- Institut Brüssel, Goethe-Institut Johannesburg, Brussels Airlines, Spacial Solutions, Commission Nationale de Lutte contre le Génocide (CNLG), Deutscher Entwicklungsdienst (DED), Contact FM Kigali, IBUKA Rwanda (Dachorganisation der Opferverbände des Genozids in Ruanda) and the Hochschule der Künste Bern (HKB), Friede Springer Stiftung. 

 

Milo Rau è un regista di teatro e cinema, giornalista e saggista. Studia sociologia, filologia e letteratura romanza e germanica a Parigi, Berlino e Zurigo, con mentori come il sociologo Pierre Bourdieu e il filosofo Tzvetan Todorov. Nel 2007 fonda la casa di produzione International Institute of Political Murder (IIPM). I suoi spettacoli e film sono stati presentati in oltre venti paesi. Nel 2014 riceve il premio del teatro svizzero, il premio Hörspielpreis der Kriegsblinden per il miglior radiodramma (con “Hate Radio”), il premio della giuria al Festival Politik im Freien Theater (con “The Civil Wars”) e il premio speciale della giuria al German Film Festival (con “The Moscow Trials”). Nel 2015 gli viene assegnato l’importante premio Konstanzer Konzilspreis e nel 2016 il premio dell’International Theatre Institute, nell’ambito della Giornata mondiale del teatro. Tra i suoi lavori più rappresentati, “Last Days of the Ceausescus” (2009), spettacolo/film che ripercorre il processo farsa contro il dittatore Nicolae Ceausescu e sua moglie, “Hate Radio” (2011), sul ruolo dell’emittente radiofonica RTLM nel genocidio ruandese del 1994, “The Civil Wars” (2014), che analizza i presupposti dell’insurrezione e dell’impegno politico attraverso il vissuto degli attori in scena, “The Moscow Trials” e “The Zurich Trials” (2013), in cui sperimenta il format dei processi teatrali. Dal 2017 è direttore artistico del centro teatrale NTGent.

Mammalian Diving Reflex
Darren O’Donnell (CA)

 

What happens when the power shifts to the teenagers?

The Mammalian Diving Reflex , Canadian group, will be presented at FOCUS PEOPLE in ZONA K, with three performative actions, enclosed in the TEENTALITARIANISM event, neologism that sums of the content well. For years, the Mammalian, go around the world with performances and workshops that involve teenagers first hand. Each one of their performances foresees a path with the teenagers of the places in which they are hosted.

The first show, NIGHTWALKS WITH TEENAGERS, 9th to 12th May, organized in collaboration with Triennale Teatro dell’Arte, is a night performance/walk where a group of teenagers brings the spectators around the city, through their own habits, their favorite places, and where they meet their friends. The project then unites the roads of adults and teenagers that otherwise would not have been able to meet. It tries to make adults socialize with the more younger people, to share their world in an unusual way, by offering them to let go in moments of pure contemplation.

The second show, SEX, DRUGS AND CRIMINALITY, 18th May, organized only by ZONA K , is a performances in which teenagers pose questions to famous public figures of the city (politicians, intellectuals, artists) on their juvenile mischief and wrongdoings. Again, the Canadian group, tries to break down the generational gap in a direct and non-conventional way.

The last show is ASK FOR THE MOONS, 19th May, in which the teenagers that have collaborated to the project can present publicly how they would like to go on with the work they have started.

During the presence of Mammalian in Milan, ZONA K organizes a training seminar with Darren O’Donnell.

 

 

Ideazione e regia: Darren O’Donnell Co-regia: Tina Fance, Kiera O’Brien, Virginia Antonipillai, Sanjay Ratnan Produzione esecutiva: Eva Verity, Tina Fance. Produzione: ZONA K.
Questa presentazione di Teentalitarianism è resa possibile in parte grazie al supporto del Canada Council for the Arts e dell’Ontario Arts Council.

 

Roger Bernat/FFF (ES)

 

“A show that should be mandatory for all MBA’s and the party congress” [Bernat Puigtobella, Nuvol]

 

The THEATRE is transformed in a PARLIAMENT with political colors that are still undefined, whilst the spectators, equipped with a remote with which they can vote, become the representatives. What will happen if suddenly, in absence of an effective power, the role of speech goes back to being political.

Maybe the last resort of real politics is that of a total absence of power. Pendiente de voto is a show that tries to be that last resort. It is not a false version of a parliamentary debate, but a real version of the actual false debate. Not a fictitious politics but a make-believe politics: authentic politicians against real politicians or true politics against every form of realpolitik. Immersive theatre? Or maybe more emergency theatre…

A political humoristic reflection that faces the mechanisms of power in democracies and the totalitarian thinking in communities. A reflection on the word ‘citizenship’ and on participatory democracy, that can only make us think of the next political elections.

 

 

c/o ZONA K, via Spalato 11, 20124 Milano
In italian – Duration 140 min. ca.

 

 

di Roger Bernat. Drammaturgia: RobertoFratini. Dati visuals: Mar Canet. Dati dispositivi and software: Jaume Nualart. Musica: “The Sinking of the Titanic” di Gavin Bryars, PatchWorks, etc. Sound design: Juan Cristobal Saavedra. Luci: Ana Rovira. Assistente e direzione tecnica: Txalo Toloza. Stagegraphic design: Marie-Klara González. Effetti speciali: Cube.bz. Programming assistants: Pablo Argüello, David Galligani e Chris Hager. Consulenti ai contenuti: Oscar Abril Ascaso e Sonia Andolz. Producer: Helena Febrés Fraylich.  Ringraziamenti: David Cauquill, Raquél Gomes, Marcela Prado e Magda Socias. Coordinamento: Helena Febres. Una coproduzione di Centro Dramático Nacional (Madrid), FundacióTeatre Lliure/Festival NEO and Elèctrica Produccions (Barcelona) with Manège de Reims-Scène Nationale/Reims Scènes d’Europe, Manège de Mons/CECN, TechnocITé in the Transdigital project supported by the european program Interreg IV. Foto: BLENDA

Roger Bernat –  www.rogerbernat.info

GRAZIE a tutt* voi

La stagione 2017 EUROPA! EUROPA! è finita.
Grazie a tutt* voi che ne avete preso parte come pubblico, come collaboratori e sostenitori.
Infine, ma non in ultimo, grazie a tutte le compagnie ospitate, molte dal cuore grande grande!

La stagione 2018 è in via di definizione… 
tieni gli occhi aperti perché sarà POTENTE.

EUTROPIA + VANITAS

Ultimo appuntamento con la rassegna di danza contemporanea “it’s a little bit messy”.

PROGRAMMA DELLA SERATA:

EUTROPIA
di MariaGiulia Serantoni
+
VANITAS
di Francesca Penzo.
+
Incontro “Fattoria Vittadini a confronto. Il tema dell’identità contemporanea e le sfide del futuro di questa realtà della Danza Milanese”.
Interviene Alessandro Pontremoli
+
Aperitivo per festeggiare tutti insieme i 10 anni del gruppo Fattoria Vittadini!

Prenotazioni: biglietti@zonak.it

Corso di Teatro
TAM TAM

IO SUPEREROE!

Ritmo, movimento, azione, immagini: chi sono i nuovi supereroi? Siamo noi! Giochiamo con gli strumenti del teatro, del movimento e dell’arte visiva per scoprire le infinite possibilità che ha la nostra immaginazione.

TAM TAM è il corso di Avvicinamento al Teatro per i bambini e bambine delle materne che, con il supporto di altre due discipline – arte visiva e movimento creativo – impareranno a prendere consapevolezza del proprio corpo in uno spazio, del ritmo e delle diverse possibilità di espressione e comunicazione.

Al termine del corso, un incontro in cui – in una cornice narrativa costruita durante l’anno – i bambini coinvolgeranno i genitori giocando insieme a loro.

Lezione di prova: lunedì 1 ottobre
poi ogni lunedì  16.30 – 17.15 fino a maggio 2019

Previste scontistiche su iscrizioni entro il 1 e 15 settembre e su secondogeniti, non lasciartele scappare!
Per informazioni scrivi a organizzazione@zonak.it

GUERRILLA

 

Un progetto ZONA K, Danae Festival e Triennale Teatro dell’Arte

Una conferenza, una classe di Thai-Chi e una sessione di musica elettronica: queste sono le tre scene che compongo la pièce. Non vi è conflitto evidente in scena, la battaglia si è trasferita all’interno della mente. E nelle profondità di questi spazi interiori, dove è confinata la liberà, esiste una guerra di pensieri che si sveglia ogni mattina e si addormenta ogni notte senza mai risolversi.

Guerrilla osserva le tensioni sperimentate dall’Europa: pensieri incendiari di uno spazio di comodità. Se tutto avanza in un apparente stato di pace nel quale vi è un sentimento di sicurezza, perché involontariamente nelle nostre teste invochiamo la guerra?

La pièce è scritta combinando fiction e testo documentale, basato su una serie di interviste a un piccolo gruppo di persone che condividono lo stesso presente e lo stesso spazio, in questo caso la città di Milano.

ideazione El Conde De Torrefiel regia e drammaturgia Tanya Beyeler e Pablo Gisbert testo Pablo Gisbert in collaborazione con i volontari di Milano assistente Nicolas Chevallier disegno luci Ana Rovira scenografia Blanca Añón suono Adolfo García assistenza alla coreografia Amaranta Velarde musica Pink Elephant on Parade, Salacot performers Amaranta Velarde e i volontari di Milano coproduzione Kunstenfestivaldesarts Brussels, Steirischer Herbst Festival Gratz, Noorderzon Festival Groningen con il sostegno del progetto europeo NXSTP e il supporto di Graner, Centre de creació Barcelona, ICEC – Generalitat de Catalunya, INAEM, Ministerio de Cultura de España, Institut Ramón Llull

El Conde De Torrefiel è una compagnia fondata a Barcellona nel 2010 da Tanya Beyeler e Pablo Gisbert.
Il loro lavoro si articola attraverso un’estetica testuale e visuale dove convivono teatro, coreografia, letteratura e arti plastiche. Il punto di partenza del progetto si trova in un’analisi del presente e in un interrogativo immediato delle possibilità del nostro tempo. Gli ultimi lavori della compagnia sono stati presentati nei maggiori festival europei tra i quali Kunstenfestivaldesarts di Bruxelles, Festival d’Automne di Parigi, Steirischer Herbst di Graz o Dublin Theater Festival.

In italiano c/o Triennale Teatro dell’Arte
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato

BIGLIETTERIA ONLINE

Ingresso: per i TESSERATI 2017 di ZONA K 10,00
20,00 euro (intero); 15,00 euro ridotto (under 30/over 65/gruppi); 10,00 euro (studenti)

Con il supporto di

   

 

 

 

FOCUS URBAN

Con il patrocinio del

INFLUENZA

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“Non siamo liberi. Siamo chiusi dentro il nostro corpo. Siamo legati alla nostra storia. Siamo inevitabilmente parte del passato. Portiamo dentro di noi cose che non ci sono più. Accettiamo questo. Ma rimane la possibilità di andare e venire tra ciò che è vero e ciò che è fantasia. Quanto possiamo essere influenzati da questo?”

INFLUENZA è uno spettacolo da guardare come un libro di illustrazioni, lasciandosi trasportare dalle immagini in un mondo alternativo.

Ricordi, desideri, paure, presenze del passato, un universo misterioso eppure familiare.
Floor Robert si muove tra queste suggestioni, ripercorrendo col proprio corpo eventi e situazioni, reali o immaginarie, accennando e disfacendo storie.

Accompagnata, a tratti, da figure che sembrano uscite da quelle storie. E’ un viaggio all’interno di una stanza, ma è possibile ritrovarsi improvvisamente su un prato, in un bosco, o nello spazio. Per vedere tutto quello che non esiste ma che, proprio per questo, alla fine ci influenza.

c/o ZONA K
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato.
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uno spettacolo di inQuanto teatro | ideazione e coreografia Floor Robert | con Floor Robert, Giacomo Bogani, Francesco Michele Laterza | musiche Manuele Atzeni |  tecnica Monica Bosso | maschera Eva Sgrò | organizzazione e comunicazione Julia Lomuto | progetto vincitore del bando Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura | spettacolo finalista DNA Appunti Coreografici | col sostegno di Fondazione Fabbrica Europa, CSC Centro per la Scena Contemporanea – Operaestate Festival Veneto, Romaeuropa Festival, Le Murate. Progetti Arte Contemporanea, spazioK_kinkaleri, Sosta Palmizi, Samotracia/Associazione Punto A Capo, Teatri Sospesi, CS376

Floor Robert è nata a Haarlem, Olanda, Vive oggi a Firenze. Ha lavorato come interprete con Kinkaleri, Compagnia Tardito-Rendina, Marco D’Agostin e Angela Antonini e con le compagnie olandesi NNT e Paradox. Nel 2010 è stata premiata con la menzione speciale del Premio Hystrio. È coautrice degli spettacoli di inQuanto teatro e famigliafuchè, realtà che ha contribuito a creare. Dal 2014 ha avviato un suo percorso di creazione autonomo. inQuanto teatro è un collettivo artistico fondato a Firenze nel 2010, si occupa di performance, didattica e arte nella sfera pubblica. I suoi lavori si caratterizzano per l’approccio multidisciplinare e drammaturgico che mescola cultura mediatica e tradizione letteraria.

Poster(s) from
pro-EU/anti-Brexit campaing!

“Cari amici, […] abbiamo raggiunto un momento critico che potrebbe rivelarsi un punto di
svolta per l’Europa come la conosciamo. […] Brexit potrebbe signifi care la fi ne della UE. È un’istituzione imperfetta, ma nel complesso si distingue per una visione del mondo democratica, per i diritti umani e fa vorisce la cooperazione.”

Con queste parole l’artista e fotografo Wolgang Tillmans, vincitore del Turner Prize, decise di scendere in campo nel maggio 2016 con una campagna pubblicitaria anti-Brexit.

Centinaia di poster, con slogan capaci di attirare l’attenzione soprattutto dei più giovani, invasero le strade della GB, nel tentativo di arginare il rifiuto verso l’Europa. Oggi, alla luce dei fatti, Tillmans non si tira indietro e porta avanti il progetto in versione Pro-EU.

Ingresso libero c/o ZONA K

 

FOCUS DEMOCRACY

Con il patrocinio del

LA POLITICA E’ REALE?

Un finto partito populista, apparso nel giro di poche settimane nel 2010 in Estonia, ricevette migliaia di adesioni e venne dato al 20% dai sondaggi pre-elettorali. Come è stato possibile? Quale ruolo hanno giocato i media e quale percezione abbiamo della politica? Quanto il linguaggio politico utilizza oramai gli strumenti della finzione?

NO75 Unified Estonia toccò le paure e le speranze e incarnò le manipolazioni e le delusioni che sottostanno alla politica. Oggi potrebbe accadere anche altrove?

Se ne parla con Daniel Vaarik (tra gli ideatori di Unified Estonia) e Marcello Maneri (docente di Sociologia dei Processi Culturali e Comunicativi Università Bicocca) modera Danilo De Biasio

Ingresso libero  c/o ZONA K

Alle ore 20.30 si terrà la proiezione di NO55 ASH AND MONEY, il documentario sull’operazione NO75 Unified Estonia di NO99.

FOCUS DEMOCRACY

Con il patrocinio del

KÖSZEG

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Köszeg, liberamente ispirato a Il grande quaderno di Ágota Kristóf, narra d’identità, di separazione, di un’umanità condannata al limite, al margine e della sua grande capacità di resilienza.

Protagonisti di Kőszeg sono due fratelli, indivisibili e interscambiabili come se avessero un’anima sola. Due piccoli adulti dalla prodigiosa intelligenza che, grazie alla logica della sopravvivenza, sviluppano una cristallina e brutale etica di vita. Intorno a loro, si muovono personaggi disegnati con pochi tratti scarni in un contesto di fame e morte.

Uno spettacolo duro dove tutto è reso feroce ed essenziale da una recitazione limpida e diretta. Nel susseguirsi delle immagini, sempre in bilico tra età adulta e infanzia, Köszeg propone, attraverso una forte risonanza con l’attualità e i sui flussi migratori, un racconto crudo, toccante che non lascia spazio alle divagazioni e dove amore, guerra, violenza, fragilità, clandestinità, emigrazione, identità e perdita dell’identità, sono le protagoniste.

c/o ZONA K
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato.
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Una creazione: Opera retablO regia: Ledwina Costantini di e con: Ledwina Costantini e Daniele Bernardi costumi: Caterina Foletti scenografia: Opera retablO e Michele Tognetti Produzione: Opera retablO in coproduzione con Teatro Sociale Bellinzona con il sostegno: Swisslos/ Pro Helvetia / Tognetti- auto/ Carthesio SA

Opera retablO nasce nel 2008 a Sessa (Canton Ticino) ed è uno spazio che ospita e promuove contaminazioni artistiche e culturali, nata dall’esigenza di dotare le creazioni di Ledwina Costantini, attrice-creatrice ticinese, di una rete di collaborazioni e di una struttura organizzativa e logistica. Opera retablO propone creazioni in bilico tra l’innovativo e l’arcaico; opere che danno corpo a una moderna e destabilizzante catarsi. Le attività dell’associazione si svolgono in ambito nazionale e internazionale.

EXTRA FOCUS

La categoria degli Extra Focus raccoglie quelle proposte che abbiamo inteso accogliere in stagione ma che per tema o calendario (per entrambi i presenti spettacoli è questo il caso) non possono rientrare nei focus tematici.

 

Gli eventi dell’EXTRA FOCUS

 

CANCELLATO PER MOTIVI DI SALUTE DI UNO DEGLI ATTORI
CAFFETTIERA BLU di BLUEMOTION (IT)
[Spettacolo teatrale c/o ZONA K]

Caffettiera blu mette in questione la sovranità del testo stesso e ribadisce invece quella dell’attore e dell’attrice.

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19 – 21 maggio 2017 | ore 20.30

KÖSZEG di OPERA retablO (CH)
[Spettacolo teatrale c/o ZONA K]

Amore, guerra, violenza, fragilità, clandestinità, emigrazione, identità e perdita dell’identità, sono le protagoniste.

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25 maggio 2017 | ore 20.30

INFLUENZA di Floor Robert/InQuanto teatro (IT)
[Performance teatro danza 40 min c/o ZONA K]

INFLUENZA è uno spettacolo da guardare come un libro di illustrazioni, lasciandosi trasportare dalle immagini in un mondo alternativo.

 

 

FIVE EASY PIECES

Un progetto ZONA K e Triennale Teatro dell’Arte

Milo Rau, uno dei più richiesti e controversi registi del teatro contemporaneo, arriva per la prima volta a Milano con un progetto ambizioso che parte da un crudele fatto di cronaca – legato alla figura del pedofilo e assassino Marc Dutroux – e arriva a riflettere sulla materializzazione dei sentimenti in scena.

Milo Rau e l’International Institute of Political Murder (IIPM) hanno conquistato i più grandi teatri d’Europa negli ultimi anni con il loro teatro politico senza compromessi. I loro lavori si fondano su testimonianze dirette e ricostruzioni di eventi reali capaci di affrontare senza pietà grandi tabù della nostra epoca.

In collaborazione con il centro di produzione belga CAMPO, hanno dato vita a Cinque semplici scene per raccontare un episodio tragico della storia del Belgio. Cinque semplici scene, interpretate da bambini e ragazzi tra i 9 e i 13 anni, per mostrare un’immagine inquietante della società contemporanea e rivelare i limiti di ciò che i bambini sanno, provano e fanno.

Come possono comprendere davvero il significato della manipolazione, l’empatia, la perdita, l’assoggettamento, la delusione o la ribellione? Cosa vuol dire coinvolgere i bambini in un teatro per adulti? Cosa succede quando li guardiamo agire? Cosa ci rivela delle nostre paure e dei nostri desideri?

 

In fiammingo con sottotitoli in italiano.
Per il tema trattato, lo spettacolo è rivolto a un pubblico adulto
c/o TRIENNALE TEATRO DELL’ARTE – viale Alemagna, 6

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Promozione per i tesserati 2017 di ZONA K: chiamaci per avere il codice da usare su VivaTicket 

 

Ideazione, testo e regia Milo Rau testo e performance Aimone De Zordo, Fons Dumont, Arno John Keys, Blanche Ghyssaert, Lucia Redondo, Pepijn Siddiki, Hendrik Van Doorn, Eva Luna Van Hijfte performance film Sara De Bosschere, Pieter-Jan De Wyngaert, Johan Leysen, Peter Seynaeve, Jan Steen, Ans Van den Eede, Hendrik Van Doorn & Annabelle Van Nieuwenhuyse drammaturgia Stefan Bläske assistente alla regia e performance coach Peter Seynaevec cura dei bambini e assistente alla produzione Ted Oonk ricerche Mirjam Knapp & Dries Douibi scene e costumi Anton Lukas video e sound design Sam Verhaert produzione CAMPO & IIPM co-produzione Kunstenfestivaldesarts Brussels, Münchner Kammerspiele, La Bâtie – Festival de Genève, Kaserne Basel, Gessnerallee Zürich, Singapore International Festival of Arts (SIFA), SICK! Festival UK, Sophiensaele Berlin & Le phénix scène nationale Valenciennes pôle européen de création foto Phile Deprez

 

FOCUS NOW

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ISOLA E SOGNA

Un report in forma di concerto su Giusi Nicolini, Sindaco di Lampedusa fino al giugno 2017, e sull’esercizio del potere nell’isola degli sbarchi e delle tartarughe, un luogo diventato emblema del confine, ribalta per la rappresentazione delle politiche europee. Della mano che cura e di quella che colpisce. La sua sconfitta alle ultime elezioni ha ispirato decine di articoli sui giornali e migliaia di commenti sul web. In Isola e Sogna, Ateliersi si confronta poeticamente con le prospettive di questo cambiamento, a partire dagli spostamenti semantici prodotti dalla Nicolini nei suoi cinque anni da Sindaco.

Nell’isola coesistono, non senza difficoltà, le locali opposte fazioni che si sfiorano sul livello umano, le contrapposizioni geopolitiche connesse ai colonialismi, gli accadimenti, gli immaginari contemporanei e il desiderio di perseguire una vita fatta di pesca, turismo e accoglienza pacifica.

“Tutto lascia pensare che Lampedusa sia un braciere acceso. / Che parlare di Giusi Nicolini a Lampedusa sia scabroso oramai.”

Isola e sogna porta in scena le parole accese degli abitanti di Lampedusa, di Giusi Nicolini*, di chi ha descritto lei e di chi ha descritto la sua isola; e ne fa una questione di ritmo, di timbrica e di sensi contrapposti.

* Prezioso tra le fonti, il libro/intervista con Marta Bellingreri Lampedusa. Conversazioni su isole, politica, migranti  (Edizioni Gruppo Abele, Torino, 2013).

 
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Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato c/o ZONA

Di e con Fiorenza Menni e Andrea Mochi Sismondi e con Giorgia Sangineto e Marco Mochi Sismondi musiche di Vittoria Burattini (percussioni), Mauro Sommavilla (elettronica, chitarra) e Vincenzo Scorza (elettronica) cura del suono Vincenzo Scorza direzione tecnica Giovanni Brunetto amministrazione e organizzazione Elisa Marchese progettualità e comunicazione Tihana Maravic

ATELIERSI è un collettivo di produzione artistica che opera nell’ambito delle arti performative e teatrali. Si occupa di creazione artistica e della cura della programmazione culturale dell’Atelier Sì a Bologna. La creazione di Ateliersi si compone di opere teatrali e interventi artistici in cui il gesto performativo entra in dialogo organico con l’antropologia, la letteratura, la produzione musicale e le arti visive per favorire una comunicazione del pensiero capace di intercettare inquietudini e prospettive che coagulano senso intorno ai sovvertimenti che si manifestano nel mondo. www.ateliersi.it

 

 

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MONOPOLY

PER PROBLEMI TECNICI LA PERFORMANCE E’ STATA RIMANDATA

 

Roger Bernat – Si laurea nel 1996 e riceve il Premio Extraordinario dell’Institut del Teatre di Barcellona. Lavora con Thierry Salmon e Xavier Albertí. Tra il 1998 e il 2001 fonda e dirige, insieme a Tomás Aragay, la General Elèctrica, centro di produzione per il teatro e la danza. E’ autore e regista dei suoi primi spettacoli, tra i quali 10.000 kg (Premio speciale della Crítica de Catalunya 96/97), Confort Domèstic (Premio della Crítica al Text Dramàtic 97/98), Àlbum, Trilogia 70, Bones Intencions, Bona Gent, LALALALALA, Amnèsia de Fuga, Tot és perfecte o Rimuski. Dal 2008 inizia  a creare dispositivi scenici nei quali il pubblico occupa la scena e si fa protagonista dello spettacolo esso stesso. “Gli spettatori sono inseriti in un meccanismo che li invita a obbedire o cospirare, in ogni caso a mettersi in gioco e con il proprio corpo e prendere posizione.” I suoi spettacoli, tra i quali Domini Públic (2008), Pura coincidència (2009), La consagración de la primavera (2010), Please Continue: Hamlet (2011), Pendiente de voto (2012) Desplazamiento del Palacio de la Moneda (2014) o, Numax Fagor plus (2015), sono stati presentati in una ventina di paesi diversi.

Varvara Guljajeva & Mar Canet lavorano insieme dal 2009. Essi hanno esposto le loro opere d’arte in numerosi festival internazionali. L’anno scorso il duo è stato commissionato da Google e dal Barbican Centre per la creazione di un nuovo pezzo di arte per la mostra Digital Revolution. E quest’anno le loro opere saranno esposte a Sydney.

 

 

FOCUS NOW

Un progetto di

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WE ARE GOB SQUAD
AND SO ARE YOU

 

Featuring Fanny Alexander.

“Sii te stesso, sii onesto con te stesso, segui i tuoi sogni e raggiungi le stelle”. È questo il mantra di una generazione che premia l’individualismo come ultima espressione di libertà. Ma chi è questo “self” che credi di essere? Come hai fatto a diventare chi pensi di essere? Cosa rende te, davvero te? E cosa succede quando ci avventuriamo fuori dal concetto di “unicità”?

Gob Squad accompagna gli spettatori attraverso vent’anni di lavoro, fatto di processi collettivi, grandi idee, video e colonne sonore e nel farlo lascia il palcoscenico, si mescola tra il pubblico creando spostamenti di identità e di corpi. Man mano che il pubblico viene coinvolto l’identità collettiva si sviluppa attraverso una prospettiva giocosa e sperimentale.

Usando una tecnica che Gob Squad chiama “remote acting”, lo spettacolo inizia con una lezione in modo convenzionale e termina come una meditazione commovente sulla natura dell’io. È un’esperienza in equilibrio tra curiosità, coraggio, capacità di rischiare, e il rapporto tra la libertà infantile e la responsabilità condivisa per tutto ciò che succede.

Dopo la performance lezione ci sarà la proiezione di 

LIVE LONG AND PROSPER

In italiano c/o ZONA K

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Concept Gob Squad  Ideazione Johanna Freiburg, Sean Patten, Sharon Smith, Berit Stumpf, Sarah Thom, Bastian Trost, Simon Will  Suono Jeff McGrory, Martin Cooper  Video Sarah Harrison, Sean Patten  Production Management Eva Hartmann  UK Producer Ayla Suveren  Stagisti Valeria Germain Produzione Gob Squad Con il sostegno di Senatsverwaltung for Science, Research and Culture Berlin and The Arts Council of England  foto Jean-Philippe Offord/ Cartel Photos

La versione di Milano è interpretata da Marco Cavalcoli e Andrea Argentieri per Fanny & Alexander

 

 

FOCUS NOW

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REVOLUTION NOW!

Un progetto ZONA K in collaborazione con Triennale Teatro dell’Arte.

Trascinante, coinvolgente, rumoroso, Revolution Now! rispolvera dal passato i momenti rivoluzionari decisivi per l’umanità con cui il pubblico, così come nella storia, dovrà mettersi in gioco. Perché per una sera sarà “o tutto o niente”.

“Un’esperienza teatrale magnifica, coraggiosa ed epica.”
The Guardian 

Gob Squad, il collettivo britannico-tedesco più provocatorio del momento, esponente di un teatro che sfida la rappresentazione e il pubblico e li trasferisce direttamente nei “templi” della vita urbana, ha deciso di metterne almeno in scena una e di trasformare il teatro nel ribollente quartier generale di un gruppo di rivoluzionari, collegati in diretta al canale di una piccola emittente tv che trasmette non stop proclami, manifesti, canzoni di rivolta.

È tempo per una rivoluzione? Le nostre vite non sono un po’ troppo comode? Siamo pronti a sacrificarle per la causa?
È certo che la parola “rivoluzionario” ha perso il suo senso da quando è diventato glamour, etichetta per vendere praticamente qualsiasi cosa, dalle rock star alle salviette igieniche.

Spettacolo in lingua inglese, con traduzione scenica in italiano
c/o Triennale Teatro dell’Arte – viale Alemagna, 6

 

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Promozione per i tesserati 2017 di ZONA K:
chiamaci per avere il codice da usare su VivaTicket 

 

ideazione e interpretazione Johanna Freiburg, Sean Patten, Sharon Smith, Berit Stumpf, Sarah Thom, Laura Tonke, Bastian Trost, Simon Will musica dal vivo e arrangiamenti Christopher Uhe, Masha Qrella video Miles Chalcraft, Kathrin Krottenthaler suono Jeff McGrory direzione tecnica Chris Umney costumi Pieter Bax drammaturgia e produzione esecutiva Christina Runge consulenti drammaturgici Aenne Quiñones, Götz Leineweber assistenti artistici Milena Kipfmüller, Tina Pfurr stagisti Hannah Senft, Florian Wessels Gob Squad Management Eva Hartmann tour management Mat Hand produzione Gob Squad coprodotto Donaufestival Niederösterreich, Schauspiel Köln e Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz con il sostegno di Berliner Kulturverwaltung  foto Thomas Aurin
* partecipazione straordinaria di Marco Cavalcoli (Fanny & Alexander) per la versione italiana

Gob Squad è un mostro a sette teste, un collettivo artistico con sette capi. Ha un’identità schizofrenica: due nazioni e due lingue. Da oltre 20 anni i Gob Squad sono alla ricerca di un nuovo modo di combinare media e perfomance, producendo spettacoli, video installazioni, radiodrammi, film e interventi urbani. Gob Squad è stato fondato nel 1994, mentre i suoi membri erano ancora all’Università di Nottingham Trent e Giessen. Berlino è diventata la casa creativa del gruppo dal 1999. I suoi membri sono: Johanna Freiburg, Sean Patten, Sharon Smith, Berit Stumpf, Sarah Thom, Bastian Trost e Simon Will. Altri artisti sono invitati a collaborare su particolari progetti. Le loro produzioni sono state rappresentate in tutto il mondo: Super Night Shot (2003), Gob Squad’s Kitchen (2007, vincitore del New York’s Drama Desk Award 2012), Saving The World (2008, vincitore del Goethe Preis at the Impulse Festival), Before Your Very Eyes (2011), Western Society (2013) e il più recente War And Peace (2016).

 

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LA NOSTRA VIOLENZA E LA VOSTRA VIOLENZA

PRIMA NAZIONALE In collaborazione con OLINDA

Oliver Frljic, provocatore e controverso regista, entra a gamba tesa nella realtà e nella coscienza collettiva. Ispirandosi a “L’estetica della resistenza” di Peter Weiss, Frljic esplora il confrontarsi dell’Europa con la crisi dei profughi. Un’Europa pronta a dimenticare il suo passato colonialista e la violenza derivata per erigere muri e chiudere i confini.

La nostra violenza e la vostra violenza è tra gli spettacoli europei più controversi del momento e ci pone fino all’ultimo domande scomode e non retoriche. Spettatori commossi di fronte a scene immaginarie nella semi-oscurità di un teatro, restiamo ancora indifferenti di fronte a persone reali nei campi profughi in tutta Europa?

Siamo orgogliosi di chiamarci europei o dovremmo vergognarci dell’Europa? Piangiamo le vittime degli attacchi terroristici in Europa con la stessa empatia di quelle in Medio Oriente? Ci stiamo comprando una coscienza pulita con semplici dichiarazioni di solidarietà? Siamo consapevoli che la violenza genera solo altra violenza?

Per il tema trattato e la presenza di nudo integrale, lo spettacolo è rivolto a un pubblico adulto.

ACQUISTA I BIGLIETTI

 

In croato, sloveno, inglese con sottotitoli in italiano
c/o TeatroLaCucina, ex Ospedale Psichiatrico Paolo Pini,
via Ippocrate 45, 20161 Milano

 

 

Regia e selezione musicale: Oliver Frljić; Drammaturgia: Marin Blažević  Scenografia: Igor Pauška, Costumi: Sandra Dekanić; Luci: Dalibor Fugošić e David Cvelbar; Consulenza artistica: Aenne Quiñones; Assistente alla regia: Barbara Babačić, Sound design: Silvo Zupančič; Manager di produzione: Hannes Frey.
Con: Barbara Babačić, Daša Doberšek, Uroš Kaurin, Dean Krivačić, Jerko Marčić, Nika Mišković, Draga Potočnjak, Matej Recer, Blaž Šef; Produzione: HAU Hebbel am Ufer, Berlin; Co-produzione: Slovensko mladinsko gledališče, Ljubljana, Wiener Festwochen, Zürcher Theaterspektakel, Kunstfest Weimar, Hrvatsko narodno kazalište Ivana pl. Zajca, Rijeka; Regional co-producer: MESS Sarajevo; Finanziamento: German Federal Cultural Foundation.
Traduzione in Italiano: Živa Brecelj

 

 

OLIVER FRLJIC (Travnik, 1976) è un nome di primo piano nel panorama della nuova regia europea. I suoi precedenti titoli – Turbo Folk, Baccanti, Risveglio di Primavera, Maledetto sia il traditore della patria sua si sono tutti segnalati per l’impatto che hanno avuto sul pubblico. Nel 2012 ha allestito il controverso Zoran Ðind sull’assassinio del primo ministro serbo. Sempre in quell’anno, un altro dei suoi progetti 25.671, riguardava il numero dei cancellati dai registri di residenza della Repubblica Slovena. Fino allo scorso giugno è stato sovraintendente del Teatro Nazionale Croato di Rijeka (HR).

 

 

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THE GREAT EUROPEAN DISASTER MOVIE

Documentario, vincitore del prestigioso 2016 Civis Media Award,  insignito dal presidente della Germania per la migliore informazione Europea.

Un aereo, in mezzo a una forte turbolenza, cerca di atterrare in varie capitali europee ma nessun aeroporto concede l’autorizzazione. Il vecchio Continente è caduto nel caos più totale. A bordo dell’aereo, un anziano passeggero racconta a una bambina ignara, un’Europa ormai fallita.

Fiction, realtà o premonizione?

 

Il film documentario diretto dalla regista, giornalista e direttrice della Wake Up Foundation Annalisa Piras e prodotto da Bill Emmott (già direttore dell’Economist e Presidente di The London Library e della Wake Up Foundation) mostra un futuro distopico in cui l’Unione Europea non esiste più. Tutto è rappresentato in modo lucido e diretto, dall’ascesa dei nazionalismi ai sette anni di crisi economica fino alla sempre maggiore insoddisfazione verso la democrazia.

A rendere veritiero il tutto le storie raccontate da cinque cittadini di altrettanti Paesi della UE.

In inglese con sottotitoli in italiano c/o ZONA K
Gratuito con tessera associativa, prenotazioni: biglietti@zonak.it

 

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FOCUS NOW

Un’Europa sfaldata, nuove migrazioni senza controllo, magnati dell’economia trasformati in novelli Cesari, ignoranza senza confini, violenza dentro e fuori casa. E viceversa: economia consapevole, società multiculturali, atti coraggiosi di persone coraggiose, millennials proiettati alla condivisione, confini che resistono aperti.

L’oggi pare il tempo dello spaesamento e dell’incertezza. Siamo ancorati a un presente che non piace; i sondaggi parlano di sfiducia e malcontento; i media mostrano immagini di attentati, profughi, disastri ambientali; la politica racconta soprattutto se stessa persa nell’individualismo dilagante. Eppure la realtà sembra essere meno peggio di quella che si percepisce e i dati statistici forniscono altri numeri.

Ma allora quale epoca stiamo vivendo? Siamo autorizzati a concederci un po’ di ottimismo per il futuro o il presente non è altro che il preludio di un nuovo Medioevo?

Per noi NOW è tutto questo. Vogliamo essere ottimisti e crediamo in nuove rivoluzioni possibili ma guardiamo in faccia la realtà con gli sguardi degli artisti che vivono e interpretano il presente. Che siano sguardi caustici, provocatori, irriverenti, di condanna o di stupore.

 

Gli eventi del FOCUS NOW:

14 ottobre 2017 | ore 20.00 + 15 ottobre 2017 | ore 16.00

FIVE EASY PIECES di Milo Rau (CH)
[spettacolo teatrale c/o Triennale Teatro dell’Arte]

Alla prova i limiti di ciò che i bambini sanno, sentono e fanno.

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16 novembre 2017 | ore 20.30

THE GREAT EUROPEAN DISASTER MOVIE
di Piras e Emmot (IT/UK)
[film documentario c/o ZONA K]

Il lavoro mostra un futuro distopico in cui l’Unione Europea non esiste più.

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18 novembre 2017| ore 20.30 + 19 novembre 2017 | ore 17.00

OUR VIOLENCE AND YOUR VIOLENCE di Oliver Frljić (HR)
[spettacolo teatrale c/o Teatro La Cucina]

Our violence and your violence è tra gli spettacoli europei più controversi del momento ma anche il primo confronto con la politica del neopresidente Donald Trump. In collaborazione con OLINDA.

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22 – 23 novembre 2017 | ore 20.00

REVOLUTION NOW! di Gob Squad (DE/UK)
[spettacolo teatrale c/o Triennale Teatro dell’Arte]

Il teatro si trasforma per una sera nel ribollente quartier generale di un gruppo di rivoluzionari.
In collaborazione con Triennale Teatro dell’Arte.

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24 – 25 novembre 2017 | ore 20.30

WE ARE GOB SQUAD AND SO ARE YOU di Gob Squad (DE/UK)
[performance teatrale c/o ZONA K]

È un’esperienza in equilibrio tra curiosità, coraggio, capacità di rischiare, e il rapporto tra la libertà infantile e la responsabilità condivisa per tutto ciò che succede.

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24 – 25 novembre 2017 | ore 22.00

LIVE LONG AND PROSPER di Gob Squad (DE/GB)
[Film per doppio schermo con bicchiere di vino  c/o ZONA K]

Sette sequenze di film sono reinterpretate e rifilmate da sette performer in sette diverse location della città di Berlino.

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01 – 02 dicembre 2017 | ore 20.30

ISOLA E SOGNA di Ateliersi (IT)
[concerto documentario c/o ZONA K]

Un report in forma di concerto su Giusi Nicolini, Sindaco di Lampedusa, e sull’esercizio del potere nell’isola degli sbarchi e delle tartarughe.

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SOME USE FOR YOUR BROKEN CLAY POTS

Some use for your broken clay pots è una performance che coinvolge gli spettatori in un dibattito collettivo della durata di circa due ore, attorno a un sistema democratico immaginario che il performer cerca di “vendere” al suo pubblico come un’alternativa migliore ai nostri regimi democratici attuali.

Lo script della performance è un libro-costituzionale vero e proprio immaginato per uno stato democratico, messo a disposizione del pubblico durante lo spettacolo. Questa costituzione e le istituzioni democratiche che il testo giuridico prescrive, è stato sviluppato e scritto in stretta collaborazione con un team di giuristi provenienti da diverse università belghe.

Un lavoro di “fantasia costituzionale” che comprende tutti gli organi, le procedure, le assemblee, norme e regolamenti necessari alla definizione di un sistema democratico completo che è, in teoria, funzionale. È stato messo a punto con l’intenzione di produrre qualcosa che sia il più diverso possibile dalle nostre attuali regolamentazioni, per discutere su ciò che la democrazia rappresenta usando una possibile logica di difesa dal pubblico, attraverso un metodo che sia il più possibile razionale e forte.

Some use for your broken clay pots è quindi un esercizio di creatività costituzionale. Sfidando la capacità di immaginare un’alternativa al nostro sistema politico attuale (inteso universalmente), artista e spettatori insieme affrontano i limiti della nostra comprensione della democrazia, sperimentando una divertente, surreale e attualissima idea di spettacolo partecipato.

In italiano c/o ZONA K
Posti limitati, pre-acquisto biglietto consigliato.

Ideazione, regia e con: Christophe Meierhans Drammaturgia: Bart Capelle in collaborazione con: Rudi Laermans Advising team: Anne-Emma­nuelle Bourgaux(ULB), Rudi Laermans(KU),Jean-Benoît Pilet(ULB),Dave Sinardet(VUB) Constitutional jurist: Anne-Emmanuelle Bourgaux Scenography: Sofie Durnez Conception & graphic design publication: The Theatre of Operations Illustration: Nuno Pinto Da Cruz Co-produzione: Kaaitheater(Brussels), Workspace Brussels, Vooruit Arts Centre (Ghent), Teatro Maria Matos (Lisbon), BIT Teatergarasjen (Bergen), Kunstenfestivaldesarts (Brussels) Produzione: Mokum / Hiros con il sostegno di: de Vlaamse Gemeenschapscommissie & Government of Flanders Produzione versione italiana: ON (Bologna) con la partecipazione del Festival di Santarcangelo (2015).

Christophe Meierhans (Geneva; Brussels) lavora con e attraverso la performance, lo spazio pubblico, l’installazione, il suono, la musica e il video. Il suo lavoro consiste soprattutto nello sviluppare strategie di intervento nella vita quotidiana, attraverso la manipolazione di convenzioni accettate, abitudini sociali o usi semplici. I frammenti di realtà diventano la cornice per operazioni artistiche in grado di ridirezionare la banalità al fine di farla riapparire sotto angolazioni inattese. Il suo lavoro solleva questioni sulle norme e le convenzioni, confondendo un contesto casuale con altri diversi, e mettendo a confronto lo spettatore con qualcosa di altro, con la stranezza di essere nel posto “sbagliato”, o la possibilità che il luogo possa diventare qualcosa di diverso. Nel 2015, presenta a Santarcangelo il progetto Some use for your broken clay pots.

 

FOCUS DEMOCRACY

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FOCUS DEMOCRACY

 

Nel 1988 Gorbaciov vedeva nella Grande casa europea, fondata su valori democratici prima ancora che economici, l’idea e la direzione da seguire per la costruzione di un grande continente europeo.

A distanza di 30 anni, le grandi aspettative sembrano essere implose e il nuovo “grande malato” è sempre più vittima di attacchi populisti.

Quante -exit ci attendono? E’ questo dunque il risultato della democrazia?

C’è chi dice che votare non porti più a nulla, che il potere ormai stia tutto altrove, nelle alte sfere dei potentati economici. C’è chi crede, invece, che ancora si possa fare la differenza. Analisi demoscopiche e sociologiche evidenziano come le categorie più a rischio (poveri, disoccupati, anziani) siano le più distanti dalle urne elettorali, così come il dilagare della democrazia porti a un gap economico sempre più ampio nella società.

Ma allora dove risiede la democrazia? In istituzioni burocratiche complesse senza rapporti diretti con i cittadini che però si ammantano della nomea di rappresentanti del popolo o nella voce di nuovi imbonitori nazionalisti e revanscisti senza sguardo sul futuro?

“Per andare avanti bisogna imparare a guardare lontano”, diceva Tocqueville. Noi vogliamo provare a guardare lontano, con quella forza dirompente che solo l’immaginazione artistica può avere. Vogliamo cercare affinità, accettare i cambiamenti, ampliare lo sguardo mettendo alla prova alternative più o meno possibili in prospettiva del futuro, non solo quello immediato, ma anche quello più distante.

 

 

Gli eventi del FOCUS DEMOCRACY:

17 – 18 marzo 2017 | ore 20.30

SOME USE FOR YOUR BROKEN CLAY POTS
di Christophe Meierhans (CH/BE)
[Performance teatro-video c/o ZONA K]

E’ una performance che coinvolge gli spettatori in un dibattito collettivo attorno a un sistema democratico immaginario.

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17 – 30 marzo 2017 | ore 10.00 – 19.00 (lu – ve)

Poster(s) from pro-EU/anti-Brexit campaing! di Wolfgang Tillmans
[mostra fotografica c/o ZONA K]

La campagna pubblicitaria anti-Brexit che invase le strade della GB

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19 marzo 2017 | ore18.30

LA POLITICA E’ REALE?
[conversazione con aperitivo rinforzato c/o ZONA K]

NO75 Unified Estonia toccò le paure e le speranze e incarnò le manipolazioni e le delusioni che sottostanno alla politica. Oggi potrebbe accadere anche altrove? Se ne parla con Eero Epner (drammaturgo NO99) e Marcello Maneri (docente di Sociologia dei Processi Culturali e Comunicativi Università Bicocca) modera Danilo De Biasio

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19 marzo 2017 | ore 20.30

NO55 ASH AND MONEY di NO99 (EE)
[Film documentario c/o ZONA K]

Nel 2010 la compagnia estone Theatre NO99 creò un movimento politico fittizio accolto come una reale forza politica. Per 44 giorni il progetto è stato filmato per diventare documentario.

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23  marzo ogni giovedì fino al 15 giugno 2017 | ore 20.30

EUROPA A DOMICILIO/HOME VISIT EUROPE
di Rimini Protokoll (DE/CH)
[Performance/ gioco da tavolo teatrale per 15 spettatori c/o Case private]

15 persone prendono parte a una performance da salotto, una sorta di role play guidato dalla domanda: quanta Europa c’è in tutti noi? Ogni spettacolo ha luogo in una casa diversa.
In collaborazione con STANZE .

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29 – 30 marzo 2017 | ore 20.30

INTIME FREMDE di Welcome Project (DE)
[Spettacolo teatrale c/o ZONA K]

Intime Fremde/Intimi stranieri è dedicato ad una riflessione sul confine, l’identità, il concetto di nazione, paese d’origine, all’incontro/scontro di anatomie fisiche e culturali, emotive.

 

KIDS

19 marzo 2017 | ore 11.00

THE MOVIE BAND La democrazia si fa musica
a cura di ZONA K con Francesca Badalini e Monica Galassi
[Laboratorio 4-7 anni – € 10]

Vieni a comporre dal vivo la colonna sonora di un film d’animazione

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26 marzo 2017 | ore 17.00

EUROPA A DOMICILIO/HOME VISIT EUROPE
di Rimini Protokoll (Haug/Kaegi/Wetzel) (DE/CH)
[Gioco da tavolo teatrale per 15 persone – 11<14 anni + adulti – 120 min c/o Case private]

15 persone, tra ragazzi e adulti, prendono parte a una performance da salotto, una sorta di role play guidato dalla domanda: quanta Europa c’è in tutti noi? Ogni spettacolo ha luogo in una casa diversa.
In collaborazione con STANZE .

 

 

 

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ALL THE INVISIBLE CHILDREN

Sette registi di fama internazionale, sette paesi, sette storie di infanzia negata, invisibile.

Uno scopo: sollevare il problema dei bambini ignorati e renderlo visibile grazie al cinema, come lo stesso Kusturica afferma «Credo che il cinema possa avere ancora una missione culturale e terapeutica, come nei tempi antichi, quando la gente si riuniva per vedere una tragedia e accresceva la conoscenza, imparava a vivere meglio».

film dai 12 anni – durata 108 min – ingresso € 3,00

 

Il 12 febbraio 2002 l’ONU proibisce il reclutamento dei minori di 18 anni nei conflitti, istituendo così la Giornata Internazionale contro l’uso dei bambini soldato. Ciononostante sono ancora più di 250.000 i bambini e gli adolescenti arruolati nel mondo. In un focus che parla di conflitti armati, diventa per noi indispensabile dichiarare il nostro no alla guerra tout court ma soprattutto alla guerra che priva i bambini del loro diritto a un’infanzia non violenta. Questa la proposta per parlarne ai bambini e ai ragazzi.

 

Guarda anche La Strabomba

 

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LA STRABOMBA

“Il Re gridò: Butta la strabomba!
Il pilota guardò in giù e vide i bambini che giocavano.
Ma quelli sono bambini che giocano! Se sgancio li ammazzo! Vedo solo bambini e gente che lavora, il nemico non lo vedo, il nemico non c’è!”.

Un corale NO ALLA GUERRA! guidati da un bel racconto di Mario Lodi e dalle storie provenienti dagli ospedali di Emergency.

 

Il 12 febbraio 2002 l’ONU proibisce il reclutamento dei minori di 18 anni nei conflitti, istituendo così la Giornata Internazionale contro l’uso dei bambini soldato. Ciononostante sono ancora più di 250.000 i bambini e gli adolescenti arruolati nel mondo. In un focus che parla di conflitti armati, diventa per noi indispensabile dichiarare il nostro no alla guerra tout court ma soprattutto alla guerra che priva i bambini del loro diritto a un’infanzia non violenta. Questa la proposta per parlarne ai bambini e ai ragazzi.
Guarda anche All the invisible children

 

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L’IMMAGINE DELLA GUERRA TRA STORIA E PERFORMANCE

Immaginare un fatto che avrebbe dovuto verificarsi senza che questo sia accaduto, metterne in atto una rievocazione, un re-enactement, per renderci partecipi. Immaginare come le nostre azioni di “improvvisati diplomatici” avrebbero potuto cambiare il corso della storia per resistere a quella guerra che cambiò la geografia politica europea.

Com’è cambiata la nostra percezione della guerra? Oggi che la diplomazia pare scomparsa e la guerra non ha più fronti e confini chiari?

Se ne discute con Alessandro Colombo, docente di Relazioni internazionali dell’Università degli Studi di Milano; Giovanni Scirocco, docente di Storia contemporanea dell’Università degli Studi di Bergamo; Collettivo LIGNA, Germania

 

Ingresso libero c/o ZONA K

 

…MURX IHN AB!
Ein patriotischer Abend von Christoph Marthaler

 

Per problemi tecnici la versione video dello spettacolo è stata cancellata.

 

La versione video di uno spettacolo cult per la storia del teatro tedesco, che ha fatto parte del repertorio fisso della Volksbühne di Berlino per 14 anni.

Nel 1993 il lavoro dell’allora ancora poco conosciuto Christoph Marthaler – che trae il suo titolo da “Canzone indiana” del poeta Paul Scheerbart (che significa qualcosa come “Fai fuori l’Europeo! Fallo fuori! Fallo Fuori!) – riuscì a cogliere il senso profondo del declino della DDR: la fatalità, l’assurdo, l’attesa, la burocrazia, l’imperscrutabilità. La descrizione di una condizione esistenziale che non è invecchiata con gli anni e si è rivelata essere pregnante per il cittadino europeo in generale.

“Murx” è uno spettacolo che contiene tutti gli elementi distintivi di quello che è in seguito diventato il famoso teatro di Christoph Marthaler. L’allestimento di Anna Viebrock, la sala d’attesa, il grande orologio a muro con la scritta “acciò che il tempo non si fermi” alla quale mancano alcune lettere cadute, le persone vestite con sottili giacchette da tuta sportiva anni settanta, gli occhiali spessi ha restituito un mondo immaginario della DDR che da allora non ha più smesso di esistere sulle scene e nella testa delle persone.

Senza parole, solo cantato, durata 120 min

 

Regia spettacolo: Christoph Marthaler; Scenografia e costumi: Anna Viebrock; Musica: Jürg Kienberger, Christoph Marthaler; Dramaturgie: Matthias Lilienthal; Produzione: Volksbühne Berlin

 

 

 

A HOUSE IN ASIA

Un progetto ZONA K e TRIENNALE TEATRO DELL’ARTE

Dal gruppo di punta della scena catalana, Leone d’Argento alla Biennale di Venezia 2015.

Nuove guerre mondiali. C’è chi dice che la terza sia già in corso. C’è chi la racconta nelle fiction e nelle serie tv. C’è chi fa prove generali. I confini fra realtà e finzione si assottigliano e confondono, nel nostro mondo globalizzato.

Anche sulla scena teatrale, i piani della narrazione e rappresentazione si moltiplicano creando nuove prospettive, effetti e svelamenti, anche grazie all’impiego di nuovi linguaggi e tecnologie. Il collettivo catalano scatena sulla scena di A House in Asia un dispositivo esplosivo che racconta la caccia all’uomo più importante del XXI secolo: la localizzazione e la cattura di Osama Bin Laden.

Tre case, uguali. La casa dove “Geronimo” (soprannome dato a Bin Laden dall’esercito US) si nasconde in Pakistan. Una copia esatta di quella casa in una base militare del North Carolina. Una terza casa, sempre identica, ricostruita su un set in Giordania, dove si sta girando un film. Uno Sceriffo ossessionato da una balena bianca. Cowboy e indiani. Aerei e birre. Copie, strategie, riproduzioni e cheeseburger.

Con la sua inconfondibile modalità artistica fatta di modellini in scala, proiezioni video, regia in presa diretta e performance,  Agrupación Señor Serrano presenta un “western teatrale” in cui la realtà e le sue copie si confondono, disegnando un ritratto pop impietoso del decennio post 11 settembre, un seme per il 21 secolo.

 

 

 

In Inglese, con sottotitoli in Italiano  c/o TRIENNALE TEATRO DELL’ARTE
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato QUI

 

Creazione Àlex Serrano, Pau Palacios, Ferran Dordal con Àlex Serrano, Ferran Dordal, Alberto Barberá produzione e assistente regia Barbara Bloin, realizzazione video Jordi Soler produzione GREC 2014 Festival de Barcelona, Hexagone Scène Nationale Arts et Sciences – Meylan, Festival TNT – Terrassa Noves Tendències, Monty Kultuurfaktorij, La Fabrique du Théâtre – Province de Hainaut

Agrupación Señor Serrano – Leone d’Argento della Biennale di Venezia 2015 – Fondata da Àlex Serrano a Barcellona nel 2006, Agrupación Señor Serrano è una compagnia teatrale che produce i propri spettacoli basandosi su materiali tratti dalla realtà contemporanea. Utilizza mezzi tecnici tra i più innovativi e strumenti tradizionali per ridisegnare costantemente i confini del proprio teatro. Si avvale di numerose collaborazioni artistiche e coniuga nelle sue produzioni teatro, performance, video in presa diretta, suono, modellini in scala, per mettere in scena storie capaci di raccontare le contraddizioni dell’esperienza umana contemporanea. Evoluzione, globalizzazione, sopravvivenza sono tra i principali temi trattati nelle ultime produzioni. Oggi il nucleo del gruppo è composto da Àlex Serrano, Pau Palacios e Barbara Bloin.

 

 

LEĢIONĀRI.
Diskusija ar kaušanos

Lo spettacolo – un esempio raro e folgorante di un teatro politico contemporaneo, che affronta i tumulti della storia ponendosi al di fuori del solco della narrazione e da quello della denuncia – si basa su un evento realmente accaduto.

Nel 1945, centosessantasette legionari baltici furono oggetto di una contesa tra la Svezia e l’Unione Sovietica, quando quest’ultima ne chiese l’estradizione al parlamento di Stoccolma, per poterli giudicare (e mandare a morte) per il loro rapporto, nella maggior parte dei casi forzato, con l’esercito nazista.

Leģionāri è costruito come una discussione, in cui due giovani dibattono, in diverse lingue, di questo fatto storico che viene anche coniugato al presente e restituito agli spettatori invitandoli a prendere la loro posizione, e generano una riflessione sui sentimenti feriti, sui tradimenti e sulle offese di cui è fatta la storia degli uomini, aprendo infine l’eterno dilemma tra libertà degli individui e libertà della società.

Esempio di teatro post-drammatico, lo spettacolo si e ci chiede che cosa sia davvero accaduto, perché, e se potrebbe accadere in modo diverso oggi.

 

 

 

In inglese con episodi in lettone, svedese, finlandese e tedesco c/o ZONA K.
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato QUI.

Drammaturgia Carl Alm, Ieva Kauliņa, Kārlis Krūmiņš, Valters Sīlis regia Valters Sīlis con Carl Alm, Kārlis Krūmiņš scenografia Ieva Kauliņa luciJānis Sniķers, Māra Jarovoja

 

Valters Sīlis (1985) attore e regista lettone, si è diplomato in regia alla Latvian Academy of Culture nel 2012 e lavora sia in piccoli teatri indipendenti (Dirty Deal Teatro, Theatre Ģertrūdes ielas teātris) sia al National Theatre di Riga, affermandosi come uno dei più promettenti registi della sua generazione. Leģionāri è creato insieme agli attori Carl Alm e Kārlis Krūmiņš che sono a tutti gli effetti co-autori dello spettacolo.

 

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IL GRANDE RIFIUTO

Il collettivo tedesco Ligna porta in scena una visione, una possibile Storia Europea che non ha mai avuto luogo.

Nell’agosto del 1914 era previsto un congresso della Seconda Internazionale Socialista a Vienna con l’obiettivo di reagire a un possibile inizio della Grande Guerra con uno sciopero generale, che avrebbe fatto auspicabilmente crollare le infrastrutture dei paesi coinvolti e impedito l’avvio del conflitto. Il congresso e lo sciopero non ebbero mai luogo. I discorsi e gli interventi dei partecipanti al congresso erano ormai scritti, le richieste di permesso formulate e inoltrate, ma la guerra ne anticipò e annullò l’attuarsi.

Nella ricorrenza del centenario della Prima Guerra Mondiale, Il grande rifiuto esplora le possibilità individuali e collettive di rifiuto attraverso il re-enactment di una storia che non ha mai avuto luogo e di cui non si conosce la fine.

Il pubblico viene invitato a prendere parte ad una fiction storica: il congresso dell’Internazionale Socialista avrà luogo a Milano, aprendo un universo parallelo, nel quale si mette in discussione la guerra come destino ineluttabile.
Ciascuno si confronterà con una serie di “esercizi di resistenza”, un training di pose e gesti di rifiuto individuali e collettivi.

Il grande rifiuto è il risultato di una serie di residenze di ricerca a Bolzano, Bologna, Genova e Reggio Emilia avvenute ad aprile del 2015.

 

 

 

In italiano c/o ZONA K
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato QUI.

 

Creazione Ole Frahm, Michael Hueners e Torsten Michaelsen; coordinamento artistico e produzione italiana: Elena Basteri; Emanuele Guidi; Elisa Ricci Partner coproduttori: ar/ge kunst Bolzano / Bozen; Festival Transart Bolzano / Bozen; Santarcangelo 2015 Festival Internazionale del Teatro in Piazza 45 ^a Edizione; On; Fondazione Luzzati – Teatro della Tosse; Terni Festival Internazionale della Creazione Contemporanea / Teatro Stabile dell´Umbria. Sostenuto da: Goethe – Institut Genua; Goethe – Institut Mailand; Nationales Performance Netz (NPN) International Guest Performance Fund for Dance. Sostegno al programma di residenze: Goethe – Institut e.V.;

Il collettivo LIGNA esiste dal 1997 ed è composto dagli artisti Ole Frahm, Michael Hueners and Torsten Michaelsen che dai primi anni ’90 hanno iniziato a lavorare presso la Freies Sender Kombinat (FSK), una radio pubblica non profit di Amburgo. Dal 2002 il loro lavoro si incentra sulla creazione si situazioni effimere che coinvolgono il pubblico come gruppo attivo, un connubio che produce effetti imprevedibili e incontrollabili che mettono in discussione la gestione dello spazio. Uno degli esempi di come LIGNA usa i media è Radio Ballet, del 2002, in cui a radio ascoltatori viene offerta una coreografia di gesti proibiti in luoghi che prima sembravano pubblici e ora sono invece sotto controllo come stazioni o centri commerciali. Altri progetti come The new Man (2008) o Oedipus (2010) mettono in discussione lo spazio del teatro come apparato che plasma soggettività. Gli ultimi lavori The last Commune o Secret Radio (entrambi del 2014) invece invitano i partecipanti a mettere in scena interazioni complesse in uno spazio pubblico che si rivela tale solo gradualmente.

“Supported by the Nationales Performance Netz (NPN) International Guest Performance Fund for Dance, which is funded by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media on the basis of a decision made by the German Bundestag.”

 

 

FRIENDLY FEUER
(una polifonia europea)

Giovedì 9 febbraio, dopo lo spettacolo, incontro con la compagnia moderato da Renzo Francabandera.

 

“In un’Europa instabile e segnata da una crisi che diventa condizione esistenziale permanente, la tragedia del singolo, quale che fosse la sua identità nazionale e linguistica, a fronte di una modernità feroce, parla a noi e di noi più che mai – racconta la regista Marta Gilmore – Il nemico, l’altro, i confini, oggi che per entrare in Europa si muore, e per restarci si finisce strozzati dai debiti, sono parole che meritano nuove domande, nutrite dalla consapevolezza di un passato tuttora doloroso”.

Friendly Feuer è uno spettacolo/performance per una scrittura collettiva sulla relazione fra l’Europa di oggi e quella di cento anni fa, all’alba del primo conflitto mondiale.

La lente attraverso cui guardare le vicende di allora è la condizione di chi a quella “guerra totale” tentò invano, più o meno consapevolmente, di sottrarsi: disertori, soldati affetti da nevrosi di guerra; soldati di schieramenti avversi che misero in atto tregue informali; e così via.

Sulla scena, le tante possibili declinazioni del “fuoco amico” che dà titolo al lavoro, in una narrazione frammentata e corale, una polifonia europea con una sensibilità estetica che ricorre ai linguaggi del contemporaneo per dialogare con la storia, rifuggendo la retorica delle celebrazioni. Così le vicende individuali di diserzione, nevrosi di guerra e suicidio vengono giustapposte a domande relative a un presente precario e a suo modo feroce.

Concetti quali nemico, straniero, codardia, coraggio e patria, sono coniugati al passato come al presente, senza fornire risposte esaustive. Mentre, gli interpreti passano da una lingua all’altra mescolando fra loro i diversi dialetti, nel ricordo di una generazione di fanti spesso semianalfabeti che andò alle armi nel ‘mondo di ieri’.

 

 

In italiano c/o ZONA K
Posti limitati, preacquisto biglietto consigliato QUI.

 

Regia e drammaturgia Marta Gilmore sulla base di una scrittura collettiva; con Eva Allenbach, Tony Allotta, Armando Iovino, Marta Gilmore, Vincenzo Nappi; responsabile tecnico Andrea Gallo; produzione Isola Teatro; con il sostegno di Centro Didattico Musicale, Roma; Crowdarts, sotto l’Alto Patrocinio di Istituto Svizzero, Roma

Isola Teatro ha iniziato le sue attività nel 2005, con la messa in scena dello spettacolo L’Isola, del drammaturgo sudafricano Athol Fugard, con la regia e la traduzione di Marta Gilmore. Da allora la compagnia ha messo in scena La strada ferrata (finalista Premio Scenario 2007), con il quale il gruppo ha iniziato a misurarsi con un lavoro di scrittura collettiva e costruzione drammaturgica. Questo percorso è proseguito con Brucia. Nel 2010 ha debuttato con Senza Lear, una riscrittura della tragedia shakespeariana dal punto di vista delle tre figlie del re, progetto vincitore del Premio Lia Lapini 2009, che ha preso parte al progetto REACT! promosso da Santarcangelo dei Teatri. Nel 2015 il collettivo ha preso parte al progetto Caryl Churchill, Non normale non rassicurante, a cura di Paola Bono, con Bluemotion, Accademia degli Artefatti e La casa d’argilla teatri, curando la mise en espace di Sette bambine ebree di Caryl Churchill. La sua ultima produzione, Friendly Feuer (una polifonia europea), ha debuttato all’E45 Fringe Festival di Napoli 2015.

 

FOCUS WAR

Parlare di guerra per parlare di Europa perché proprio dalla guerra e da un secolo dilaniato dai conflitti, prese infine forma l’idea di Europa unita, solidale, ricca. Presupposto del più lungo periodo di pace che il continente abbia mai conosciuto.

Oggi di quelle guerre si celebrano i centenari, si rivivono i fatti nelle rievocazioni, nei saggi storici, nei film.

Ma quanto il passato è lontano? Quanto quella guerra che ci appare così lontana con le sue trincee o i suoi bombardamenti, lo è davvero? Le guerre contemporanee che ci circondano appartengono davvero a un altro mondo?

Da queste domande, una riflessione sull’oggi. Sull’Europa che non conosce bombardamenti ma chiude le frontiere, sulle responsabilità che ognuno di noi potrebbe avere, sulle scelte che faremmo. Sulla guerra come destino ineluttabile di nuove Real Politik economiche, finanziarie, mediatiche.

 

Gli eventi del FOCUS WAR:

9, 10, 11 febbraio 2017 | ore 20.30

FRIENDLY FEUER (una polifonia europea) di Isola Teatro (IT)
[Spettacolo teatrale c/o ZONA K]

Sullo sfondo la Grande Guerra, omaggio alla Storia e pretesto per guardare all’Europa di oggi.

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CANCELLATO PER MOTIVI TECNICI
Murx den Europäer! Murx ihn! Murx ihn! Murx ihn! Murx ihn ab!
[Versione video dello spettacolo] Ein patriotischer Abend von Christoph Marthaler
di Volksbuhne Berlin (D)

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15 febbraio 2017 | ore 18.30

L’IMMAGINE DELLA GUERRA TRA STORIA E PERFORMANCE
[conversazione con aperitivo]

Com’è cambiata la nostra percezione della guerra? Oggi che la diplomazia pare scomparsa e la guerra non ha più fronti e confini chiari?
Se ne discute con Alessandro Colombo, docente di Relazioni internazionali dell’Università degli Studi di Milano; Giovanni Scirocco, docente di Storia contemporanea dell’Università degli Studi di Bergamo; Collettivo LIGNA, Germania

 

KIDS

Il 12 febbraio 2002 l’ONU proibisce il reclutamento dei minori di 18 anni nei conflitti, istituendo così la Giornata Internazionale contro l’uso dei bambini soldato. Ciononostante sono ancora più di 250.000 i bambini e gli adolescenti arruolati nel mondo. In un focus che parla di conflitti armati, diventa per noi indispensabile dichiarare il nostro no alla guerra tout court ma soprattutto alla guerra che priva i bambini del loro diritto a un’infanzia non violenta. Queste le proposte per parlarne ai bambini e ai ragazzi.

12 febbraio 2017 | ore 15.30

LA STRABOMBA a cura di Emergency
[laboratorio 6 – 10 anni gratuito]

Un corale NO ALLA GUERRA! guidati da un bel racconto di Mario Lodi e dalle storie provenienti dagli ospedali di Emergency.

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12 febbraio 2017 | ore 17.30

ALL THE INVISIBLE CHILDREN, di Mehdi Charef, Emir Kusturica, Spike Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Ridley Scott, Stefano Veneruso, John Woo. (IT/FR 2005)
[film dai 12 anni – durata 108 min]

Sette registi di fama internazionale, sette paesi, sette storie di infanzia negata, invisibile. Uno scopo: sollevare il problema dei bambini ignorati e renderlo visibile grazie al cinema.

 

Con il patrocinio del

STARING BACKWARDS

Hai sempre camminato in avanti ma sei curioso di scoprire l’effetto che fa farlo all’indietro?

È ora di provare partecipando al primo raduno cittadino di camminata all’indietro!

Sabato 24 settembre dalle 10.00 alle 16.30 all’interno di
ISOLA KULT Festival

Scopriremo insieme l’effetto che fa allontanarsi dalle cose, anziché andare loro incontro.
La partecipazione è gratuita.

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Un’irruzione silenziosa nel tessuto urbano: un gruppo di persone camminano all’indietro in uno spazio pubblico per 20 minuti, riappropriandosi di un luogo attraverso un gesto semplice che creerà per i passanti uno scenario irreale.

La performance è il punto di arrivo di un laboratorio che include una prima parte di esercizio fisico in sala e una seconda parte di approccio percettivo al luogo scelto per la performance.

Non è richiesta alcuna esperienza performativa pregressa e le attività proposte sono compatibili con molte diversità corporee e psicomotorie.

STARING BACKWARDS
Il 1° raduno cittadino di camminata all’indietro
Sabato 24 settembre dalle 10.00 alle 16.30
c/o ZONA K | via Spalato 11 Milano

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Un progetto di Alessio Calciolari e Filippo M. Ceredi
In collaborazione con Cinzia Delorenzi

Con il supporto di ZONA K

Per ulteriori informazioni sul progetto clicca QUI.

 

Il FOCUS URBANO realizzato con il sostegno di:

Con il patrocinio del

Nel palinsesto di

Un progetto di

 

LA CASA. Odissea di un crack

Scherzo per due attrici sole. Allegro ma non troppo.

In scena una Penelope e un Ulisse 

Ulisse non mangia pesce, non sa nuotare, beve, vuole andare, ma non va.
Penelope mangia pesce, sa nuotare, beve, non sa dove andare e non sa dove stare.
Penelope e Ulisse vivono insieme da vent’anni.
La Fionda Teatro festeggia i suoi vent’anni insieme a una delle coppie più famose di tutti i tempi.

La Casa riprende una delle storie più vecchie del mondo, l’Odissea, per raccontare la vita di una Penelope e di un Ulisse, una coppia al suo ventesimo anniversario. Due eroi piccoli piccoli, sottratti all’antica Grecia e catapultati in una casa che non ha né luogo né tempo. In una scena minimalista e spoglia, due personaggi si avvicinano e si allontanano in un confronto incalzante e reiterato.

Il testo tesse e intreccia la storia dei due protagonisti con quelle di altri personaggi dell’Odissea in un continuo passaggio tra finzione e realtà. Storie surreali, impossibili, oniriche, che hanno una vita propria e che alla fine hanno più verità della realtà.

Lo spettacolo vuole restituire uno sguardo delicato e ironico sulle cose, sul mondo, su di noi, esseri umani gravati da un destino ridicolo e tragico, sempre in bilico tra ciò che siamo e ciò che potremmo essere.
Dedicato al Teatro e alla forza dell’immaginazione.

di e con Elisabetta Pogliani (Penelope) e Paola Zecca (Ulisse)
collaborazione artistica: Marta Bevilacqua (la Sirenetta)
luci: Fausto Bonvini (il Ciclope)
collaborazione scena e costumi: Giovanna Luè (il cane Argo)
produzione LA FIONDA TEATRO, con il sostegno di ZONA K
grazie alla Compagnia Arearea per il periodo di residenza

In occasione di Expo Milano 2015, il progetto ExpoinCittà ha voluto mettere a sistema e presentare al pubblico, composto da cittadini e da visitatori dell’Esposizione Universale, la vivacità e varietà della scena teatrale milanese in un’iniziativa speciale: Padiglione Teatri.

 Tre i palcoscenici coinvolti, quello del Teatro Franco Parenti, dell’Elfo Puccini e del Piccolo Teatro.

TEATRO FRANCO PARENTI
Via Pier Lombardo 14, Milano
tel 02.59995206 biglietteria@teatrofrancoparenti.it

Acquisto online su www.teatrofrancoparenti.it |
App Teatro Franco Parenti Acquisto telefonico (con carta di credito): tel. 02.59995206
Orari biglietteria: lun 16.00 |19.30 mart – sab 10.00 |14.30 – 16.00 | 19.30 domenica 10.00 | 14.30

SPRING BOY

Spettacolo teatrale liberamente ispirato agli scritti del drammaturgo irlandese Brendan Behan

Ideazione, scrittura scenica, light, sound & video design, animatori oggetti e servi di scena: Alessandra Dolce, Marco Gnaccolini Matteo Moglianesi; attore: Michele Scarlatti; drammaturgia: Marco Gnaccolini; scenografia e attrezzeria: Alessandra Dolce; regia: Marco Gnaccolini; durata 50 minuti

SPRING BOY è un ragazzo irlandese di 16 anni arrestato a Liverpool con una valigia piena di esplosivo pronta a far saltare in aria il tribunale. Si chiama Brendan Behan.

Diventerà uno tra i drammaturghi più importanti d’Irlanda e del mondo, cantore di un’umanità perdente di fronte alla legge e al potere, con cui non smette di scontrarsi. Un attore interpreta diversi personaggi. Tre servi di scena compongono un universo visivo e sonoro con proiezioni dal vivo e suoni elaborati in presa diretta

Woodstock Teatro è una compagnia di Venezia, nata nel 2013. E’ composta dal regista-drammaturgo Marco Gnaccolini, dalla scenografa Alessandra Dolce e dal light-video-sound designer Matteo Moglianesi, tutti laureati alla magistrale in Scienze e Tecniche del Teatro – IUAV Venezia.

TRE DESIDERI

Flip e George sono una giovane coppia prossima alle nozze. All’indomani della loro festa di fidanzamento, una misteriosa nuvola attraversa il nostro pianeta sconvolgendone le sorti: ogni essere umano avrà infatti l’opportunità di vedersi avverare i primi tre desideri che esprimerà. Sogni di glamour e fama si sostituiscono al grigiore quotidiano:
“Le persone in cassa integrazione riebbero indietro il loro impiego. I ciechi cominciarono a vedere, i sordi a sentire, i balbuzienti ricevettero in dono l’eloquenza, le cose semplici divennero grandiose, le cose sbiadite luminose. La realtà ti appariva come sarebbe
potuta diventare, e potevi diventare la persona che avresti sempre voluto essere”.
Cosa cambierà nelle vite di Flip e George al passaggio di questa strana nuvola?
Cosa sceglieranno di desiderare?
E i loro desideri li avvicineranno, o li spingeranno lontani l’uno dall’altra?

Acclamata al Festival di Edimburgo del 2001, Tre Desideri è una commedia dall’humour irresistibile, una delle più interessanti prove del genio umoristico e irriverente di Ben Moor.

Bottega Rosenguild e Compagnia dei Demoni confermano con “Three Wishes” il loro interesse per la drammaturgia contemporanea, unendosi per la prima volta in un progetto comune. Ricalcando un percorso già iniziato rispettivamente per Bottega Rosenguild con lo spettacolo “Le Beatrici” di Stefano Benni e per Compagnia deiDemoni con “Shylock” di Gareth Armstrong, anche in “Three Wishes” l’autore diviene parte integrante del processo creativo, assistendo e collaborando alla messa in scena del suo testo, e generando interessanti cortocircuiti di poetiche e visioni differenti.
Così, al suo debutto assoluto in Italia, Ben Moor sarà anche supervisore artistico di questo lavoro che tanto successo ha avuto nel Regno Unito e in Europa.

Il progetto “Three Wishes” ha vinto il premio alle Arti L.A Petroni 2014 promosso da Residenza Idra, che è anche partner produttivo insieme a OffRome e Piefrancesco Pisani.

con Elisa Benedetta Marinoni e Mauro Parrinello
regia Mauro Parrinello con la supervisione artistica di Ben Moor
scene e costumi Chiara Piccardo
luci Paolo Meglio
traduzione Elisa Benedetta Marinoni
organizzazione e distribuzione Francesca Montanino
una produzione
OffRome / Bottega Rosenguild / Pierfrancesco Pisani / Compagnia DeiDemoni
con il sostegno produttivo di Residenza Idra

SPETTACOLO VINCITORE DEL PREMIO DELLE ARTI L. A. PETRONI 2014

BEN MOOR è un pluripremiato autore e attore britannico. Lavora per il teatro, la radio e la televisione. Tra i suoi lavori più rappresentati, il one-man show It Takes Forever If You Go By Inertia, A Supercollider For The Family e Coelacanth, acclamati dalla critica e dal pubblico britannico. Tre Desideri è il primo testo di Moor ad essere rappresentato in Italia.

ELISA BENEDETTA MARINONI Diplomata alla Civica Accademia d’Arte Drammatica di Udine e laureata in Teatro e Drammaturgia, ha lavorato in diversi teatri italiani e al fianco di Stefano Benni, Valerio Binasco, Veronica Pivetti, sia in veste di attrice che di assistente alla regia. Ha prestato la voce a programmi radiofonici e audiolibri. Nel 2010 fonda il collettivo Bottega Rosenguild con cui intraprende un percorso produttivo e artistico insieme a teatranti, musicisti, scrittori. E’ vincitrice femminile del Premio Gino Cervi 2013.

MAURO PARRINELLO Già allievo di Michele Di Mauro e Leo Muscato, dopo il diploma alla Scuola di Recitazione del Teatro Stabile di Genova, è diretto da Valerio Binasco in Noccioline di Fausto Paravidino per il Teatro Eliseo di Roma. Recita nel film Giorni e nuvole di Silvio Soldini, nella sit-com Piloti di RaiDue e per RaiTre nella Melevisione. E’ interprete e regista di numerosi cortometraggi indipendenti. Affianca Paolo Hendel nella lunga tournée di Molière, a sua insaputa. Per la Compagnia DeiDemoni ha curato numerose regie. E’ interprete nello stesso anno del monologo Shylock di Gareth Armstrong prodotto da OffRome, e per il cinema del cortometraggio Free-go, presentato ai Ciak d’Oro 2013, e del lungometraggio svizzero-italiano Fuori Mira, diretto da Erik Bernasconi, in uscita nel 2014.

 

MITO E PRESENTE

Perché i miti antichi esercitano tanto fascino su di noi?

Perché continuano ad essere rielaborati dagli artisti per parlare del presente?

Pensieri e parole su mito, realtà e tempo presente.

Intervengono: Lia Del Corno, Giorgio Barberio Corsetti, Martina Treu.

GIORGIO BARBERIO CORSETTI, regista autore e attore, fonda la sua prima compagnia , La Gaia Scienza nel 1976 per scioglierla nel 1984 e dar vita ad nuovo gruppo che porterà il suo nome. La Compagnia Teatrale di Giorgio Barberio Corsetti assumerà poi, nel 2001, la denominazione di Fattore K che conserva a tutt’oggi.
Le regie teatrali, la sperimentazione dell’uso del video nella drammaturgia teatrale è uno dei tratti caratteristici del teatro di Giorgio Barberio Corsetti che si ritrova come segno fondante di molti suoi spettacoli.
Memorabili restano le opere come La camera astratta in collaborazione con Studio Azzurro, Descrizione di una battaglia, America,  L’Histoire du Soldat, e poi Il Processo,  La Tempesta, Woyzeck, senza citare le innumerevoli regie del panorama lirico internazionale.
Altresì, già dal 1996 Giorgio Barberio Corsetti porta sulla scena testi risalenti ad epopee mitiche della tradizione classica e di quella nordica o orientale. Numerose sono le regie e le riscritture o adattamenti drammaturgici su questa scia: La nascita della Tragedia opera pervasa dei miti greci;  Notte, tratto dai testi sacri della mitologia indiana; Graal, dalla tradizione cavalleresca; Le Metamorfosi, Di animali, uomini e dei, Paradiso e Argonauti ancora dagli antichi scritti classici, Il colore bianco, sullo sfondo dei miti nordici, Dioniso nato tre volte, Dionisiache, Tra la Terra e il Cielo, fino ai più recenti Nineteen Mantras su alcuni antichi mantra della tradizione religiosa indiana,  e il recentissimo La guerra di Kurukshetra, adattamento del ricco poema indiano Mahàbhàrata.
Ancora molto si potrebbe citare a proposito delle Direzioni Artistiche assunte da questo poliedrico artista della scena, dalla Sezione Teatro della Biennale di Venezia alle sezioni danza e teatro dell’Auditorium-Parco della Musica di Roma, oltre ai palcoscenici che hanno visto sue creazioni: da Avignone a San Pietroburgo e da Parigi a Singapore.

MARTINA TREU è laureata in Storia del Teatro e della Drammaturgia Antica, dottore di ricerca in Filologia classica, cultore di Storia del Teatro Greco e Latino. Attualmente è ricercatrice di Lingua e Letteratura Greca presso l’Università IULM dove è stata responsabile del Progetto Dionys e del Progetto Teatro, cultura, turismo e Mediterraneo e del settore Formazione del progetto Mediteatri.pa (Formez).
Ha curato pubblicazioni e svolto mansioni di segreteria scientifica-organizzativa per vari teatri e festival italiani e stranieri, ha collaborato con diversi registi italiani, con il Piccolo Teatro Studio e con la Biennale di Venezia – Festival internazionale del Teatro. Scrive regolarmente sulle riviste Hystrio e Stratagemmi. Prospettive teatrali ed è responsabile della sezione Notizie di Dionysus Ex Machina.it.

LIA DEL CORNO  Nasce e vive a Milano. Traduce dal francese, inglese e tedesco e scrive per Adelphi, Garzanti, Mondadori, RCS Libri, ma soprattutto si è occupata di teatro e ha curato le proposte culturali del Piccolo Teatro di Milano, del Franco Parenti e del Teatro Popolare di Roma. È sua l’idea delle lezioni-spettacolo che ha promosso con energia e entusiasmo. Attualmente continua l’attività di traduttrice; scrive libretti di opere liriche dedicate soprattutto ai giovani, firma qualche scenografia e disegna costumi.

 

 

 

L’ODISSEA RACCONTATA

LA BIGLIETTERIA ONLINE NON E’ ATTIVA: 
GLI SPETTACOLI SONO TUTTI ESAURITI

Biglietto unico: € 7.00

Dice Carlo:

“Vi spiego come ho lavorato su questa Odissea.
Non ci sono state prove in privato. Ogni volta che provavo di fronte a me sedevano e ragazzi a cui tenevo un laboratorio teatrale: “l’Odissea raccontata e giocata”.
Raccontavo per un po’, poi le parole lasciavano spazio all’azione e insieme ai ragazzi si salpava alla volta di Itaca, ognuno con una piccola barca bianca “…la nave di Ulisse guidava la flotta diretta verso Itaca…” e via!
Una nave a dettare la rotta e le altre dietro a seguirla per un immenso immaginario mare che solcavamo prima di arrivare a Ismaro, città dei ciconi. Ma come è fatta Ismaro? Omero non ce la descrive e allora erano i ragazzi a inventarla a volte con palazzi di diamanti, pozzi d’oro e fiumi di cioccolato, altre volte città di fango e sassi.
E così procedeva il racconto, con la nostra fantasia a contaminare il testo (in totale libertà perché quando si parla di giganti, sirene e morti di solito non si hanno molte certezze).
Ognuno ha detto la sua: da Giovanni che ha sei anni ad Alberto che ne ha tredici. E le nuove parole e le nuove immagini si sono mischiate a quelle di Omero in un continuo gioco di sovrapposizione in cui alle volte il nostro racconto combacia con il suo mentre altre volte scorre a lato, senza tradirlo.

Così è nato il testo che racconto accompagnato dai bellissimi disegni di Pietro, Nicola, Carletto, Elena, Gloria, Cristiano, Mimmo…”

Testo, regia e interpretazione di Carlo Ottolini
Disegni di tantissimi bambini e ragazzi
Lavoro sulle immagini di Mirto Baliani
Progetto luci di Andrea Violato
Scena e costume realizzati dal corso di costume teatrale dell’Accademia di Brera di Milano
Elsinor produzione

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BANDITE

Fin da bambine ci viene insegnata l’obbedienza come un valore che ci consentirà di vivere in armonia con il sistema sociale che ci circonda. Ci viene detto di avere pazienza, di sopportare.

C’è chi questo non lo accetta, perché insofferente, temeraria, precorritrice dei tempi. C’è chi, per scelta o per mancanza di scelta, decide di cambiare tutto subito riguardo alla propria vita e, inevitabilmente, a quella degli altri. Oltrepassa i limiti stabiliti dalla legge, dal buonsenso comune, dalle norme sociali. Diventa bandita. È questa zona franca che abbiamo voluto indagare. E siamo partite da storie ambientate in diverse parti del mondo. Uno spettacolo che è anche un laboratorio delle idee, in cui ognuno  può costruire un pezzo di una storia collettiva non ancora scritto, non ancora disegnato. Una traccia.

di e con Soledad Nicolazzi; collaborazione drammaturgica Dalia Padoa; oggetti di scena e costumi Elena Carozzi; consulenza artistica  Gigi Gherzi e Laura Sferch; sostegno alla produzione Campsirago Residenza

Stradevarie è una compagnia teatrale indipendente nata nel ’99 che attualmente lavora all’interno del progetto “Campsirago Residenza”. Gli spettacoli sono il punto d’approdo di un percorso di ricerca, una riscrittura del presente con le sue storie fragili, ironiche e surreali. A piazza delle Erbe! ha ricevuto la “Menzione speciale Premio Ustica per il teatro ’07”; Ciclonica, ha vinto il Premio Pancirolli ’03. La compagnia ha anche un percorso rivolto all’infanzia: nel 2012 ha avuto il sostegno alla produzione di Small Size- Big  citizens per lo spettacolo Carta Canta.

FOCUS
RIVOLUZIONARI

Un focus dedicato all’impegno civile di piccole e grandi rivoluzioni sociali, a chi in passato e oggi ha creduto o crede che si possano ancora cambiare radicalmente le cose.
Al contempo un focus che guarda ad esperimenti nei linguaggi del teatro, della danza, del video e della contaminazione tra le discipline che possano contenere elementi rivoluzionari.

E’ un focus che dà spazio a compagnie giovanissime che, nelle mille difficoltà del non-mercato di questo paese, fanno fatica ad emergere ma che, con tenace volontà, fanno la loro rivoluzione proseguendo ad investire energie ed economie nel loro fare arte.

DITTICO DEL MISTERO E DEL TERRORE

Liberamente tratto dai “Tales of Mystery and Terror” di E. A. Poe. 

Il Babau & i maledetti cretini tributa il suo omaggio a Poe rileggendo al lume fioco di un rock criptico e colto alcune tra le più oscure pagine dei Racconti del Mistero e del Terrore: La verità sul caso di Mr.Valdemar e La maschera della Morte Rossa.

Dà così vita a un cupo e coinvolgente “Fonodramma”, una vera e propria traduzione sonora dei racconti. Il risultato è un viaggio nevrastenico e carico di suspense in cui lo spettatore/ascoltatore è trasportato senza soluzione di continuità attraverso paesaggi sonori molto vari e sempre suggestivi sino all’ineludibile epilogo.

Damiano Casanova: chitarra elettrica, tastiere; Franz Casanova: voce e tastiere

Il Babau &… è un progetto artistico sospeso tra musica, teatro e letteratura fondato dai fratelli Casanova sul finire dello scorso millennio. Lasciata da parte la forma canzone reinventa il fonodramma, originale traduzione musicale e sonora di racconti letterari con spiccata propensione per il misterioso, il fantastico, il grottesco, il macabro, il bizzarro.

FAVOLE AL TELEFONO

Liberamente ispirato al mondo di Gianni Rodari.

Lo spettacolo è adatto anche ad un pubblico di bambini e ragazzi.
Dai 6 anni in su.

Uno spettacolo ispirato al mondo di Gianni Rodari, ricco di storie intelligenti, che sanno di gioia, fantasia, libertà. 7 telefoni disseminati nello spazio con cui chiamare e rispondere per farsi raccontare una storia. 7 voci che raccontano in diretta le favole di Gianni Rodari. 7 spettatori alla volta che potranno alzare la cornetta e ascoltare i centralisti nascosti: attori-narratori dalla provenienza più disparata, culturale e linguistica, che raccontano storie e dialogano con gli ascoltatori in tutte le lingue della nostra città.

Il progetto Favole al telefono nasce dall’incontro di due elementi portanti della ricerca di Bluemotion. Il primo riguarda la costruzione di dispositivi performativi e visivi che facilitino e indaghino la sfera della comunicazione tra due individui. Il secondo invece è la riflessione sul racconto come dono, sulla sua capacità di essere strumento di ascolto e dialogo.

Il dispositivo per Bluemotion è lo strumento necessario a creare un rito. Un rito laico, certamente, ma che sappia offrire la possibilità di sentirsi in un meccanismo comunitario. Nel caso di Favole al telefono il mezzo è il telefono col filo, caduto in disuso da anni, così come la limitazione a muoversi in uno spazio ridotto durante una conversazione telefonica. Questa costrizione spaziale provoca un senso di smarrimento, ma anche di intimità. Di solitudine, ma anche di stupore.

Si tratta di un’esperienza breve di dialogo telefonico con una persona sconosciuta. E ciò che si ascolta è una favola. Lo spazio ordinato e in penombra ospita la caotica gamma di favole che si nasconde dietro la cornetta, protegge il segreto che lega due persone che parlano al telefono senza conoscersi. E in questo piccolo incontro misterioso le favole diventano cartografie di vite, riti di passaggio, appunti di fantastica.

ideazione e regia Giorgina Pi; soundscape Valerio Vigliar; una produzione Angelo Mai – Bluemotion
con con Sara Benvenuto, Elettra Capuano,  Gianluca De Rubertis, Gian Marco Di Lecce, Mauro Milone, Giorgina Pi, Laura Pizzirani, Sofia Vigliar, Valerio Vigliar, Rodrigo D’Erasmo + Roberto Dell’Era degli Afterhours e Enrico Gabrielli dei Calibro 35

La prenotazione è obbligatoria, i posti sono limitati.
Ogni racconto dura 15 minuti.
Le repliche si svolgeranno all’inizio di ogni ora a partire
dalle ore 18.00 per il sabato e dalle ore 16.00 per la domenica.
Se il turno lo consente, è possibile scegliere di ascoltare altri racconti.

BIGLIETTI per ADULTI
€ 8,00 (2 racconti +  aperitivo/caffè)
€ 3,00 (il 3° racconto) 

BIGLIETTI per BAMBINI
€ 6,00 (2 racconti + merenda)
€ 3,00 (il 3° racconto) 

02.97378443 biglietti@zonak.it

Bluemotion è una formazione nata nel 2008 a Roma all’interno dell’esperienza artistica e politica dell’Angelo Mai. Performer, registi, musicisti e artisti visivi si uniscono per creare a partire dalle proprie suggestioni, confrontando i propri sguardi sul presente e sull’arte. Le opere di Bluemotion sono sempre creazioni collettive, risultato dello scambio e delle visioni dei membri del gruppo.

SE DICO GOETHE

Sulle tracce de “Il viaggio in Italia” di Goethe, un nuovo viaggio nei vizi e nelle virtù, nei luoghi comuni e nelle sorprese, nella geografia e nelle persone che non ti aspetti di incontrare.

“Se dico Goethe” a voi cosa viene in mente?

Nel 1786 Goethe entrò nel Belpaese: Il suo Viaggio in Italia durò due anni e lo cambiò per sempre. Rosario Tedesco, uomo di teatro e di viaggio, la scorsa primavera su incarico del Goethe-Institut ha rivisitato in chiave contemporanea il viaggio del grande poeta tedesco. Nel suo percorso ha incontrato e raccontato gli italiani e l’Italia di oggi. Questo attraverso un diario di viaggio multimediale in cui alle parole del blog si sono alternati tweet, video, suoni e immagini.

Rosario Tedesco racconta ora in scena la sua esperienza sorprendente e lo fa in un gioco di sradicamento delle nostre idee precostituite, anche su noi stessi.

con Rosario Tedesco, tecnico audio e luci Paolo Corleoni

Rosario Tedesco è attore e regista teatrale, si è formato alla scuola di Luca Ronconi e dalla fine degli anni Novanta collabora con Antonio Latella. Dal 2005 inizia a lavorare in Germania presso il Düsseldorfer Schauspielhaus, lo Schauspiel Köln, la Volksbühne di Berlino. Recentemente ha preso parte a film internazionali recitando a fianco di Anthony Hopkins, Udo Kier, Michael York. Rosario Tedesco è anche un camminatore-narratore. Nel 2009 ha completato il cammino di Santiago e sulla via di Finisterre ha preso corpo il suo secondo progetto a piedi: “Il Vento nelle Scarpe”, un cammino solitario di 1770 km lungo le sponde del Danubio, compiuto tra il 2011 e il 2012 in 92 giorni, attraversando 6 nazioni.

FOCUS RADIO

In occasione degli Europe Radio Days a Milano, una settimana tutta dedicata alla radio e alle arti performative per indagare la storia di un mezzo così importante per la diffusione della cultura, la riscoperta delle sue risorse e le nuove forme di sperimentazione e comunicazione da parte di giovani artisti e compagnie.

con Rosario Tedesco;  Matteo Caccia, Danilo De Biasio e Filippo Solibello; i Bloomotion; Il Babau & i Maledetti Cretini; Paul Plamper, Sandro Avanzo e Rodolfo Sacchettini + Seminario sul Radiodramma di Paul Plamper + Mostra a cura di Sandro Avanzo

C’è anche il FOCUS RADIO KIDS!

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pic. by Alessandro Sala

LA CASA.
Odissea di un crack

LA BIGLIETTERIA ONLINE NON E’ ATTIVA: 
prenotazioni allo 02.97378443 o su biglietti@zonak.it

Odissea di un crack.
Scherzo per due attrici sole. Allegro ma non troppo.
In scena una Penelope e un Ulisse 

Ulisse non mangia pesce, non sa nuotare, beve, vuole andare, ma non va.
Penelope mangia pesce, sa nuotare, beve, non sa dove andare e non sa dove stare.
Penelope e Ulisse vivono insieme da vent’anni.
La Fionda Teatro festeggia i suoi vent’anni insieme a una delle coppie più famose di tutti i tempi.

La Casa riprende una delle storie più vecchie del mondo, l’Odissea, per raccontare la vita di una Penelope e di un Ulisse, una coppia al suo ventesimo anniversario. Due eroi piccoli piccoli, sottratti all’antica Grecia e catapultati in una casa che non ha né luogo né tempo. In una scena minimalista e spoglia, due personaggi si avvicinano e si allontanano in un confronto incalzante e reiterato.

Il testo tesse e intreccia la storia dei due protagonisti con quelle di altri personaggi dell’Odissea in un continuo passaggio tra finzione e realtà. Storie surreali, impossibili, oniriche, che hanno una vita propria e che alla fine hanno più verità della realtà.

Lo spettacolo vuole restituire uno sguardo delicato e ironico sulle cose, sul mondo, su di noi, esseri umani gravati da un destino ridicolo e tragico, sempre in bilico tra ciò che siamo e ciò che potremmo essere.
Dedicato al Teatro e alla forza dell’immaginazione.

di e con Elisabetta Pogliani (Penelope) e Paola Zecca (Ulisse)
collaborazione artistica: Marta Bevilacqua (la Sirenetta)
luci: Fausto Bonvini (il Ciclope)
collaborazione scena e costumi: Giovanna Luè (il cane Argo)
produzione LA FIONDA TEATRO, con il sostegno di ZONA K
grazie alla Compagnia Arearea per il periodo di residenza