Camminata urbana in cuffia | durata 120 min | in italiano adatto a un pubblico a partire dai 10 anni evento non accessibile a persone con mobilità ridotta
ATTENZIONE: LEGGERE ATTENTAMENTE TUTTE LE INFORMAZIONI INERENTI ALLA PARTECIPAZIONEELENCATE DI SEGUITO
Un progetto di teatro partecipato per esplorare la notte a Milano: tra movida e silenzio, pericoli e segreti, voci, divieti, trasgressione e desideri.
Dall’esperienza biennale di Bürgerbühne – La scena dei cittadini nasce BÜRGER NACHT, una nuova creazione collettiva che ha come nucleo il gruppo senior protagonista delle due precedenti edizioni. Insieme, cittadine e cittadini indagano la città quando cala il buio, per restituire uno sguardo inedito su ciò che accade quando Milano cambia volto.
Attraverso interviste, suoni, osservazioni e racconti, BÜRGER NACHT costruisce un viaggio sonoro a tappe, da mezzanotte all’alba, che accompagna il pubblico in un’esperienza immersiva e itinerante. Una camminata urbana pubblica e interattiva, che trasforma la città in scena e invita a camminare, ascoltare e immaginare Milano — la città che non dorme.
COME PARTECIPARE
➤ La camminata ha una durata di circa 2 ore. Si consiglia di indossare scarpe e vestiti adatti alla camminata urbana.
➤ Il luogo di arrivo è una sorpresa, ma sarà vicino a una fermata della metro.
➤ La camminata verrà annullata solo in caso di pioggia consistente; in caso di annullamento preventivo verrete avvisati telefonicamente. In caso di annullamento a evento già iniziato non è previsto il rimborso del biglietto.
La camminata urbana è realizzata in seguito a un laboratorio teatrale tenutosi a ZONA K. “BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini” – ispirato al progetto dello Staatsschauspiel di Dresda – è uno spazio aperto al confronto per trasformare le riflessioni, le urgenze e le domande dei cittadini in linguaggio artistico e trovare così nuove forme di partecipazione attiva
Un progetto di ZONA K Performer, autori/autrici dei testi Massimo Amati, Emilia Bella, Francesca Gerli, Maria Teresa Gimelli, Paolo Grulla, Fabio Lastella, Daniela Petrillo, Manuela Sitzia, Irmtraut Tonndorf Drammaturgia e regia Federica Di Rosa Editing audio Davide Stecconi Composizione coreografica Maura Di Vietri
Foto da Unsplash: Mikita Elaborazione grafica: Neostudio
Creare per la scena
Un laboratorio teatrale dei Gordi, dedicato a professionisti/e della scena interessati/e a condividere pratiche, ricerca e immaginari collettivi ispirati a temi del presente.
“Gordi” è una parola inventata che il collettivo traduce in “fertili”, “dalla curiosità vorace”; l’augurio è quello di alimentare vicendevolmente il desiderio di una costante e parallela ricerca artistica personale, verso nuovi testi, nuove drammaturgie, nuovi teatri possibili; a tal proposito, la compagnia condividerà con i partecipanti il processo creativo.
Il percorso di ricerca si articolerà in tre settimane non-consecutive di lavoro intensivo tra metà febbraio e metà maggio 2027 e si svolgerà nella sala teatrale di ZONA K.
► Prima tappa: ACCORDATURE Dal 10 al 14 febbraio 2027, dalle ore 10:00 alle 17:00 Il primo appuntamento sarà dedicato al training e ai principi di lavoro sul corpo e sull’azione che accompagneranno tutto il nostro percorso; verrà aperto il tema del laboratorio con suggestioni poetiche e rilanci creativi, per attivare l’immaginazione e innescare il processo artistico.
► Appuntamento ONLINE (dedicato unicamente a chi svolge il percorso completo di tre tappe) 3 aprile 2027, dalle 14:30 alle 17:30 Incontro sul coordinamento dei processi creativi sviluppati in autonomia.
► Seconda tappa: ATTRAVERSAMENTI Dal 20 al 24 aprile 2027, dalle ore 10:00 alle 17:00 In questa fase di lavoro condivideremo con le/i partecipanti una pratica in cerchio per accendere lo “sguardo per azioni”, costruire un immaginario di gruppo fatto di pezzi di vita e gesti partendo da un territorio comune; individueremo nuclei d’interesse e di ricerca. Si potranno creare all’occorrenza anche dei gruppi di lavoro.
► Terza tappa: RESTITUZIONI Dal 5 al 9 maggio 2027, dalle ore 10:00 alle 17:00 Nella terza fase le/i partecipanti lavoreranno per rendere condivisibile una personale proposta creativa, anche di gruppo, alla luce del percorso fatto e dei linguaggi sperimentati. Le restituzioni saranno presentate durante un’apertura pubblica con lo scopo di favorire la ricerca di immagini e di forme comprensibili; essa potrà anche rappresentare il primo passo di percorsi artistici autonomi e variegati, di progetti nati dalla molteplicità degli sguardi e dalle buone pratiche di gruppo.
Il laboratorio prevede un numero chiuso di partecipanti (max 20) ed è articolato in tre tappe, un appuntamento online tra il primo e il secondo e una restituzione pubblica finale. Verrà data priorità a candidate e candidati che potranno seguire l’intero percorso.
La compagnia si riserva la possibilità di prendere in considerazione le candidature anche per singoli moduli, compatibilmente con la disponibilità dei posti e l’esigenza del processo di ricerca collettivo. I costi di un’eventuale partecipazione parziale verranno determinati di conseguenza. Il laboratorio si attiva al raggiungimento del numero minimo degli iscritti.
COME PARTECIPARE Compila QUESTO MODULO in ogni sua parte entro e non oltre il 23 dicembre 2026. L’11 gennaio 2027 ti contatteremo per comunicarti l’esito della candidatura.
COSTOE AGEVOLAZIONI Tre moduli: € 650,00 con invio candidatura entro l’8 dicembre 2026 Tre moduli: € 750,00 con invio candidatura dal 9 al 23 dicembre 2026 Per chi parteciperà a due o a tutte e tre le tappe, è prevista la possibilità di suddividere il pagamento in rate. Per partecipare è richiesto il tesseramento 2027 (costo € 5,00)
ISCRIZIONE Il pagamento della quota dovrà essere effettuato entro il 15 gennaio 2027.
Se ti servono informazioni aggiuntive o volessi comunicare direttamente con noi, scrivici a didattica@zonak.it.
I Gordi sono una compagnia indipendente nata a Milano nel 2010. Porta in scena un teatro fisico e visivo, fatto di corpi, immagini, ironia e poesia, capace di far emergere il mito dentro la quotidianità. Ogni creazione nasce da un processo condiviso, tra incontri, relazioni e sperimentazione. Nel 2015 vince il bando Funder35 di Fondazione Cariplo. Dal 2017 costruisce un legame solido con il Teatro Franco Parenti, che la sostiene e produce, accogliendola come compagnia residente per il triennio 2024–2026. Nel tempo riceve importanti riconoscimenti, tra cui il Premio Hystrio-Iceberg (2019) e il Premio Nazionale della Critica Teatrale (2020), confermando la forza del suo percorso artistico. Filo rosso di tutti i loro progetti è il tema della “soglia”. Sulla morte senza esagerare (2016), la soglia è lo spazio tra aldiquà e aldilà; in Visite (2018) tra presente e passato; in Pandora (che debutta alla Biennale di Venezia nel 2020) tra intimo e pubblico; in Note a Margine (Campania Teatro Festival 2024) la soglia tra corpo e anima. Nel 2025 il collettivo presenta Breve Enciclopedia delle porte (per Gorizia e Nova Gorica, Capitale Europea della Cultura, un catalogo tragicomico dell’attesa e dei confini. Dal 2022 la compagnia attiva una distribuzione internazionale. Accanto alla scena, sviluppa un’intensa attività formativa, condividendo una pratica basata su corpo, gesto e creazione collettiva.
GIOELE PERESSINI
La forma del maschio è un’indagine performativa sulla repressione dei corpi devianti e delle mascolinità non conformi. Un viaggio nella Venezia Giulia tra fine Ottocento e metà Novecento, dove l’eredità asburgica, la repressione fascista e l’occupazione nazista hanno imposto una sorveglianza costante sui confini nazionali e sui corpi che sfuggivano alla norma.
Ogni regime – impero, nazione, dittatura – ha costruito il proprio potere anche attraverso il controllo dei corpi, trasformando la devianza in un laboratorio di sperimentazione politica, terreno fragile e incandescente dove testare tecniche di disciplinamento poi estese all’intera popolazione.
Attraverso documenti giudiziari, fonti orali e materiali d’archivio, la narrazione dà voce a corpi che hanno infranto le regole della mascolinità dominante – virile, guerriera, conforme – diventando minaccia, scandalo, prova vivente di altre possibilità rimaste ai margini della storia ufficiale.
Lecture performance – Durata 60 min – In italiano
Ingresso consentito previo tesseramento 2026. Adatto a un pubblico a partire dai 16 anni. Evento accessibile a persone con mobilità ridotta.
di e con Gioele Peressini a partire dal volume Mascolinità devianti: dall’ex Litorale austriaco all’ex Venezia Giulia di Marco Reglia, consulenza storica Marco Reglia, dramaturg Giulia Bean, collaborazione grafica Alessandro Virgilio Mosetti, si ringrazia Riccardo Tabilio, produzione Quarantasettezeroquattro, foto Ruben Vuaran
Promosso all’interno del progetto “Devianti. Storie di corpi e identità non conformi. 1900-1950”. Realizzato con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia. Avviso storico etnografico progetti per studi e ricerche – anno 2024
Gioele Peressini è dottore di ricerca in design, studia il rapporto tra tecnologie, corpo, performance e moda contemporanea. Cura progetti di spettacolo dal vivo ed è co-direttore artistico del festival urbano multimediale In\Visible Cities, organizzato da Quarantasettezeroquattro, che esplora la memoria, l’identità e la trasformazione degli spazi urbani attraverso eventi partecipativi e performance site-specific.
Marco Reglia inizia la sua ricerca storica su mascolinità e omosessualità nel 2005, a seguito della posa della lapide con un triangolo rosa alla Risiera di San Sabba di Trueste. Il suo percorso di ricerca include il dottorato all’Università del Litorale di Capodistria, dalla cui tesi prende spunto il volume Mascolinità devianti.
Quarantasettezeroquattro è un’associazione culturale di Gorizia che intreccia arte, storia e memoria collettiva. Realizza performance, installazioni, passeggiate urbane, audioguide e progetti partecipativi per valorizzare storie marginali e per indagare i temi della memoria storica, dei confini e dei diritti, con una forte attenzione al coinvolgimento delle comunità locali. Attraverso un approccio interdisciplinare che unisce ricerca storica e pratiche performative, sviluppa collaborazioni con scuole, archivi, istituzioni e reti europee, portando i propri progetti in contesti nazionali e internazionali. Quarantasettezeroquattro intende rendere vivo il rapporto con il passato e stimolare forme di cittadinanza attiva e consapevole nel presente.
Questo evento fa parte di
FILIPPO MICHELANGELO CEREDI
Crepa nella memoria, ricodifica della salma, ricomposizione del trauma. esterno, dio / draussen, gott è una performance multimediale sulla violenza politica, sviluppata attraverso le tracce di una ferita invisibile nella società italiana ed europea: una drammaturgia corale basata sull’ascolto delle testimonianze orali di donne e uomini deportati come “politici” nei campi di concentramento nazisti. Fra il 1943 e il 1945, circa 30 mila cittadini italiani che si opponevano al regime nazi-fascista subirono la deportazione. Metà di loro non fece mai ritorno a casa.
Nel 1995 una studentessa di psicologia registrò su audiocassette le voci di 51 sopravvissuti e le custodì per 25 anni, prima di riportarle all’attenzione del pubblico. Come relazionarsi al racconto dell’inimmaginabile? Come trasmettere un trauma collettivo che l’immaginario comune relega a un lontano passato ma a cui la violenza odierna restituisce una dolorosa attualità? Come riportare in primo piano verità scomode, che da tempo vengono attaccate con operazioni di silenziamento, alterazione e riscrittura della storia? Un piccolo archivio analogico diventa il narratore multimediale di una discesa agli inferi, custode di una memoria in cui l’IA è allo stesso tempo complice e traditrice della documentazione storica, fonte autonoma di errori di trascrizione che si trasformano improvvisamente in voragini poetiche.
In scena, insieme all’archivio, due performer accompagnano il pubblico dentro al processo di creazione documentaria, lasciando spazio al montaggio sonoro delle testimonianze e riproducendo i frammenti della loro ricerca sull’argomento, fra collezione di informazioni storiche e notazioni diaristiche. La presenza scenica dell’umano emerge come cornice fragile per rimodulare l’ascolto, aprire nuove narrazioni simboliche e avvicinare il pubblico alla comprensione dell’abisso totalitario.
Performance teatrale multimediale – Durata 75 min – In italiano
Ingresso consentito previo tesseramento 2026. Adatto a un pubblico a partire dai 16 anni. Evento accessibile a persone con mobilità ridotta. La natura radiofonica dello spettacolo lo rende “in buona parte” accessibile a persone cieche o ipovedenti
regia, testi originali e scenografia Filippo Michelangelo Ceredi, drammaturghi e performer FIlippo M. Ceredi e Giovanni Onorato, autrice delle interviste Fiorella Rodella, sound design Andrea Trona, luci Isadora Giuntini, sguardo esterno Noèmie Regnaut e Noemi Piva, realizzato nell’ambito del progetto “A tutti. Voci dalla storia” ideato da Liberty e sostenuto da Unione Reno Galliera, Città Metropolitana di Bologna, Comuni di Baricella, Granarolo dell’Emilia, Malalbergo e Minerbio, Parco della Memoria Casone del Partigiano “Alfonsino Saccenti”, con il contributo di Regione Emilia Romagna, con il supporto di ZONA K, AtelierSì, Festival Teatro Bastardo, Fivizzano 27, ANED Bologna, produzione: F*M^C_2025/26, amministrazione Cesare Benedetti / Chiasma, foto Marta Vultaggio
con il contributo di
Filippo Michelangelo Ceredi (he/him) è un artista interessato ad archivi, linguaggio documentario e dispositivi multimediali come strumenti per attivare la memoria, personale e collettiva. Laureato in filosofia, inizia nel 2010 nell’audiovisivo come assistente alla regia di Marco Bechis. Nel 2016 firma la sua prima performance teatrale, Between Me and P. (con Teatro delle Moire e Daria Deflorian), presentata in festival come Santarcangelo e Short Theatre. Tra il 2019 e il 2024 vive a Berlino, dove sviluppa altri progetti performativi, tra cui EVE #2 per la Biennale Teatro di Venezia diretta da Antonio Latella. Tra il 2024 e il 2025 realizza, insieme a Giovanni Onorato, la performance esterno, dio, nell’ambito del progetto “A tutti. Voci dalla Storia” di Associazione Liberty.
Giovanni Onorato (he/him), nato a Roma nel 1995, si forma fuori dalle accademie, in particolare nel laboratorio di Adriano Mainolfi e, a Berlino, alla Tanzfabrik. Debutta nel 2022 con Suck my Iperuranio; il progetto successivo, A.L.D.E. – non ho mai voluto essere qui, vince menzioni e premi (tra cui DirectionUnder30) e debutta al RomaEuropa Festival 2023. Ha collaborato con Deflorian/Tagliarini e Muta Imago, prendendo parte anche allo spettacolo Ashes, Premio Ubu per il miglior progetto sonoro. È inoltre autore di un libro di poesie e di un album. Studia filosofia e lavora oggi come interprete nei progetti di Claudio Larena e dello stesso Ceredi.
Questo evento fa parte di
Flavia Mastrella e Antonio Rezza
Una lezione-performativa per condividere con il pubblico storia, metodo ed estetica di due degli artisti più originali del teatro italiano.
Biglietti acquistabili solo online: posto unico € 10,00 + d.p. Ingresso consentivo previo tesseramento associativo 2026
In italiano. Durata 150 min. Evento accessibile a persone con mobilità ridotta.
▶︎ PROMO AMICA: per chi partecipa all’Incontro performativo, biglietto ridotto a € 15,00 per Metadietro, in scena al Teatro Elfo Puccini dal 5 all’8 novembre. Per richiedere la riduzione, scrivi a biglietteria@elfo.org con allegata la conferma d’acquisto del biglietto per l’Incontro.
Flavia Mastrella e Antonio Rezza si occupano di “comunicazione involontaria”. Insieme hanno realizzato quindici opere teatrali (tra cui Pitecus, Fratto_X, Hybris), sette lungometraggi (tra cui Escoriandoli, presentato a Venezia nel 1996, e Samp, a Venezia nel 2020) e numerosi corto e medio metraggi. Flavia Mastrella si dedica anche a scultura, fotografia e video-scultura, esponendo tra gli altri al Mambo (BO), al PAN (NA) e al Museo della Certosa di San Lorenzo (SA). Antonio Rezza è anche scrittore, con romanzi pubblicati da Bompiani e La nave di Teseo: nel 2008 vince il Premio Feronia con Credo in un solo oblio, mentre nel 2022 pubblica Il Fattaccio. Tra i riconoscimenti ricevuti: il Premio Alinovi (2008), il Premio Hystrio e il Premio Ubu (2013), il Premio Napoli (2016), l’attestato di Unicità nella Cultura e il Premio Ermete Novelli a Montecitorio (2017), il Leone d’oro alla carriera per il Teatro dalla Biennale di Venezia (2018) e La Rosa d’oro della Milanesiana (2019). Le loro opere teatrali sono state presentate in tutto il mondo. Nel 2023 riprendono il progetto Troppolitani, girato a Bastogi nell’ambito di Spores Project, sostenuto da Creative Europe. Nel 2025 hanno debuttato con il loro ultimo spettacolo Metadietro. Collaborano tuttora con La Fabbrica dell’Attore – Teatro Vascello di Roma.
Uno spettacolo di Circuito CLAPS in collaborazione con ZONA K
Per partecipare è necessario che ogni persona si tesseri a ZONA K contestualmente all’acquisto dei biglietti. La tessera annuale ha un costo di soli €2,00 e verrà consegnata in biglietteria la sera di spettacolo.
Cosa muove il respiro tra le cose: quel tra-spirare,quello spiraglio tra il prendere e il dare, tra il rubarepezzi di mondo e rilasciare fiato al mondo in pezzi?
Con Breathing room Salvo Lombardo si appoggia al respiro, avvicinandolo come atto poetico. Il lavoro consiste principalmente nell’invenzione di uno spazio ideale e dilatato in cui “riprendere fiato” e in cui praticare la perdita di controllo dell’artista sull’atto artistico stesso.
La drammaturgia, che trae da Il silenzio è cosa viva di Chandra Livia Candian ispirazione, è informata da una serie di sollecitazioni e suggestioni che Salvo Lombardo ha ricevuto nel tempo come dono da parte di diverse persone, colleghe e amiche, che hanno contribuito ad allenare il respiro come sostanza significante e come campo aperto di significati. Pensato come un ambiente in perenne edificazione Breathing room è una performance che si appoggia alla voce, ma anche al corpo: una stanza, un perimetro ideale di relazione, informato da una voce che proietta un dire e che evoca un fare a cavallo tra meditazione orale / pratica guidata / installazione sonora ambientale / podcast performativo.
Ogni apertura di questo “respiratorio” costituisce un unicum non riproducibile, che si basa su un invito ad un* artista proveniente dall’ambito della danza e della performance ad abitare questo perimetro relazionale, assieme al pubblico presente, tramite l’attivazione di una performance determinata in tempo reale, senza prove, né anteprime, né repliche future grazie alla combinazione tra i suggerimenti della voce ambientale e dei suggerimenti che il performer riceve in cuffia e che decide come e se agire. L’invito si sostanzia in questo modo come atto di complicità nonché come espressione radicale di un essere-adesso e come occasione per mettere in discussione, respirando, i principi di autorità e di potere individuale che sottendono il sistema produttivo dell’arte: un invito da cui farsi portare, un’attitudine all’ascolto, un esercizio alla vulnerabilità e relazionalità che possa suggerire un atto di cura reciproco.
Breathing room si inserisce nel solco della riflessione sulla “cura” portata avanti con la Lavanderia a Vapore di Collegno, di cui Lombardo è artista associato.
ideazione, testi, voce e ambiente Salvo Lombardo drammaturgia ispirata a Il silenzio è cosa viva di Chandra Livia Candiani parole in forma di dono di Fabio Acca, Michele Di Stefano, Carlo Lei, Cristina Kristal Rizzo, Alessandro Sciarroni, Alessandro Tollari featuring Annamaria Ajmone, Chiara Ameglio, Sissj Bassani, Chiara Bersani, Philippe Barbut, Silvia Calderoni, Marta Ciappina, Alessandra Cristiani, Marco D’Agostin, Nicola Galli, Elena Giannotti, Vincent Giampino, Silvia Gribaudi, Matteo Marchesi, Daniele Ninarello, Francesca Pennini, Cristina Kristal Rizzo, Irene Russolillo, Stefania Tansini sound design Fabrizio Alviti citazioni musicali da Ira di Iosonouncane consigli curatoriali Chiara Organtini produzione Chiasma con il sostegno di Lavanderia a vapore di Collegno con il contributo di MIC – Ministero della cultura Salvo Lombardo è artista associato della Lavanderia a Vapore di Collegno
VALERIE TAMEU è un’artista performativa e multidisciplinare la cui pratica si concentra sul corpo inteso come dispositivo espandibile, esplorando la coreografia, le esperienze somatiche e la loro intersezione con la tecnologia e diverse modalità di display. La sua ricerca indaga le relazioni tra memoria, corpo e tecnologia, intrecciando dimensioni storiche e speculative attraverso performance, installazioni e pratiche partecipative. Il suo lavoro è stato sostenuto e presentato in contesti nazionali e internazionali, tra cui Romaeuropa Festival, Centrale Fies, Ars Electronica, BASE Milano, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e l’Istituto Italiano di Cultura di Londra.Alcuni dei suoi progetti sono stati pubblicati su Gucci Prospettive 2024, Exibart e L’Espre
TAM TAM 6 > 7 anni
TAM TAM è un laboratorio annuale di teatro in cui bambine e bambini imparano a usare il corpo, la voce e l’immaginazione come strumenti di racconto.
Si parte dal sé, da come ci si muove, da come si sta insieme, e si arriva a costruire un momento teatrale collettivo. Il ritmo è il filo conduttore: scandisce il tempo, unisce il gruppo, dà forma alle emozioni e alle parole.
TAM TAM è uno spazio teatrale in cui possono anche accadere cose inaspettate: può succedere che nel corso dell’anno il gruppo incontri esperti di musica o di arte visiva per approfondire alcuni aspetti… ma questo dipende dal racconto che costruiranno insieme all’esperta di teatro, che li seguirà per tutto l’anno.
TAM TAMsegue una struttura consolidata ma lascia spazio all’imprevedibile, proprio come il teatro, proprio come un incontro.
Il percorso si conclude con una restituzione aperta: un momento scenico in cui ciò che è stato scoperto durante il laboratorio prende forma davanti a un pubblico, che sarà chiamato a partecipare in maniera attiva per rendere quel momento unico.
PROVA GRATUITA SU PRENOTAZIONE OBBLIGATORIA Entro il mese di novembre è possibile prenotare una lezione di prova gratuita. Contatti: didattica@zonak.it / 02.97378443
Per partecipare é richiesto il tesseramento 2026 di un adulto di riferimento (costo simbolico € 2,00).
Per la fascia d’età 6 e 7 anni le lezioni si svolgono sempre il lunedì con orario dalle 17:15 alle 18:15.
Il corso è annuale e prevede 28 appuntamenti totali compresa la prima lezione di prova e si attiva al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti. È previsto un numero massimo di partecipanti. Le iscrizioni verranno registrate in base all’ordine di arrivo dei moduli con relative ricevute di pagamento.
Costo € 470,00.
Agevolazioni:
– 15% per iscrizione entro il 15 settembre 2026 con pagamento in unica rata; – 10% per iscrizione pagamento unica rata; – 5% per iscrizione secondogeniti e iscritti anno precedente pagamento in due rate Gli sconti non sono cumulabili.
Tradere in latino significa tramandare, ma anche lasciar andare, tradire. Ricorda per assonanza la parola trade, che in inglese significa commercio. Come cambiano luoghi e persone quando vengono guardati dall’esterno? Cosa accade quando questo sguardo è quello mercificante del turismo di massa? Come avviene la trasformazione di un rito in folklore e di un’identità in brand? Tradere scardina la dicotomia tra reale e narrazione del reale, interrogandosi sulla sopravvivenza dell’identità nell’epoca della sua “riproducibilità turistica”. Abitare o visitare uno spazio non sono mai atti neutri. Sono interventi trasformativi che deformano l’urbanistica e l’assetto sociale. I centri storici diventano scenografie di transito. Il territorio, svuotato della sua funzione abitativa e trasformato in asset speculativo, diviene inaccessibile ai suoi stessi residenti.
Il pubblico, in Tradere, è portato a interrogarsi sulla propria condizione di osservatore. Occupa una posizione scomoda: è parte integrante di questo meccanismo di erosione ma è anche lo sguardo esterno che, nel momento stesso in cui cerca l’esperienza genuina, ne accelera lo snaturamento. In un’epoca in cui il mercato ha saturato la produzione di oggetti, l’accumulazione si sposta verso la colonizzazione del tempo, dei riti e dei legami comunitari. Trova spazio, nei nostri sguardi, l’invisibile?
da un’idea di Giulia Sangiorgio un progetto della compagnia Corpora regia Giulia Sangiorgio drammaturgia Eliana Rotella design multimediale Andrea Centonza con Viviana Dorsi luci Tullia Luce Ruggeri organizzazione Caterina Gruden produzione ZONA K coproduzione Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa con il sostegno del MiC e di SIAE, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”
CORPORA è una compagnia teatrale under 35 composta da Giulia Sangiorgio, regista, Eliana Rotella, drammaturga, Caterina Gruden, organizzatrice, e Andrea Centonza, designer multimediale. Il centro del loro lavoro è il confine tra corpo e parola come spazio politico e pubblico. La scena è uno spazio dove il corpo vivo sfugge alla logica dell’immagine consumabile e rivendica la possibilità di raccontare ciò che resta fuori dalla narrazione dominante.
Un abbonamento al buio speciale: 3 spettacoli a scelta a soli 33,50€ (d.p. inclusi). Compri ora, risparmi il 30% e sostieni un festival appena nato.
Come funziona: Acquista l’abbonamento su LiveTicket e inserisci i tuoi dati di accesso, anche se stai comprando per fare un regalo.
L’abbonamento sarà utilizzabile dopo la presentazione del festival (inizio marzo 2026). A quel punto ti invieremo via email tutte le istruzioni dettagliate su come utilizzare SECRET LIFE per te o per le persone a cui lo regali
FORTE – FORMAZIONE TEATRO EDUCAZIONE
Workshop per la didattica del teatro nelle scuole
Presentazione: mercoledì 28 gennaio 2026 ore 19.30 a ZONA K Prenotazione obbligatoria: didattica@zonak.it – +39 393 8767162 Non riesci a essere presente fisicamente? Richiedi il link Zoom per partecipare da remoto.
Il workshop FORTE è rivolto ad artisti e operatori teatrali che lavorano o desiderano lavorare alla progettazione e conduzione di laboratori per bambini e ragazzi.
L’obiettivo è fornire strumenti di riferimento per ripensare le proprie competenze teatrali esplorando in particolare la pratica del teatro partecipato, con attenzione quindi all’attivazione degli utenti nel processo creativo.
È strutturato in moduli interconnessi:
OBIETTIVI – Bisogni educativi, finalità e obiettivi didattici .
PROGRAMMAZIONE – Il laboratorio: setting, macro e microstruttura, articolazione delle lezioni .
STRUMENTI – Improvvisazioni, drammaturgia, performance, analisi dei casi, esercizi .
PROGETTAZIONE – Il progetto: tema, struttura, elaborazione, presentazione e messa in pratica .
ESPERIENZE – Incontri con esperti e formatori di teatro partecipato
Gli incontri saranno sia in presenza negli spazi di ZONA Ksia online seguendo questo calendario: 14 – 15 febbraio (13 ore) a ZONA K 7 – 8 marzo (13 ore) a ZONA K 14 – 15 marzo (12 ore) online 21 – 22 marzo (13 ore) a ZONA K 11 – 12 aprile (13 ore) a ZONA K 18 – 19 aprile (12 ore) online 9 – 10 maggio (14 ore) a ZONA K
90 ore totali: 66 ore di workshop in presenza + 24 ore di supervisione progetti e incontri online
Per partecipare è richiesto l’invio preventivo del proprio CV prima dell’ammissione al corso.
Costo: € 600,00 Termine iscrizione 2 febbraio 2026
Agevolazioni: – 10% per iscrizione pagamento unica rata oppure – possibilità di suddividere il pagamento in due rate
Il workshop si attiva al raggiungimento del numero minimo degli iscritti. A fine percorso verrà rilasciato un Attestato di Partecipazione.
Per informazioni e iscrizioni contattaci! didattica@zonak.it Whats App +39 393 8767162
FORTE è un workshop a cura di ZONA K che prevede la partecipazione di esperti di formazione con diversi ruoli e competenze.
Federica Di Rosa, drammaturga, responsabile della formazione per ZONA K. Diplomata in Drammaturgia presso la Scuola d’Arte Drammatica “Paolo Grassi” di Milano. Da anni ha uno stretto rapporto di collaborazione con la regista Andrée Ruth Shammah e il Teatro Franco Parenti, dove cura la drammaturgia di diversi spettacoli ed eventi. Ha collaborato con il Teatro della Tosse di Genova, il Teatro Coccia di Novara, Zona K, ForMattArt e con artisti come Ornella Vanoni, Adriana Asti, Milena Vukotic. Dal 2015 è responsabile della formazione per ZONA K e si occupa di progetti di teatro partecipato e site specific. Applica la sua esperienza di drammaturga all’ideazione e conduzione di laboratori di teatro e di scrittura per adulti, ragazzi e bambini e al coordinamento di progetti artistici nell’ambito educativo e sociale. Cura la regia di spettacoli teatrali e performance dal vivo sia in contesti istituzionali e con attori professionisti sia in progetti site e people specific. Oltre al linguaggio teatrale ha approfondito anche il linguaggio video e audio e la progettazione in ambito culturale e sociale.
Benedetta Frigerio, responsabile formazione Teatro Franco Parenti. Si diploma in regia teatrale all’Accademia d’Arte Drammatica “Paolo Grassi” di Milano e dopo la scuola internazionale di alta formazione “École des Maîtres”, si laurea in Scienze dei Processi Formativi con specializzazione in Educazione alla teatralità. Affianca i registi Cristina Pezzoli, Andrée Ruth Shammah, Leo De Berardinis, Marco Paolini, Mario Martone nella guida di attori come Anna Galiena, Ivana Monti, Giorgio Albertazzi, Michele Placido, Isa Danieli, Franco Branciaroli, Gioele Dix, Carlo Cecchi. Dal 1995 conduce laboratori teatrali e corsi di formazione per bambini, adolescenti, adulti e diversamente abili.
Andrea Ciommiento, autore e regista di teatro partecipativo e multimediale. Dopo gli studi in “Tecniche Artistiche e dello Spettacolo” all’Università Ca’ Foscari di Venezia perfeziona la sua ricerca alla Biennale Teatro College di Venezia. Oggi realizza progetti che includono laboratori di narrazione, spettacoli dal vivo e coinvolgimento delle comunità. Collabora con teatri, istituzioni culturali e scuole, sviluppando percorsi che uniscono performance, ricerca sociale e impegno civile. Il suo approccio alla creazione rompe la barriera tra Attori e Pubblico indagando nuove forme di partecipazione attiva. Ha tenuto docenze per il Master in Teatro Sociale dell’Università Sapienza di Roma.Ha fondato Invasioni Creative e creato Precise Storie. Ha collaborato con ZONA K di Milano, Teatro Stabile di Torino – Teatro Nazionale, Fondazione Circolo dei Lettori di Torino, Rete delle Case del Quartiere di Torino, Fondazione per la Cultura della Città di Torino, Community Opera di Matera, Maison du Geste et de l’Image di Parigi
Elisabetta Consonni, coreografa e direttrice artistica. Coreografa tutto, esseri umani e disumani, oggetti mobili e immobili, mappe, interstizi e gruppi vacanze spaziali. Tesse reti di relazioni, sottili e forti, come il vetro di zucchero. Una formazione ufficiale in Cultural Studies e tecniche di danza in Italia e a Londra (The Place) e una più ampia formazione non ufficiale e non lineare la portano a vivere a Rotterdam, poi in Polonia e poi a Milano incrociando le pratiche somatiche e l’uso della voce, soffermandosi, ad un certo punto, ad interrogarsi su come l’arte performativa possa fornire strumenti per le politiche urbane e sociali. La sua ricerca intende espandere la pratica coreografica fino a diventare strumento per far accadere spostamenti di attenzione, osservare dinamiche relazionali, ribaltare narrazioni e rileggere criticamente i contesti. Non si stanca, quindi, di continuare ad inventare formati sempre nuovi che siano partecipativi in modi differenti. Tutti gli esiti artistici sono frutto di un processo condiviso con persone che hanno contribuito con il loro lavoro, ma anche con cuore e intelligenza: Francesco Dalmasso, Masako Matsushita, Daniele Pennati, Sara Catellani, Cristina Pancini, Susanna Iheme, Marta Ciappina, Olimpia Fortuni Alessandro Tollari, Barbara Stimoli, Silvia Tagliazucchi, e tante altre persone in misure differenti. I suoi lavori sono stati presentati in Europa e Canada. La necessità di operare su un unico territorio, a lungo termine, combinando pratica relazionale, sensibilità artistica e desiderio di moltiplicare le voci e le azioni su un contesto, la porta a curare la direzione artistica di Festival ORLANDO a Bergamo dal 2024.
Tatiana Sicouri, psicologa psicoterapeuta, psicodrammatista, esperta MED Movimento Evolutivo Dinamico, conductor e performer di Playback Theatre. Da 25 anni lavora con i gruppi, come luogo di esperienza e consapevolezza di sé, in differenti contesti e con ogni tipologia di individui. Ogni persona attraverso le relazioni cresce e si trasforma; nel corpo e nei processi somatici può conoscere meglio le proprie emozioni e imparare a riconoscere i propri bisogni ed esprimere desideri. Noi siamo corpo e mente in relazione con le persone e con l’ambiente che ci circonda. Collabora con AMEDI APS – Associazione Movimento Evolutivo Dinamico Italia che ha l’obiettivo di diffondere la conoscenza e gli obiettivi del MED – Movimento Evolutivo Dinamico® – un metodo di ricerca azione che racchiude competenze pratiche e teoriche di ordine teatrale, fisico, psicologico e pedagogico, riconosciuto e certificato dall’associazione internazionale ISMETA – International Somatic Movement Education Therapy Association.
“NOT” A REAL JOB l’arte è un lavoro vero.
Un percorso di due anni di ricerca, mentoring e produzione per artist e collettivi under 30. Nato dall’alleanza tra BASE e ZONA K, due centri culturali che uniscono il proprio know-how multidisciplinare e la propria rete professionale, per offrirti un tempo, uno spazio e risorse per sperimentare e metterti in gioco. Perché riconoscere il lavoro artistico come occupazione reale è il primo passo per immaginare futuri migliori.
Not a real job è una piattaforma di professionalizzazione che ti offre la possibilità di approfondire la pratica artistica, fare ricerca ed emergere come professionista. L’obiettivo è rendere il lavoro artistico visibile, riconosciuto e generativo come motore per riappropriarsi della capacità di reimmaginare comunità, città e mondi.
Perché lo chiamiamo Not a Real Job? Sì, lo sappiamo: suona strano. Lo facciamo perché vogliamo ribaltare questa frase: il lavoro artistico è più reale che mai. È lavoro, è necessario e può essere una leva per immaginare futuri ancora desiderabili.
In sintesi, il percorso:
2026: Controtempo – anno dedicato alla Ricerca, Formazione e Mentoring
2027: Spaziotempo – anno focalizzato sulla Produzione artistica
A CHI CI RIVOLGIAMO
Cerchiamo fino a 6 artist e/o collettivi under 30, con particolare attenzione alla fascia 18-24 anni, che sono attivi nella città metropolitana di Milano (città, hinterland, provincia).
Ma andiamo oltre l’anagrafica. A BASE e ZONA K l’accessibilità non è una norma da rispettare, ma una postura politica, lavoriamo per un accesso radicale alla cultura e vogliamo abbattere le barriere visibili e invisibili che tengono lontane le persone dai luoghi di produzione.
Il percorso di Not a real job è per te se:
I tuoi linguaggi rimangono invisibili, se sei un* giovane artista attiv nell’area metropolitana di Milano e i tuoi linguaggi sfuggono ai tradizionali canali di visibilità riconosciuti;
Sei ibrid*, ti muovi tra danza, teatro, design, musica, architettura, media, videomaking, installazione e oltre;
Hai una visione pubblica, La tua ricerca vede la città e gli spazi urbani come un campo fertile. Vuoi confrontarti con lo spazio pubblico, ma ti mancano gli strumenti o il supporto per realizzare le tue idee;
Cerchi un ecosistema, senti il bisogno di un ambiente di fiducia e supporto per smettere di “chiedere permesso” e iniziare a “prenderti spazio”;
Pensi che “non sia roba per te”, Se hai una disabilità (fisica, sensoriale o cognitiva) o senti di non avere il background “giusto”, sappi che questo spazio è anche per te. Ci impegniamo ad abbattere le barriere d’accesso e a supportare ogni tipo di talento.
La call si è chiusa l’8 febbraio 2026
COSA FAREMO INSIEME
Fase 1 – CONTROTEMPO Ricerca e mentoringMarzo – dicembre 2026
CONTROTEMPO è il primo anno di Not a Real Job: un percorso condiviso da BASE Milano e ZONA K che intreccia pratiche artistiche, spazio pubblico e professionalizzazione. Un tempo intenzionalmente dilatato di ricerca, formazione e mentoring, in cui i due centri mettono in comune spazi, competenze e comunità, alternando immersioni, camp, laboratori e momenti di restituzione.
Per questa fase è previsto un rimborso spese di € 500,00 a supporto della ricerca e un pocket money fino a € 250,00 per spese di viaggio e vitto, per ciascun artist/collettivo.
Durante l’intero periodo marzo–dicembre, ogni artist/collettivo potrà inoltre usufruire per una settimana di uno spazio di lavoro protetto tra BASE e ZONA K, dedicato alla creazione autonoma e alla sperimentazione.
PROGRAMMA:
MARZO – CONTATTO ‣ Dove: BASE Ci conosciamo? La prima fase è dedicata all’incontro e alla costruzione del gruppo di lavoro. I partecipanti condividono pratiche, desideri e domande, avviando un primo orientamento delle rispettive ricerche e una riflessione comune sulle modalità di lavoro all’interno di Not a Real Job.
APRILE – INGRESSO ‣ Dove: BASE Il percorso prosegue con una settimana di immersione all’interno di We Will Design, il programma di BASE dedicato alle intersezioni tra design, architettura e pratiche performative. Un contesto di osservazione e attraversamento, utile a mettere in relazione la propria pratica con altri processi di ricerca e produzione. Una settimana di full immersion per scaldarci!
MAGGIO – APERTURE ‣ Dove: BASE Tre giorni intensivi di confronto con un gruppo di giovani artisti internazionali, studiosi e operatori culturali nazionali e internazionali con un focus sulla creazione nello spazio pubblico. Le ricerche dei partecipanti vengono condivise e discusse attraverso sessioni di feedback e scambio, favorendo l’emersione di nuove domande e possibili direzioni di sviluppo.
MAGGIO/GIUGNO – IMPATTO ‣ Dove: ZONA K Tre giorni di formazione e laboratorio dedicati ai temi della partecipazione, dell’azione e dell’impatto nell’ambito delle arti. Le giornate prevedono un approfondito percorso di formazione con esperti e interventi puntuali di professionisti che collaborano con ZONA K.
LUGLIO – STRUMENTI ‣ Dove: BASE Una fase orientata alla dimensione professionale del lavoro artistico. I contenuti affrontano la costruzione del portfolio, la presentazione dei progetti, l’accesso alle risorse e lo sviluppo di reti, con l’obiettivo di rendere la ricerca più solida e sostenibile.
AGOSTO/SETTEMBRE – IMMERSIONE ‣ Dove: BASE Un periodo di lavoro intensivo dedicato alla creazione artistica. Il camp alterna momenti di confronto collettivo e lavoro autonomo, con il tutoraggio di una comunità multidisciplinare di artisti e creativi, e si conclude con una prima restituzione dei processi avviati.
OTTOBRE/NOVEMBRE – INCROCI ‣ Dove: ZONA K Una fase costruita a partire dai bisogni specifici dei partecipanti. Ogni artista o collettivo individua un’esperta o un esperto di riferimento e cura un incontro di approfondimento condiviso con il gruppo, favorendo la circolazione di saperi e pratiche.
DICEMBRE – RESTITUZIONI La prima fase si conclude con open studio e momenti di restituzione pubblica. Le ricerche sviluppate vengono presentate e discusse in un contesto di confronto critico che porterà alla selezione fino a 3 artisti o collettivi per l’accesso alla Fase 2 – Spaziotempo.
Fase 2: SPAZIOTEMPO – Produzione e accopagnamentoGennaio – dicembre 2027
SPAZIOTEMPO è il secondo anno di Not a Real Job ed è interamente dedicato alla produzione artistica. Al termine di CONTROTEMPO, verranno selezionati fino a 3 artisti o collettivi che accederanno a questa fase, pensata per consolidare la pratica, sviluppare un progetto e accompagnarlo verso una prima messa in relazione con il pubblico.
SPAZIOTEMPO è un tempo di messa a terra: le ricerche avviate nel primo anno trovano qui spazio, risorse e accompagnamento per trasformarsi in progetti strutturati, sostenuti da un dialogo costante con BASE e ZONA K.
PRODUZIONE Il cuore della fase è lo sviluppo di un progetto artistico attraverso un accompagnamento curatoriale e tecnico su misura. Ogni artist o collettivo selezionato riceve un contributo economico di produzione di 1.500 € e può usufruire di 2–3 settimane di lavoro negli spazi di BASE e ZONA K, che diventano piattaforme di sviluppo, sperimentazione e produzione. Il lavoro procede in modo flessibile, adattandosi alle esigenze specifiche di ciascun progetto e mantenendo un dialogo continuo con i team dei due centri.
VISIBILITÀ I progetti sviluppati durante SPAZIOTEMPO non restano confinati allo studio. I/le partecipanti avranno l’opportunità di presentare il proprio lavoro all’interno dei contesti pubblici e delle programmazioni di BASE e ZONA K, entrando in relazione con pubblici, curatori e operatori culturali. La visibilità è intesa come momento di confronto e verifica, non come semplice esposizione finale.
RETE SPAZIOTEMPO lavora anche sulla dimensione relazionale del lavoro artistico. Gli artisti e i collettivi vengono messi in contatto con una rete di curatori, istituzioni e operatori culturali, a livello nazionale e internazionale. L’obiettivo non è promettere percorsi prestabiliti, ma favorire connessioni reali e durature, utili allo sviluppo futuro della pratica.
IL NOSTRO IMPEGNO
Equità, non solo uguaglianza: sappiamo che non tutte le persone partono dallo stesso blocco di partenza. Ci impegniamo a fornire il supporto necessario per garantire a tutt la stessa possibilità di arrivare al traguardo.
Accessibilità a 360°: che la barriera sia architettonica, economica, linguistica o psicologica, il nostro lavoro è smantellarla insieme a te.
Safe space: ci impegniamo a garantire un ambiente libero da discriminazioni, razzismo, abilismo e sessismo dove il confronto è sicuro e la sperimentazione è libera.
VUOI SAPERNE DI PIÙ? Hai dubbi o vuoi solo vedere le nostre facce prima di candidarti? Facciamo due chiacchiere live per spiegarti tutto quello che c’è da sapere (e anche qualcosa in più). Ci vediamo online TBD.
Dopo l’acquisto del biglietto – in prossimità dell’inizio della settimana di Residenze Digitali – gli spettatori riceveranno via email tutte le informazioni e le istruzioni utili per accedere allo spettacolo.
Martedì 9 dicembre
Dalle 18:30 alle 19:00 SPOOKY INTERNET STORIE per non dormire Buonanotte di MARA OSCAR CASSIANI durata: 20′
Nell’ambito del festival Teatri di Vetro, presso lo Spazio Rossellini di Roma, verranno presentati i risultati del progetto.
Benedetta Pigoni, Giammarco Pignatiello
Molka è una performance interattiva (su Discord) progettata per svolgersi all’interno di una piattaforma di live streaming pornografico che mette in discussione il confine tra osservazione e violazione. Ispirato alle spy cams pornografiche coreane da cui prende il nome, il progetto immerge lo spettatore in un bagno pubblico dove quattro donne, lentamente, scoprono di essere osservate. Con un’estetica che richiama i siti di voyeur cam, il pubblico può scegliere tra diverse inquadrature, interagire in chat e influenzare la narrazione in tempo reale. Commenti reali e messaggi automatizzati si mescolano, simulando un ambiente ambiguo e disturbante, dove il confine tra spettatore e complice si fa labile. Scritto da Benedetta Pigoni durante una residenza in Corea del Sud, Molka si ispira al movimento femminista delle 4B e si interroga su come il desiderio possa trasformarsi in strumento di controllo. È un’indagine cruda e potente sulla pornografia dello sguardo, in cui il pubblico è chiamato a confrontarsi con la propria responsabilità: non solo testimone, ma parte attiva del sistema che osserva.
La performance si svolgerà su piattaforma Discord (non è necessario avere un account per partecipare).Le istruzioni pratiche verranno inviate via e-mail nei giorni precedenti la performance. Durata: 40 minuti | Età consigliata: dai 14 anni in su
di Benedetta Pigoni regia Giammarco Pignatiello con Alessandra Curia, Cinzia Lorelli, Caterina Pagliuzzi, Maria Teresa Vannini
progetto vincitore del bando RESIDENZE DIGITALI 2025 presentato all’interno de LA SETTIMANA DELLE RESIDENZE DIGITALI.
Giammarco Pignatiello (Foggia, 1997), regista diplomato in Paolo Grassi. Con il collettivo Divano Project è vincitore del bando testinscena2024 promosso da Fondazione Claudia Lombardi per il Teatro, in collaborazione con Campo Teatrale. Inizia il suo percorso nel 2015 con la Piccola Compagnia Impertinente, dirigendo e scrivendo spettacoli per l’infanzia patrocinati dal Teatro Pubblico Pugliese.
Benedetta Pigoni (Reggio Emilia, 2000), drammaturga. Vince il Premio Tondelli 2023 e il ConTest Amleta con 30 milligrammi di Ulipristal, messo in scena nel 2024 in una produzione del Seoul Institute of the Arts. Studia teatro di figura con Animateria e collabora come marionettista con la compagnia Carlo Colla e Figli. Attualmente diplomanda al corso di Scrittura per lo Spettacolo alla Paolo Grassi.
Giacomo Lilliù / Pier Lorenzo Pisano IL TEATROPOSTAGGIO DA UN MILIONE DI DOLLARI
performance | durata 45 min
PER PARTECIPARE È NECESSARIO ► fare la tessera 2025 di ZONA K, ma per te che la fai ora è gratis! ► essere in possesso di uno smartphone con installata l’app Telegram
Le informazioni complete verranno inviate tramite e-mail nelle giornate precedenti la data dell’evento.
Una performance su Telegram, la prima della storia, forse […] fanno morire dal ridere ma ci portano anche a profonde riflessioni sul ruolo del teatro nella contemporaneità. (Simone Pacini, “Krapp’s Last Post”)
Lo shitposting è la condivisione sui social di contenuti volutamente scadenti o fuori contesto, con l’obiettivo di far esplodere ogni comunicazione univoca. Strumento principale sono i meme: assemblaggi di immagini, video e testi in una dialettica tra scritto e icona assimilabile a quella tra parola e palco. Ma cosa succede se si usa lo shitposting per schiantare i paradigmi teatrali? Dal 2023 il gruppo di ricerca Teatropostaggio cerca di rispondere a questa domanda.
Il Teatropostaggio da un milione di dollari è il primo esperimento della formazione. La performance si svolge su Telegram, in una chat dove il pubblico può solo leggere. Qui va in scena un’improbabile riscrittura digitale di Goldoni via selfie, gif ed emoji. Ma l’operazione si smonta quando un gruppo di disturbatori irrompe e bombarda la chat di meme creati dalle stesse immagini degli attori.
Prende il via un’esilarante degenerazione dei linguaggi. La drammaturgia segue un canovaccio agile: ad ogni replica meme e messaggi sono improvvisati, rendendo ogni appuntamento irripetibile.
In contemporanea all’habitat digitale, il lavoro vive anche nello spazio fisico: gli spettatori in sala si trovano di fronte ad uno spazio vuoto, illuminato solo dagli smartphone e riempito dal suono fuori sincrono delle notifiche. Il teatro che non teme l’online, ma lo sfrutta per riconfermarsi come luogo dove condividere spazio, tempo, impalpabile.
ideazione, curatela performativa Giacomo Lilliù curatela drammaturgica Pier Lorenzo Pisano cast attoriale (in rotazione) Federica Dordei, Lorenzo Guerrieri, Giacomo Lilliù, Arianna Primavera, Daniele Turconi cast memetico (in rotazione) Giulio Armeni, Davide Palandri, Piastrelle sexy, Daniele Zinni, Loren Zonardo, Federico Cicinelli produzione Pallaksch progetto realizzato con il sostegno di Inteatro Residenze, Gruppo della Creta & TeatroBasilica con il contributo di MiC con il patrocinio del CIRCe (Università di Torino) sostenuto con la fellowship FONDO Network per la creatività emergente 2022 sviluppato da Santarcangelo Festival con AMAT, Centrale Fies, ERT – Emilia Romagna Teatro Fondazione, Fabbrica Europa, I Teatri di Reggio Emilia, L’arboreto-Teatro Dimora | Centro di Residenza Emilia-Romagna, Operaestate Festival Veneto / CSC Centro per la Scena Contemporanea, Ravenna Teatro, Teatro Pubblico Campano, Teatro Pubblico Pugliese, TSU Teatro Stabile dell’Umbria, Triennale Milano Teatro vincitore RESIDENZE DIGITALI 2023 a cura di Centro di Residenza della Toscana (Armunia–CapoTrave/Kilowatt), in collaborazione con AMAT, Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto-Teatro Dimora / La Corte Ospitale), C.U.R.A.–Centro Umbro Residenze Artistiche (La Mama Umbria Umbria International–Gestioni Cinematografiche e Teatrali/ZUT–Centro Teatrale Umbro–Micro Teatro Terra Marique–Indisciplinarte), Fondazione Piemonte dal Vivo–Lavanderia a Vapore, Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza, ZONA K ringraziamento speciale MALTE
foto Cosimo Trimboli per Romaeuropa
ONLINE SUPPORT & IMMERSIVE LAB
IN SITU PLATFORM è un programma quadriennale che sostiene a livello europeo artiste/i emergenti nello sviluppo di progetti artistici nello spazio pubblico e in luoghi non convenzionali.
Attraverso questa nuova call, selezioneremo circa 60 artiste/i a cui offrire:
contenuti online esclusivi per apprendere sulla produzione artistica legata all’arte nello spazio pubblico
un laboratorio immersivo in presenza con opportunità di apprendimento e networking da svolgersi in una località europea
Questa open call fa per te se:
sei un artista o un collettivo che lavora nello e con lo spazio pubblico
hai una proposta artistica in fase di sviluppo che non ha ancora debuttato o è stata in tournée
vuoi arricchire la tua pratica unendoti a una rete di artisti e programmatori
vuoi dare slancio al tuo progetto a livello europeo
Il team di coordinamento di IN SITU organizza sessioni informative online per aiutarvi a comprendere meglio lo spirito di IN SITU, il funzionamento della PLATFORM e gli obiettivi della open call:
Giovedì 13 novembre 2025, ore 11:30 CET. Se intendi partecipare, registrati a questo link.
Martedì 25 novembre 2025, ore 14:30 CET. Se intendi partecipare, registrati a questo link.
IN SITU si impegna per la diversità e l’inclusione come indicato nella nostra dichiarazione su diversità, equità e inclusione, e pertanto accogliamo candidature da ogni provenienza e siamo disponibili a discutere le vostre eventuali esigenze di accessibilità.
Led by Lieux publics, European and national centre for artistic creation in public space
60+ Corso di teatro, scrittura e movimento dedicato agli Over60
► ogni lunedì ore 15:30 – 17:00
Portraits – Ritratti d’autore è l’edizione 2026/27 di un laboratorio artistico per cittadini Over 60 che mette al centro il gioco teatrale e l’improvvisazione come motori primari dell’espressione, della narrazione e della relazione. La dimensione ludica della scena viene utilizzata come uno spazio protetto e privo di giudizio, capace di attivare canali comunicativi ed emotivi spesso assopiti. Giocare a teatro per riscoprire la propria spontaneità, stimolando la memoria biografica attraverso l’azione e l’ironia.
Il percorso si allontana dalla cronaca didascalica o dalla biografia lineare: i vissuti, i ricordi e i desideri dei partecipanti vengono rielaborati attraverso metafore sceniche e improvvisazioni guidate, per poi intrecciarsi con il movimento corporeo dolce e il linguaggio fotografico. Questo approccio trasforma l’esperienza individuale in una ricerca collettiva dinamica, capace di generare “ritratti” artistici stratificati, in cui la profondità del vissuto incontra la leggerezza del gioco, traducendosi in materiale poetico, visivo e performativo accessibile a tutti.
Il nucleo metodologico: Il Gioco Teatrale La dimensione del gioco: Utilizzo di esercizi teatrali ludici, di gruppo e relazionali per sciogliere le timidezze, stimolare la spontaneità e riscoprire il piacere della finzione e dell’ironia.
Il Movimento Espressivo: Un lavoro corporeo dolce, focalizzato sulla presenza scenica, sulla postura e sul gesto minimale, valorizzando l’autenticità e la poesia del corpo.
Il Linguaggio Fotografico: Scatti fotografici mirati che intervengono a “fissare” le espressioni, gli sguardi e i dettagli (le mani, i volti) emersi spontaneamente durante le sessioni teatrali.
▶︎ Il progetto non si conclude con un classico spettacolo frontale, ma con un’installazionevivente aperta al pubblico. Obiettivo finale: Restituire alla cittadinanza un mosaico di storie e visioni umane profonde, ironiche ed emozionanti.
Entro il mese di ottobre è possibile prenotare una lezione di prova gratuita. Contatti: didattica@zonak.it – 02.97378443
Per partecipare è richiesto il tesseramento 2026 (costo simbolico € 2,00)
Il percorso è strutturato in 18 lezioni a partire da fine settembre 2026. Le lezioni di 90 minuti si svolgono il lunedì dalle ore 15.30 alle ore 17.00. Costo € 500,00
Agevolazioni: – Sconto del 5% per iscrizione unica soluzione e per iscritti anni precedenti. – Possibilità di suddividere la quota in due rate durante l’anno. Gli sconti non sono cumulabili. Il corso si attiverà al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti.
Il corso sarà condotto da Davide Stecconi: diplomato alla Civica Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi 1999 (corso Drammaturgia). Dal 2000, alternandosi come sceneggiatore e regista, ha scritto e diretto cortometraggi e lungometraggi e alcune fiction per la TV fra cui la serie Piloti – Rai2 -. Più recentemente collabora alla realizzazione di spot per il web e documentari come filmmaker.
Ti porto al Parri – Festival di storia
A 80 anni dalla Liberazione, l’Istituto nazionale Ferruccio Parri propone un programma di spettacoli e incontri per riflettere sulla pace, in un presente segnato da guerre e massacri.
Quest’anno ZONA K diventa tappa del festival Ti porto al Parri, nell’edizione Stanche di guerra, che mette al centro le donne costruttrici di pace, ospitando una giornata dedicata al documentario storico.
Ecco il programma aperto alla cittadinanza.
► NB: La partecipazione alle proiezioni in ZONA K è riservata a socie e soci e richiede la prenotazione: se non sei ancora iscritto/a, potrai attivare la tessera da 2€ contestualmente alla prenotazione, valida fino alla fine del 2025.
ore 17:00 La donna nella Resistenza (1965) di Liliana Cavani – 60’ Distribuzione RAI CINEMA Documentario realizzato dalla RAI nel ventesimo anniversario della Liberazione. Ripercorre la storia della Resistenza tramite testimonianze dirette delle sue protagoniste.
dalle 19:00 La Liberazione – un film di famiglia (2024) di Michele Manzolini e Paolo Simoni – 40’ Un progetto di Fondazione Home Movies e Istituto storico Parri Bologna metropolitana Attraverso il montaggio di filmati amatoriali del 1943-45, gli spettatori rivivono la Liberazione di Bologna con lo sguardo di chi l’ha vissuta in prima persona. Intervengono prima della proiezione: Agnese Portincasa (Direttrice dell’Istituto Parri di Bologna) ed Elena Pirazzoli (ricercatrice).
Flora (2024) di Martina De Polo – 71’ Produzione Combo Distribuzione Lo Scrittoio La straordinaria storia di Flora Monti, la più giovane staffetta partigiana (12 anni), tra testimonianze ed emozioni.
Write My Name (2024) di Deya Ar e Begüm Aksoy – 15’ Produzione Archivio nazionale cinematografico della Resistenza (ANCR) Un racconto attraverso immagini, reportage e animazioni delle esperienze di donne e bambini sopravvissuti al genocidio e alla guerra a Gaza. Interviene prima della proiezione: Micaela Veronesi (ANCR – Archivio Nazionale Cinematografico della Resistenza ETS).
presenta: La storia dal basso: origini, metodi e sviluppi di un originale sguardo sulla ricerca storica con Marcus Rediker, Carlo Greppi e Laboratorio Lapsus
Evento gratuito con prenotazione obbligatoria: SOLD OUT Per info dettagliate clicca → QUI
L’approccio noto come storia dal basso, fra le più originali e rilevanti innovazioni nel panorama della ricerca storica internazionale degli ultimi decenni, concentra la propria attenzione sui rapporti di potere, oppressione e resistenza per dare voce alle persone che con le loro lotte e il sudore del proprio lavoro hanno contribuito alla costruzione del mondo in cui viviamo, quelle stesse persone che per secoli sono state escluse dalla storia ufficiale e dalle narrazioni dall’alto verso il basso fatte dalle élite. Nella storia dal basso, al contrario, tutti vengono inclusi e ognuno è artefice della storia. Una tradizione di scrittura storica che, mantenendo viva la memoria delle lotte passate, può essere utilizzata da giovani attivisti/e e studiosi/e per generare nuove visioni di possibilità politica, ricordando a coloro che lottano per un futuro diverso: «Non siete soli. Le vostre lotte hanno una lunga storia, a cui potete ispirarvi per trarne conoscenze pratiche».
Marcus Rediker, Distinguished Professor of Atlantic History presso la University of Pittsburgh. Carlo Greppi, storico e autore di numerosi saggi sulla storia del Novecento tra cui “Storie che non fanno la storia”. Laboratorio Lapsus, associazione di ricercatrici e ricercatori che da oltre 15 anni opera nel campo della ricerca, della didattica e della divulgazione della storia contemporanea con un approccio sperimentale, multidisciplinare e collaborativo.
Edoardo Mozzanega (IT) HIDE
“Il mondo di superficie, il nostro mondo, è una fantasmagorica inesauribile riserva di colori, suoni, incontri, emozioni… eppure nel “tutto” manca qualcosa; l’assenza dell’alba, il sempre notte, il mai una stella, il concerto di gocce d’acqua, sempre uguale, ma che mai annoia, che è sempre nuovo, quasi si adeguasse ai pensieri, ai sentimenti, ai sogni.” (M. Montalbini)
Dopo il suo intervento per Laterale nel 2022 torna a Danae con HIDE, il suo ultimo lavoro, una performance di danza e voce, dedicata a chi affronta la “notte buia dell’anima”, come la chiama il mistico San Giovanni della Croce. HIDE è un luogo performativo dedicato all’esplorazione delle profondità geologiche, corporee e sensoriali: una passione per l’interiore e il nascosto, che accomuna lo yogui, l’asceta e lo speleonauta. Ci troviamo in una grotta pervasa da una vibrazione inumana, che assomiglia a un ruggito-fusa: una materia sonora avvolgente e magmatica, prodotta in tempo reale dal corpo del performer, in bilico tra animale e umano, animato e inanimato, nascondimento e apparizione. Corpo e grotta si riversano l’uno nell’altra, si mischiano in un unico cripto-paesaggio umido e allucinatorio, dove affiora la possibilità di una metamorfosi e di una rinascita.
▼ Per info dettagliate e biglietti visita il sito di DANAE FESTIVAL ▼
di e con Edoardo Mozzanega sound-design e musiche Nicola Ratti accompagnamento alla creazione e alla drammaturgia Chiara Prodi sound dramaturg Diana Lola Posani training e consulenza vocale Francesco Venturi giochi coreografici Michele Ifigenia Colturi scene e costumi Chiara Prodi disegno luci Elena Vastano assistente al sound-design e tecnico del suono Emil Cottino mentoring Salvo Lombardo foto e video Giulio Favotto amministrazione Cesare Benedetti un ringraziamento al Gruppo Grotte “E. Roner” CAI SAT Rovereto e Marco Bani
produzione Chiasma con il sostegno di MiC e SIAE, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”, Centro di Residenza della Toscana (Armunia-CapoTrave/Kilowatt), BASE, Oriente Occidente, residenze NAOcrea 2024 – Ariella Vidach Aiep, Lavanderia a Vapore con il supporto di Teatro delle Moire/Danae Festival
Edoardo Mozzanega è un performer, regista e dance-maker dalla formazione multidisciplinare. La sua ricerca nasce dal corpo, fulcro sensibile dell’indagine, e si apre a molteplici linguaggi—teatro, danza, storytelling, video-making e pratiche somatiche—per svelare il potere trasformativo che hanno sulla realtà, sul modo in cui la sentiamo e la narriamo. Questo percorso lo ha portato a creare diversi formati performativi come videoinstallazioni, pubblicazioni, performance in teatro e site specific. Dal 2019 cura Neutopica, un progetto nomade, che riflette sui modi di fare mondo e fare casa, attraverso la creazione di comunità temporanee e di opere relazionali collettive. Dal 2023 è coreografo e formatore per la compagnia Rumore d’ali Teatro, formata da attori detenuti all’interno della Casa di Reclusione di Vigevano. Come performer ha collaborato, tra gli altri, con Compagnia NUT, Public Movement, AriBenjamin Meyers, Antonio Marras, Alessandro Sciarroni.
Pkustango
Il corso prevede oltre allo studio tecnico del ballo, anche l’approfondimento teorico della sua storia cultura e musica ormai più che centenaria.
Sarà strutturato in lezioni mono settimanali di 1 h. ciascuna, suddiviso nei seguenti livelli:
– Intermedi/Avanzati: musicalità e varianti delle dinamiche tipiche per la pista
– Avanzati: pulizia, stile, adornos uomo e donna, per impreziosire il ballo e renderlo personale
Nel corso dell’anno sarà insegnato accanto al Tango anche la Milonga e il Vals.
Particolare attenzione sarà data all’aspetto tecnico, musicale, e all’approfondimento della relazione di coppia nell’ascolto delle potenzialità del proprio corpo e di quello del partner.
Per l’ottimale svolgimento è consigliata l’iscrizione a coppie o comunque un numero pressoché pari uomini/donne.
I corsi si svolgono tutti i lunedì.
h. 21.00 – 22.00 corso Intermedi/Avanzati
h. 22.00 – 23.00 corso Avanzati
Per iscrizioni e maggiori informazioni contattare:
Paolo Vitalucci tel. 3284814234 paolo@pkustango.com
Paolo Vitalucci: Il mio approccio col tango risale ormai a oltre vent’anni fa, inseguendo gli allora rarissimi stages tenuti dai maestri argentini in “trasferta” in Italia. Quasi da subito iniziai ad approfondire i miei studi direttamente a Buenos Aires alla ricerca dello stile e del maestro più vicino al mio ideale di tango.
L’amore, lo studio e la passione furono così forti da portarmi nel ’99 a fare del tango la mia professione a tempo pieno.
Da allora, senza sosta, ho insegnato e mi sono esibito in numerosissime città italiane ed europee, e regolarmente negli USA.
Dal 2000, fino alla sua scomparsa, avvenuta nel 2010, ho studiato, collaborato ed affiancato nell’insegnamento a Buenos Aires il maestro di fama mondiale “El Turco” Josè Brahemcha (*), venendo poi dallo stesso riconosciuto come suo fedele erede e profondo conoscitore del pregiatissimo stile di Villa Urquiza. L’incontro con Josè e la fortuna di lavorare sempre al fianco di Karola Redaelli, mi hanno permesso da subito di guardare con occhio critico ed attento tutto quello che il panorama tango può offrire anche in altre forme e stili.
Il mio passato da musicista, antecedente al tango, ha contribuito fortemente ad approfondire la ricerca della musicalità, ritmo e spontaneità dei movimenti nella danza, curando l’eleganza, la fluidità e la dinamicità.
Nella mia didattica è determinante la tecnica, che, attraverso la profonda conoscenza del corpo, permette lo sviluppo dell’improvvisazione, essenziale e basilare nel tango.
Urquiza Stile Tango
Villa Urquiza è lo stile che meglio mi identifica: autentico, elegante, fluido e naturale, le cui difficoltà appaiono semplici e ballate senza fatica. Una cura approfondita di ogni minimo dettaglio è l’altra carratteristica di Urquiza, e nella magia dell’abbraccio s’instaura il vero dialogo. Questa eredità di stile ricevuta direttamente da “El Turco Josè”, mi pregia di essere uno degli unici due esponenti europei di Urquiza, uno stile completo ed elegante che dagli anni ’40 ad oggi continua a rivoluzionare ed influenzare il panorama tango.
Lo stile di Villa Urquiza oggi viene identificato come Tango Salon, mantenendo comunque la sua identità unica, originale e ben distinta.
Alessandra Rizzotti: dal ‘97 è ballerina e insegnante professionista di Tango. Ha sviluppato una didattica personale ed è’ attenta agli elementi più tradizionali del ballo così come alla sua evoluzione, coniugandoli in una ricerca costante sia nell’insegnamento che sul versante artistico. Rappresenta in Italia un riferimento per allievi e nuove generazioni di insegnanti, tiene lezioni a Milano, e workshop in Italia, Svizzera, Francia. Ha collaborato con diversi artisti italiani ed argentini e in particolare con un grande nome del Tango internazionale, Esteban Moreno, che dal 2006 affianca periodicamente.
A vocazione interdisciplinare e internazionale, ha come missione la promozione della ricerca, della formazione e della produzione artistica; lo sviluppo di una dimensione personale e corale del lavoro; la produzione di progetti culturali rivolti ad un pubblico il più ampio possibile.
1250 mq su tre piani, 11 atelier destinati al lavoro degli artisti, uno spazio espositivo al pianterreno aperto al pubblico, un bistrot, uno spazio esterno affacciato sul verde, Casa degli Artisti lavora come luogo di connessioni per favorire lo scambio tra i diversi attori dell’arte, della società e dell’impresa e per stimolare un dialogo sulla sfera pubblica e sullo spazio urbano.
Il gruppo di lavoro è composto da artisti, organizzatori culturali, formatori, architetti, galleristi, cittadini, con conoscenze puntuali del panorama culturale cittadino, italiano e internazionale. Undici professionisti, appartenenti a cinque associazioni, che si sono incontrati sulla base di una visione comune e con la volontà di intrecciare risorse, competenze e connessioni.
In seguito all’aggiudicazione del bando di gestione dell’immobile, indetto dal Municipio 1 del Comune di Milano, è stata costituita un’Associazione Temporanea di Scopo (ATS) – comprendente le cinque realtà no profit che hanno partecipato al bando: ZONA K, capofila, That’s Contemporary, Atelier Spazio XPO’, NIC Nuove Imprese Culturali e Centro Itard Lombardia, con Future Fond, come partner esterno.
Valentina Picariello / Valentina Kastlunger / Giulia Restifo / Christian Gancitano / Matteo Bianchi / Mattia Bosco / Mariavera Chiari / Francesco Piccolomini / Lorenzo Vatalaro / Susanna Ravelli / Lorenzo Castellini
STORIA Casa degli Artisti nasce nel 1909 su iniziativa dei Fratelli Bogani, due mecenati innamorati dell’arte, per ospitare laboratori e atelier. Fin dai primi anni vede un’intensa frequentazione di artisti di varie discipline. Alla fine degli anni ’30 la Casa viene espropriata dal Comune di Milano con l’intento di demolirla, nell’ambito di un ampio progetto di rinnovamento urbanistico della zona, poi abbandonato con lo scoppio della guerra.
Nel dopoguerra l’attività riprende e vive un nuovo slancio soprattutto alla fine degli anni Settanta, quando la Casa viene gestita da artisti di fama internazionale come Luciano Fabro, Hidetoshi Nagasawa e la critica e storica dell’arte Jole De Sanna.Tra le azioni di quel periodo si annoverano mostre collettive dedicate a giovani artisti emergenti, relazioni con altri spazi no profit della città e il restauro de “I bagni misteriosi” di Giorgio De Chirico del 1994.
Nel 1988 una parte del piano terra viene occupata da Csoa Garibaldi, mentre negli altri spazi della Casa continuano ad operare gruppi di artisti, artigiani e liutai. Nel 2007 la casa viene sgomberata e quindi messa in sicurezza a causa delle condizioni di precarietà strutturale in cui versava.
Nel 2015 inizia il percorso di riqualificazione dell’edificio grazie al Municipio 1. La ristrutturazione è effettuata da La Ducale SpA del Gruppo Tecnocasa, a scomputo degli oneri di urbanizzazione relativi alla costruzione del condominio privato di Corso Garibaldi 95. Su indicazioni della Soprintendenza, il recupero della Casa ha visto un intervento più consistente sulle facciate esterne e un approccio più filologico negli interni, dove sono stati mantenuti i mattoni a vista e le originali strutture in cemento armato.
Partenza: Bar Post Office, via Cassinis 76 (MM3 Rogoredo) Ingresso: 10,00 € Prenotazione obbligatoria: compila QUESTO form
Il laboratorio di teatro “BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini” nei mesi scorsi è approdato a Rogoredo e ora siamo felici di invitarti alla performance itinerante che si svolgerà tra le vie del quartiere.
La città cambia, noi cambiamo con la città. I quartieri si trasformano e le strade, gli edifici, le piazze, le panchine diventano un archivio di ricordi, emozioni, desideri, propositi. I quartieri Rogoredo-Santa Giulia sono nel pieno di questa trasformazione: da un passato industriale, a un presente di rinnovamento, verso un futuro che si intravede in mezzo alle costruzioni per le vicine Olimpiadi invernali. E poi?
Ideato e promosso da Hubita APS in collaborazione con Zona K Milano ( www.zonakmilano.it) all’interno del più ampio “BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini”.
Sostenuto e finanziato da La Scuola dei Quartieri, progetto del Comune di Milano cofinanziato dall’Unione Europea-Fondo Sociale Europeo Plus (FSE+) del Programma Nazionale Metro Plus e Città Medie Sud 2021-2027.
Diana Anselmo (IT) PAS MOI
Pas Moi è la nuova lecture-performance dialogata di Diana Anselmo, capitolo conclusivo di un percorso di ricerca documentaria e affettiva che esplora la rete di potere e dominio intessuta nella storiografia tradizionale. Se la precedente performance Je Vous Aime – poi divenuta una mostra personale alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino – metteva in luce la storia di oppressione della Comunità Sorda e le implicazioni rieducative delle prime proiezioni di immagini in movimento che hanno poi portato al cinema, Pas Moi segue un percorso parallelo e, da una prospettiva Sorda e segnante, esplora la genesi dei primi strumenti di registrazione, trasmissione e riproduzione del suono.
Attraverso archivi minori, antistorie e saperi situate trasmessi corpo-a-corpo, i celebrati apparecchi all’origine della futura industria cinematografica e musicale si rivelano concepiti con un intento audista e fonocentrico: “guarire” la sordità. Malattia da eradicare o far sparire nelle maglie del mondo udente, più che un’identità, una cultura con una propria lingua e comunità. Pas Moi prova a immaginare dove si può arrivare se un altro è il punto di partenza. Al di là della “mancanza di udito”, più in là, più lontano ancora.
L’opera assume la forma di una lecture-performance a più voci ma senza suono, che si dipana verbalmente ma non vocalmente.
È un dialogo performativo tra due persone Sorde condotto in lingua dei segni, la madre lingua (anche se non risiede nella bocca) di due dei tre artisti sordi in scena. La conversazione si svolge su due livelli, passando da una lecture a una chiacchierata informale, ed è resa accessibile al pubblico non segnante attraverso proiezioni di testo che ribaltano l’usitata gerarchia fonocentrica di dominio linguistico.
Attraverso dialoghi, videoperformance, musica, canzoni segnate e cantate ed embodiement musicale, lo spettacolo esplora la storia minore di dispositivi come il microfono, il telefono, il grammofono, giungendo infine a interrogarsi su cosa potrebbe accadere nello spazio interstellare, lì dove non conta se si può sentire o meno.
▼ Per info dettagliate e biglietti visita il sito di DANAE FESTIVAL ▼
ideazione, performance, visual Diana Anselmo performer Diana Anselmo, Daniel Bongioanni, Antonio Dominelli suono, composizione Antonio Dominelli testo della Singsong Paddy Ladd dramaturg Piersandra di Matteo coaching nella ricerca e nel materiale performativo Saša Asentić realizzato con Santarcangelo Festival produttore esecutivo Chiasma coprodotto da Scuola Piccola Zattere, TheaterFormen Festival, Gessnerallee Zürich, Fuorimargine Centro di Produzione di Danza e Arti Performative della Sardegna sostenuto dalla rete R.O.M, dal partner Reykjavik Dance Festival su invito di Santarcangelo Festival. R.O.M è sostenuta dall’Unione Europea nell’ambito del programma Europa Creativa, dal Conseil des arts de Montréal e dal Conseil des arts et des lettres du Québec col sostegno di Teatro delle Moire/Danae Festival con il supporto di Istituto Italiano di Cultura di Oslo, Istituto Italiano di Cultura di Berlino, MIC – Ministero della Cultura all’interno di LANDING, progetto sostenuto dal Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale realizzato da Santarcangelo Festival
Diana Anselmo è performer e artista visivo Sordo nativo segnante. Bilingue LIS/Italiano, debutta nel 2021 con Autoritratto in 3 atti e all’estero con Le Sacre du Printemps (2022) di Xavier Le Roy. Nel 2024 espone Je Vous Aime alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e deafnotdead alla Galleria Eugenia Delfini. Dal 2023 collabora con Cristina Kristal Rizzo, con cui firma la co-autorialità di Monumentum DA. Nel 2025 debutta con “Pas Moi”, il secondo capitolo della sua ricerca sulla Deaf History. Diana è tra i fondatori di Al.Di.Qua. Artists, prima associazione europea di categoria di/per artist* con disabilità.
Festival YouRban programma artistico 4 ottobre 2025 Fabbrica Del Vapore
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Io non ho nome/I Have No Name è un testo letto a fine giornata su un LED-Wall collocato in uno spazio aperto. Un testo che fa da sottotitolo al paesaggio. Lo schermo traduce in parole per il suo pubblico ciò che la Natura ha da dire agli esseri umani oggi. In questa proposta di El Conde de Torrefiel, il paesaggio naturale o urbano diventa tutti gli elementi di una pièce teatrale: è scenografia, è suono e luce, è narratore e protagonista, in un monologo che dà voce a qualcosa di tanto essenziale e minaccioso per le nostre vite quanto la Natura. Un dispositivo poetico che capovolge il punto di vista di 180° per immaginare come gli esseri umani siano percepiti dalla Natura. Un testo che mette in luce le contraddizioni in questo rapporto tra l’umano e la sua fonte primordiale, attraverso un discorso il cui tono oscilla tra oracolo e sogno, tra storia e finzione, e che ci invita a esplorare le ere del nostro mondo. Io non ho nome/I Have No Name è stato creato per il progetto Shared Landscapes (sette opere tra campi e foreste) curato da Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) e Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), dove diverse opere interrogavano l’ambiente naturale come spazio scenico.
Io non ho nome / I Have No Name by El Conde de Torrefiel is a text projected on a LED wall in open spaces, acting as a subtitle to the landscape. Here, nature—urban or natural—takes on every role of the stage: scenography, light, sound, narrator, and protagonist, in a monologue that reverses perspective and imagines how humans are perceived by nature itself. With a tone shifting between oracle and dream, history and fiction, the work highlights the contradictions of our relationship with this “primordial source” of life and invites us to explore the eras of our world. Created for Shared Landscapes, curated by Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) and Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), the project explores the natural environment as a stage.
Un progetto di El Conde de Torrefiel, Produzione Théâtre Vidy-Lausanne, Un progetto Performing Landscape – produzione Rimini Apparat, Théâtre Vidy-Lausanne, Bunker and Mladi Levi Festival, Culturgest, Festival d’Avignon, Tangente St. Pölten – Festival für Gegenwartskultur, Temporada Alta, ZONA K e Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, con il co-finanziamento dell’Unione Europea. Con il sostegno di Berliner Festspiele.
durata 50 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Il djset si svolgerà solo in caso di bel tempo.
Sofia T è una DJ con base a Milano con oltre 15 anni di esperienza nei club più iconici della città, tra cui Rocket, Amnesia e Fabrique. Il suo stile unico fonde ritmi incalzanti e profondità sonore avvolgenti, trasformando ogni performance in un viaggio emozionale. La sua musica, che spazia da groove techno pulsanti ad atmosfere trance ipnotiche, crea un’esperienza indimenticabile sulla pista da ballo. Sempre alla ricerca di nuove direzioni artistiche, Sofia supera i confini tra techno classica, trance e potenti sonorità vocali, offrendo set che fanno cantare il pubblico a squarciagola.
Sofia T is a Milan-based DJ with over 15 years of experience in the city’s most iconic clubs, including Rocket, Amnesia, and Fabrique. Her distinctive style blends driving rhythms with immersive soundscapes, creating unforgettable journeys on the dance floor. Constantly exploring new artistic directions, she fuses classic techno, trance, and powerful vocal elements in dynamic sets that captivate the crowd.
ore 20.30 SATOYAMA (IT) Sinking Islands
[concerto jazz/onirico] durata 60 min ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
Nel 2022 Satoyama pubblica Sinking Islands, un concept album che racconta l’innalzamento degli oceani e il destino che unirà luoghi lontani e poco conosciuti, ma anche città più vicine di quanto si possa immaginare. Ogni brano prende il nome di una realtà che inevitabilmente vedrà le proprie coste sommerse: da Tuvalu, Palau e Kiribati fino alla più familiare Venezia. La musica di Satoyama è lo spirito dei sognatori che parla direttamente all’anima. È lo sguardo che non si arrende alla corrente apatica di una società che spesso distoglie lo sguardo dal cambiamento climatico. Un invito a sentire, riflettere e lasciarsi trasportare da paesaggi sonori che oscillano tra introspezione e visionarietà. In concerto, Satoyama trasforma queste isole sommerse in un viaggio dal vivo, dove ogni nota e ogni ritmo risuonano come un monito e un sogno insieme, creando un’esperienza unica e immersiva per il pubblico.
In 2022, Satoyama released Sinking Islands, a concept album exploring rising oceans and the fate that will connect distant, little-known places—and even cities closer than we might imagine. Each track is named after a location destined to be submerged, from Tuvalu, Palau, and Kiribati to the familiar Venice. Satoyama’s music speaks to the soul of dreamers, resisting the apathetic currents of a society that often ignores climate change. In concert, these “sinking islands” become a live journey, where every note resonates as both a warning and a dream, creating a unique and immersive experience for the audience.
con Luca Benedetto tromba e tastiera, Christian Russano chitarre ed elettronica, Marco Bellafiore contrabbasso ed elettronica, Gabriele Luttino batteria, glockenspiel ed elettronica
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Io non ho nome/I Have No Name è un testo letto a fine giornata su un LED-Wall collocato in uno spazio aperto. Un testo che fa da sottotitolo al paesaggio. Lo schermo traduce in parole per il suo pubblico ciò che la Natura ha da dire agli esseri umani oggi. In questa proposta di El Conde de Torrefiel, il paesaggio naturale o urbano diventa tutti gli elementi di una pièce teatrale: è scenografia, è suono e luce, è narratore e protagonista, in un monologo che dà voce a qualcosa di tanto essenziale e minaccioso per le nostre vite quanto la Natura. Un dispositivo poetico che capovolge il punto di vista di 180° per immaginare come gli esseri umani siano percepiti dalla Natura. Un testo che mette in luce le contraddizioni in questo rapporto tra l’umano e la sua fonte primordiale, attraverso un discorso il cui tono oscilla tra oracolo e sogno, tra storia e finzione, e che ci invita a esplorare le ere del nostro mondo. Io non ho nome/I Have No Name è stato creato per il progetto Shared Landscapes (sette opere tra campi e foreste) curato da Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) e Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), dove diverse opere interrogavano l’ambiente naturale come spazio scenico.
Io non ho nome / I Have No Name by El Conde de Torrefiel is a text projected on a LED wall in open spaces, acting as a subtitle to the landscape. Here, nature—urban or natural—takes on every role of the stage: scenography, light, sound, narrator, and protagonist, in a monologue that reverses perspective and imagines how humans are perceived by nature itself. With a tone shifting between oracle and dream, history and fiction, the work highlights the contradictions of our relationship with this “primordial source” of life and invites us to explore the eras of our world. Created for Shared Landscapes, curated by Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) and Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), the project explores the natural environment as a stage.
Un progetto di El Conde de Torrefiel, produzione Théâtre Vidy-Lausanne, un progettoPerforming Landscape – produzione Rimini Apparat, Théâtre Vidy-Lausanne, Bunker and Mladi Levi Festival, Culturgest, Festival d’Avignon, Tangente St. Pölten – Festival für Gegenwartskultur, Temporada Alta, ZONA K e Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, con il co-finanziamento dell’Unione Europea.Con il sostegno di Berliner Festspiele.
ore 20.00 RICICLATO CIRCO MUSICALE (IT) NOTE DI SCARTO – concerto per oggetti abbandonati
[concerto musica rock/pop/etno con strumenti con materiali riciclati] durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
Uno spettacolo musicale che nasce da oltre vent’anni di ricerca e sperimentazione sugli strumenti costruiti con materiali di recupero. Sul palco prende vita un repertorio originale e trasversale, dove generi diversi si intrecciano proprio come gli oggetti che danno forma agli strumenti: dal Radiomin (theremin ricavato da tre radio AM) alla Commodarra (chitarra-sintetizzatore da un vecchio Commodore), dalla Din Don Box (citofono portatile con campanelli di casa) al Saxifone (sax da sifone del lavandino e lastra ai raggi X), fino all’Olifante (tromba rotante con imbuto e tubo di gomma) e molti altri ancora. Ideato dal Riciclato Circo Musicale, gruppo italiano nato nel 2006, lo spettacolo non è solo performance ma anche pratica di sostenibilità e creatività: ciò che è destinato alla discarica si trasforma in valore, musica e bellezza. Nei concerti e nei laboratori, il pubblico è coinvolto in un’esperienza collettiva che unisce gioco, educazione ambientale ed economia circolare, mostrando in modo tangibile come il riciclo possa diventare energia artistica e partecipazione.
An original musical performance by Riciclato Circo Musicale, who for over twenty years have transformed discarded materials into unique instruments—from radios turned into theremins to saxophones made of plumbing parts. Mixing genres and sounds, the show is both music and environmental practice, proving how recycling can generate creativity, beauty, and collective participation.
Con Andrea Accoroni Din Don Box, Controbarattolo, Olifante, Radiomin, Ombrellino, Saxifone, Casalingatore, Voce, Simone Medori Buzzeria, Medusa, Cajondino, Bottiglie, Cori, Michele Kaio Tiberi Bonga, Commodarra, Walk Sound, Battiscopolofon, Elastofono, Cori, Andrea Massetti Chiteglia, Bassolardo, Medusa, Oroloslide, Trapano, Cassitar, Cori
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Io non ho nome/I Have No Name è un testo letto a fine giornata su un LED-Wall collocato in uno spazio aperto. Un testo che fa da sottotitolo al paesaggio. Lo schermo traduce in parole per il suo pubblico ciò che la Natura ha da dire agli esseri umani oggi. In questa proposta di El Conde de Torrefiel, il paesaggio naturale o urbano diventa tutti gli elementi di una pièce teatrale: è scenografia, è suono e luce, è narratore e protagonista, in un monologo che dà voce a qualcosa di tanto essenziale e minaccioso per le nostre vite quanto la Natura. Un dispositivo poetico che capovolge il punto di vista di 180° per immaginare come gli esseri umani siano percepiti dalla Natura. Un testo che mette in luce le contraddizioni in questo rapporto tra l’umano e la sua fonte primordiale, attraverso un discorso il cui tono oscilla tra oracolo e sogno, tra storia e finzione, e che ci invita a esplorare le ere del nostro mondo. Io non ho nome/I Have No Name è stato creato per il progetto Shared Landscapes (sette opere tra campi e foreste) curato da Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) e Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), dove diverse opere interrogavano l’ambiente naturale come spazio scenico.
Io non ho nome / I Have No Name by El Conde de Torrefiel is a text projected on a LED wall in open spaces, acting as a subtitle to the landscape. Here, nature—urban or natural—takes on every role of the stage: scenography, light, sound, narrator, and protagonist, in a monologue that reverses perspective and imagines how humans are perceived by nature itself. With a tone shifting between oracle and dream, history and fiction, the work highlights the contradictions of our relationship with this “primordial source” of life and invites us to explore the eras of our world. Created for Shared Landscapes, curated by Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) and Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), the project explores the natural environment as a stage.
Un progetto di El Conde de Torrefiel, Produzione Théâtre Vidy-Lausanne, Un progetto Performing Landscape – produzione Rimini Apparat, Théâtre Vidy-Lausanne, Bunker and Mladi Levi Festival, Culturgest, Festival d’Avignon, Tangente St. Pölten – Festival für Gegenwartskultur, Temporada Alta, Zona K e Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, con il co-finanziamento dell’Unione Europea. Con il sostegno di Berliner Festspiele.
WE DID IT! è uno spettacolo ambientato in un futuro prossimo, dove l’umanità ha trovato nuove forme di convivenza con il pianeta e con le altre specie. Tra realtà, possibilità e immaginazione, si presenta come un documentario ipotetico che smonta il paradigma TINA – There Is No Alternative, mostrando scenari di trasformazione culturale e sociale. I territori urbani diventano più vivibili, le campagne rifioriscono e i modelli produttivi intensivi lasciano spazio a pratiche sostenibili e diffuse. Oltre a essere un’opera originale, WE DID IT! è anche un esperimento di sostenibilità e accessibilità teatrale: viaggia su un furgone 100% elettrico dotato di pannelli solari che permettono di alimentare impianti audio e luci anche dove non sarebbe possibile farlo.
WE DID IT! is set in a near future where humanity has learned new ways of coexisting with the planet and other species. Blending reality, possibility, and imagination, it takes the form of a hypothetical documentary that challenges the TINA paradigm—There Is No Alternative—and envisions cultural and social transformation. Cities become more livable, rural areas thrive again, and intensive production models give way to sustainable practices. Beyond being an original performance, WE DID IT! is also an experiment in sustainability and accessibility: it travels on a 100% electric van equipped with solar panels that power its sound and lighting systems, even in places without infrastructure.
Ideazione e drammaturgia Fiorenza Menni e Andrea Mochi Sismondi, con Andrea Mochi Sismondi, regia, spazio scenico e progetto sonoro Fiorenza Menni, creazione musicale Vincenzo Scorza, in voce Anna Amadori, Massimiliano Briarava, Eugenia Delbue, Fiorenza Menni e Alessio Scorza,promozione e comunicazione Tihana Maravic, amministrazione Greta Fuzzi, direzione tecnica Giovanni Brunetto e Vincenzo Scorza, grazie per le suggestioni letterarie a Simona Brighetti, Gaspare Caliri, Valentina Cappi, Chiara Davino, Daria Deflorian, Chiara Lagani, Pierluigi Musarò, Paolo Nori, Ilaria Palomba, Laura Pugno, Alessandra Sarchi e Sara Sermini, una produzione Ateliersi, in collaborazione con IT.A.CÀ Migranti e Viaggiatori, Progetto Reimagining Mobilities, Cluster Create e Greentech dell’Emilia Romagna, Rete Lo Stato dei Luoghi e Soverini, con il sostegno di Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna e Comune di Bologna, con il supporto della misura PNRR per la Transizione Ecologica degli Organismi Culturali e Creativi finanziata dall’Unione Europea – Next Generation EU
[gioco teatrale da tavolo per 22 persone] in italiano, durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. Il gioco teatrale si svolgerà al chiuso.
Eutopia esplora un nuovo modo di “fare insieme” attraverso un approccio ludico e multisensoriale, combinando performance, installazione e game design. Lo spettacolo invita il pubblico a partecipare attivamente, trasformando il teatro in un tavolo di azione collettiva dove ogni contributo produce risultati unici. L’esperienza mette in discussione modelli biologici, ecologici e antropologici, creando mondi possibili in cui umano e non-umano si intrecciano, dando vita a paesaggi multispecie in continua trasformazione. In Eutopia, gli esseri umani non sono al centro né antagonisti della natura, ma co-creatori di storie non umane generate dalla loro azione.
Eutopia explores new ways of “doing together” through a playful, multisensory approach, blending performance, installation, and game design. The audience actively participates, turning the theater into a collaborative space where each contribution shapes unique outcomes. The project challenges traditional biological, ecological, and anthropological models, creating worlds where humans and non-humans coexist, forming ever-changing multispecies landscapes. Humans are neither central nor antagonists to nature, but co-creators of non-human stories emerging from their actions.
Creazione Trickster-p,concetto e realizzazione Cristina Galbiati e Ilija Luginbühl, collaborazione artistica Simona Gonella, Yves Regenass, collaborazione al game design Pietro Polsinelli, spazio sonoro originale Zeno Gabaglio, occhio esterno Martina Mutzner, assistenza e collaborazione alla costruzione Arianna Bianconi, grafica e consulenza all’allestimento Studio CCRZ, foto e teaser Giulia Lenzi, produzione Trickster-p, LAC Lugano Arte e Cultura, co-produzione Theater Chur, ROXY Birsfelden, Südpol Luzern, TAK Theater, Liechtenstein, FOG Triennale Milano Performing Arts, residenza di creazione Le Grütli – Centre de production et de diffusion des Arts vivants, con il sostegno di Pro Helvetia – Fondazione svizzera per la cultura, DECS Repubblicae Cantone Ticino – Fondo Swisslos, Città di Lugano, Comune di Novazzano,Fachausschuss Tanz & Theater BS/BL, SWISSLOS/Kulturförderung KantonGraubünden, Landis & Gyr Stiftung, GKB BEITRAGSFONDS, Stiftung Dr. ValentinMalamoud, Boner Stiftung für Kunst und Kultur, BürgergemeindeChur, FondazioneWinterhalter
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Io non ho nome/I Have No Name è un testo letto a fine giornata su un LED-Wall collocato in uno spazio aperto. Un testo che fa da sottotitolo al paesaggio. Lo schermo traduce in parole per il suo pubblico ciò che la Natura ha da dire agli esseri umani oggi. In questa proposta di El Conde de Torrefiel, il paesaggio naturale o urbano diventa tutti gli elementi di una pièce teatrale: è scenografia, è suono e luce, è narratore e protagonista, in un monologo che dà voce a qualcosa di tanto essenziale e minaccioso per le nostre vite quanto la Natura. Un dispositivo poetico che capovolge il punto di vista di 180° per immaginare come gli esseri umani siano percepiti dalla Natura. Un testo che mette in luce le contraddizioni in questo rapporto tra l’umano e la sua fonte primordiale, attraverso un discorso il cui tono oscilla tra oracolo e sogno, tra storia e finzione, e che ci invita a esplorare le ere del nostro mondo. Io non ho nome/I Have No Name è stato creato per il progetto Shared Landscapes (sette opere tra campi e foreste) curato da Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) e Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), dove diverse opere interrogavano l’ambiente naturale come spazio scenico.
Io non ho nome / I Have No Name by El Conde de Torrefiel is a text projected on a LED wall in open spaces, acting as a subtitle to the landscape. Here, nature, urban or natural, takes on every role of the stage: scenography, light, sound, narrator, and protagonist, in a monologue that reverses perspective and imagines how humans are perceived by nature itself. With a tone shifting between oracle and dream, history and fiction, the work highlights the contradictions of our relationship with this “primordial source” of life and invites us to explore the eras of our world. Created for Shared Landscapes, curated by Caroline Bernaud (Théâtre de Vidy) and Stefan Kaegi (Rimini Protokoll), the project explores the natural environment as a stage.
Un progetto di El Conde de Torrefiel, produzione Théâtre Vidy-Lausanne, un progettoPerforming Landscape – produzione Rimini Apparat, Théâtre Vidy-Lausanne, Bunker and Mladi Levi Festival, Culturgest, Festival d’Avignon, Tangente St. Pölten – Festival für Gegenwartskultur, Temporada Alta, ZONA K e Piccolo Teatro di Milano – Teatro d’Europa, con il co-finanziamento dell’Unione Europea.Con il sostegno di Berliner Festspiele.
Festival YouRban programma artistico 30 settembre 2025 Fabbrica Del Vapore
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Una performance audioguidata originale per YouRban, collegata al laboratorio mobile del progetto. Riccardo Tabilio, drammaturgo e sound designer con esperienze immersive in Italia e Europa, guida i partecipanti attraverso la ricerca sui polimeri rinforzati del team YouRban, trasformando materiali e frammenti in elementi di una storia suggestiva. La performance invita a immaginare le città del futuro, i loro circoli virtuosi, le soluzioni creative e le sfide da affrontare, estendendo lo sguardo all’umanità del futuro. Tra meraviglia e ironia, i partecipanti sono sollecitati a riappropriarsi di un pezzetto di futuro e a riflettere su ciò che sarà.
An original audio-guided performance for YouRban, led by playwright and sound designer Riccardo Tabilio. Participants explore the team’s research on revitalizing reinforced polymers, turning waste and fragments into the building blocks of a story about imagining future cities, their solutions, and humanity itself. Blending wonder and irony, the performance invites the audience to reclaim a piece of the future and envision what is yet to come.
[gioco teatrale da tavolo per 22 persone] in italiano, durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. Il gioco teatrale si svolgerà al chiuso.
Eutopia esplora un nuovo modo di “fare insieme” attraverso un approccio ludico e multisensoriale, combinando performance, installazione e game design. Lo spettacolo invita il pubblico a partecipare attivamente, trasformando il teatro in un tavolo di azione collettiva dove ogni contributo produce risultati unici. L’esperienza mette in discussione modelli biologici, ecologici e antropologici, creando mondi possibili in cui umano e non-umano si intrecciano, dando vita a paesaggi multispecie in continua trasformazione. In Eutopia, gli esseri umani non sono al centro né antagonisti della natura, ma co-creatori di storie non umane generate dalla loro azione.
Eutopia explores new ways of “doing together” through a playful, multisensory approach, blending performance, installation, and game design. The audience actively participates, turning the theater into a collaborative space where each contribution shapes unique outcomes. The project challenges traditional biological, ecological, and anthropological models, creating worlds where humans and non-humans coexist, forming ever-changing multispecies landscapes. Humans are neither central nor antagonists to nature, but co-creators of non-human stories emerging from their actions.
Creazione Trickster-p,concetto e realizzazione Cristina Galbiati e Ilija Luginbühl, collaborazione artistica Simona Gonella, Yves Regenass, collaborazione al game design Pietro Polsinelli, spazio sonoro originale Zeno Gabaglio, occhio esterno Martina Mutzner, assistenza e collaborazione alla costruzione Arianna Bianconi, grafica e consulenza all’allestimento Studio CCRZ, foto e teaser Giulia Lenzi, produzione Trickster-p, LAC Lugano Arte e Cultura, co-produzione Theater Chur, ROXY Birsfelden, Südpol Luzern, TAK Theater, Liechtenstein, FOG Triennale Milano Performing Arts, residenza di creazione Le Grütli – Centre de production et de diffusion des Arts vivants, con il sostegno di Pro Helvetia – Fondazione svizzera per la cultura, DECS Repubblicae Cantone Ticino – Fondo Swisslos, Città di Lugano, Comune di Novazzano,Fachausschuss Tanz & Theater BS/BL, SWISSLOS/Kulturförderung KantonGraubünden, Landis & Gyr Stiftung, GKB BEITRAGSFONDS, Stiftung Dr. ValentinMalamoud, Boner Stiftung für Kunst und Kultur, BürgergemeindeChur, FondazioneWinterhalter
Festival YouRban programma artistico 28 settembre 2025 Fabbrica Del Vapore
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Una performance audioguidata originale per YouRban, collegata al laboratorio mobile del progetto. Riccardo Tabilio, drammaturgo e sound designer con esperienze immersive in Italia e Europa, guida i partecipanti attraverso la ricerca sui polimeri rinforzati del team YouRban, trasformando materiali e frammenti in elementi di una storia suggestiva. La performance invita a immaginare le città del futuro, i loro circoli virtuosi, le soluzioni creative e le sfide da affrontare, estendendo lo sguardo all’umanità del futuro. Tra meraviglia e ironia, i partecipanti sono sollecitati a riappropriarsi di un pezzetto di futuro e a riflettere su ciò che sarà.
An original audio-guided performance for YouRban, led by playwright and sound designer Riccardo Tabilio. Participants explore the team’s research on revitalizing reinforced polymers, turning waste and fragments into the building blocks of a story about imagining future cities, their solutions, and humanity itself. Blending wonder and irony, the performance invites the audience to reclaim a piece of the future and envision what is yet to come.
ore 19.00 ESECUTORI DI METALLO SU CARTA (Enrico Gabrielli, Luisa Santacesaria, Sebastiano De Gennaro, Damiano Afrifa) feat. DAVIDE TOFFOLO e ALESSANDRO BARONCIANI (IT) plays Mort Garson MOTHER EARTH’S PLANTASIA
[concerto per sintetizzatori con illustrazioni dal vivo] durata 40 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Il concerto si svolgerà al chiuso.
L’Ensemble ESECUTORI DI METALLO SU CARTA del collettivo 19’40” eseguirà dal vivo il capolavoro del californiano pioniere dei modulari ed ingegnere alla Moog, Mr. Mort Garson, l’album MOTHER EARTH’S PLANTASIA (Musica per le piante) del 1976, con il supporto di illustrazioni disegnate in tempo reale da Davide Toffolo (Tre Allegri Ragazzi Morti) e Alessandro Baronciani. Ispirato dal movimento hippie californiano, l’album fu concepito specificamente per “favorire la crescita delle piante”. La copertina mostra un disegno naïf con due figure stilizzate attorno a un rampicante sorridente. A completare il curioso concept, compare una firma: “Dr. T.C. Singh, Department of Botany, Annamalai University, India”… un disco dal pollice verde, convalidato da un’oscura istituzione botanica indiana. L’esecuzione dal vivo resta fedele all’originale, con quattro sintetizzatori analogici sul palco.
The Ensemble Esecutori di Metallo su Carta from the 19’40” collective will perform live Mort Garson’s 1976 masterpiece Mother Earth’s Plantasia, a pioneering electronic album designed to “help plants grow”, with real-time illustrations by Davide Toffolo and Alessandro Baronciani. Inspired by the Californian hippie movement, the album combines whimsical, plant-themed visuals and imaginative track titles like Rhapsody in Green and Concerto for Philodendron & Pothos. Composed entirely on Moog and other analog synthesizers, Garson, a Juilliard-trained composer, crafted a unique, lush electronic sound. The live performance faithfully recreates the original using four analog synthesizers on stage.
Con Sebastiano De Gennaro sintetizzatore (Korg MS20), Enrico Gabrielli sintetizzatore (JEN), Damiano Afrifa sintetizzatore (Roland Juno-DS), Luisa Santacesaria sintetizzatore (Multivox)
[concerto – musica dagli anni 50 ad oggi, soul, funk, reggae con strumenti realizzati con materiali riciclati] durata 100 min ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
La Gaudats Junk Band nasce nel 2015 da un’idea di Daniele Guidotti, artigiano e musicista impegnato nel Centro di Ricerca Rifiuti Zero. La band si distingue per la creazione di strumenti musicali interamente realizzati con materiali riciclati, come cassette per vino, pentole, plastica e altri oggetti di scarto, trasformati in chitarre, bassi, tubofoni e batterie. Il repertorio combina brani inediti e rivisitazioni “junk” di classici italiani e internazionali, attraversando generi diversi con creatività e originalità. La band è composta da musicisti locali amici di lunga data e ha collaborato con artisti noti come Marco Bachi (Bandabardò) e Rick Hutton (ex volto di Videomusic e presentatore del Porretta Soul Festival).
Gaudats Junk Band was founded in 2015 by Daniele Guidotti. The band creates musical instruments entirely from recycled materials, wine crates, pots, plastics, and other discarded objects, turning waste into guitars, drums, and more.Their energetic, participatory performances invite the audience to join in, combining original songs and “junk” covers of Italian and international hits. They also run educational activities in schools to promote recycling and environmental awareness.The band includes local musicians and has collaborated with well-known artists like Marco Bachi (Bandabardò) and Rick Hutton (former Videomusic host).
Con Luca Pucci, Marco Martinelli, Beatrice Mazzanti, Paolo Sodini, Rich Hutton, Mauro Briganti, Marco Bachi, Daniele Guidotti
Festival YouRban programma artistico 27 settembre 2025 Fabbrica Del Vapore
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Una performance audioguidata originale per YouRban, collegata al laboratorio mobile del progetto. Riccardo Tabilio, drammaturgo e sound designer con esperienze immersive in Italia e Europa, guida i partecipanti attraverso la ricerca sui polimeri rinforzati del team YouRban, trasformando materiali e frammenti in elementi di una storia suggestiva. La performance invita a immaginare le città del futuro, i loro circoli virtuosi, le soluzioni creative e le sfide da affrontare, estendendo lo sguardo all’umanità del futuro. Tra meraviglia e ironia, i partecipanti sono sollecitati a riappropriarsi di un pezzetto di futuro e a riflettere su ciò che sarà.
An original audio-guided performance for YouRban, led by playwright and sound designer Riccardo Tabilio. Participants explore the team’s research on revitalizing reinforced polymers, turning waste and fragments into the building blocks of a story about imagining future cities, their solutions, and humanity itself. Blending wonder and irony, the performance invites the audience to reclaim a piece of the future and envision what is yet to come.
ore 19.00 SERGE COULIBALY e FASO DANSE THEATRE (BurkinaFaso/BE) TOLON-KE!
[concerto danzato] durata 60 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Dotato di microfono e chitarra, il cantante Patrick Kabré—una star nel suo Burkina Faso natale—condurrà questo concerto danzante. “Tolon ké!”, che significa “divertiamoci” in lingua Dyula, è un invito a celebrare e muoversi a un ritmo condiviso, con le braccia alzate e i piedi ben piantati a terra. Abbandonando la coreografia prestabilita, quattro performer del virtuoso Faso Danse Théâtre improvviseranno insieme, scatenando il pubblico. Una performance semplicemente irresistibile!
Equipped with a mic and a guitar, singer Patrick Kabré—a star in his native Burkina Faso—will emcee this danced concert. “Tolon ké!”, meaning “let’s have fun” in the Dyula language, is an invitation to celebrate and move to a shared rhythm, arms raised, feet on the ground. Abandoning scripted choreography, four performers from the virtuoso Faso Danse Théâtre will improvise together, whipping the crowd into a frenzy. A simply irresistible performance!
Prodotto da Faso Danse Théâtre co-prodotto da Kanal Centre Pompidou Brussels ideazione e coreografia Serge Aimé Coulibaly coreografo assistente Sayouba Sigue con Chloé Aïcha Ata’a Njoya, Suzie M. J. Babin, Jean Robert Koudogbo-Kiki, Sayouba Sigue, Patrick Kabré musica Patrick Kabré drammaturgia Sara Vanderieck luci e tecnica Herman Coulibaly e Thomas Verachtert produzione Arnout André de la Porte touring Frans Brood Productions
[concerto – musica etnica con strumenti realizzati con materiali riciclati] durata 90 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Il concerto si svolgerà al chiuso.
Quattro polistrumentisti del Trentino-Alto Adige, espressione delle tre lingue ufficiali della regione (italiano, tedesco, ladino), scelgono la musica come terreno comune di dialogo. Nasce così la Upcycling Band, un ensemble che utilizza esclusivamente strumenti e sculture sonore unici al mondo, costruiti a mano da Max Castlunger a partire da materiali di recupero: tubi di plastica, bombole, bidoni, mobili dismessi e molto altro. In scena decine di strumenti originali – tubofoni, gong, xilofoni, flauti, tamburi – si intrecciano in un viaggio musicale che prende ispirazione dalle culture del mondo e conduce l’ascoltatore verso paesaggi sonori sorprendenti e inaspettati.
Four multi-instrumentalists from Trentino-Alto Adige, representing the region’s three official languages (Italian, German, Ladin), use music as a shared language. Upcycling Band performs with unique handmade instruments and sound sculptures created from recycled material, plastic pipes, drums, old furniture, and more. Their shows feature dozens of original instruments, tubophones, gongs, xylophones, flutes, drums, blending world music influences into surprising and immersive soundscapes.
con Mirko Pedrotti, Georg Malfertheiner, Max Castlunger, Manfred Gampenrieder
LIFE esplora le fratture della società contemporanea, le echo-chambers, la disinformazione, la polarizzazione, attraverso narrazioni inedite, ambigue e scomode. Il palcoscenico come laboratorio, l’arte come dispositivo critico e spazio di resistenza.
Il teatro può ciò che l’algoritmo non può: creare uno spazio di presenza condivisa, dove il confronto accade nel qui e ora, tra persone reali.
Il manifesto di questa edizione, creato con l’intelligenza artificiale, riflette sul confine sottile tra dati, emozioni e presenza umana. Perché l’arte resta uno spazio di resistenza, di partecipazione e di interrogativi aperti.
GENERAZIONE KIDS è un laboratorio annuale di teatro per bambine e bambini dagli 8 ai 10 anni, uno spazio in cui sperimentare attraverso il corpo, la voce, il racconto le proprie potenzialità espressive e narrative.
La prima parte dell’anno sarà dedicata al potenziamento della propria espressività vocale, al movimento, al lavoro di gruppo, per lasciar emergere un tema di lavoro da approfondire insieme nella seconda parte.
Guidato da due insegnanti e da una cornice narrativa, il gruppo si dedicherà alla costruzione e alla messa in scena di una breve performance in cui il lavoro corale lascerà spazio anche all’espressione individuale e in cui potranno essere utilizzati strumenti come le registrazioni audio, le proiezioni, la musica, per rendere l’esperienza teatrale più ricca e stimolante.
La mescolanza di linguaggi, la partecipazione, l’interazione col pubblico e lo sguardo al presente sono tra le caratteristiche dei laboratori di ZONA K. GENERAZIONE KIDS è un primo passo in questa direzione, dal punto di vista di bambine e bambini.
.
È possibile partecipare gratuitamente a una lezione di prova solo su prenotazione e se raggiungo il numero minimo di partecipanti. Prenotazioni: didattica@zonak.it / 02.97378443
È richiesto il tesseramento 2026 per un adulto di riferimento (costo simbolico € 2,00).
Per la fascia d’età 8 > 10 anni le lezioni sono previste il martedì con orario dalle 17:15 alle 18:15.
Il corso è annuale e prevede 28 appuntamenti totali compresa la prima lezione di prova e si attiva al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti. È previsto un numero massimo di partecipanti. Le iscrizioni verranno registrate in base all’ordine di arrivo dei moduli con relative ricevute di pagamento.
Costo € 470,00.
Agevolazioni:
– 15% per iscrizione entro il 15 settembre pagamento in unica rata; – 10% per iscrizione pagamento unica rata; – 5% per iscrizione secondogeniti e iscritti anno precedente pagamento in due rate Gli sconti non sono cumulabili.
In latino tradere significa tramandare, consegnare, ma anche lasciar andare, tradire. Per assonanza richiama trade, commercio. Tradere si muove in questa ambivalenza: cosa accade quando ciò che ereditiamo e abitiamo insieme risponde alle logiche del profitto?
Uno spettacolo che interroga il presente: un rito diventa folklore, un’identità un brand, uno spazio pubblico un luogo di consumo. In una società neoliberista anche tempo, corpi e relazioni diventano possibilità di guadagno; i centri storici diventano scenografie di transito, il territorio un asset speculativo.
Tradere interroga allora il confine tra privato e pubblico: cosa significa abitare? Cosa significa rendere vivo uno spazio pubblico?
Il pubblico di Tradere è chiamato a mettere in discussione la propria posizione: non soltanto osservatore, ma corpo tra altri corpi, presenza che occupa lo spazio e contribuisce a trasformarlo.
In un’epoca in cui il mercato ha saturato la produzione di oggetti, l’accumulazione si sposta verso la mercificazione del tempo, dei riti e dei legami comunitari. Trova spazio, nei nostri sguardi, l’invisibile?
Spettacolo – Durata 60 min – In italiano
Ingresso consentito previo tesseramento 2026. Adatto a un pubblico di tutte le età. Evento accessibile a persone con mobilità ridotta.
NB: Si avvisa il pubblico che alcune parti dello spettacolo si svolgeranno in piedi. Per qualsiasi esigenza, il personale di sala e biglietteria è a vostra disposizione.
▶︎ Mercoledì 14 ottobre al termine dello spettacolo la compagnia dialogherà con Giorgia Valeri
Conquistare uno spazio” può voler dire molte cose: ricavarsi il proprio posto, rivendicare una stanza tutta per sé, ma anche sottrarre terreno e abitabilità a qualcun altro. A partire dagli spunti di Tradere, vi invitiamo a un confronto aperto.
Giorgia Valeri è giornalista e critica teatrale su Paneacquaculture. Dottoranda in studi storico-teatrali all’Università Cattolica di Milano, si occupa di teatro italiano del secondo Novecento, in particolare del teatro dei gruppi e di narrazione.
_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _
▶︎ Mercoledì 15 ottobre al termine dello spettacolo si terrà l’incontro con la compagnia ed Elena Granata
Cosa significa abitare una città? A partire dai temi di Tradere e del libro La città è di tutti, vi invitiamo a una conversazione sul valore dello spazio pubblico e dei luoghi di aggregazione come spazi di relazione, incontro e costruzione di comunità.
Elena Granata è professoressa di Urbanistica presso il Dipartimento ABC del Politecnico di Milano e vicepresidente della Scuola di Economia Civile. È stata membro dello staff Sherpa, Presidenza del Consiglio dei Ministri, G7/ G20 (2020-21). Si occupa di città, ambiente e cambiamenti sociali. Tra i suoi libri: Biodivercity. Città aperte, creative e sostenibili che cambiano il mondo (Giunti 2019), EcoLove. Perché i nuovi ambientalisti non sanno ancora di esserlo (con F. de Lettera, Edizioni Ambiente 2022). Per Einaudi ha pubblicato Placemaker. Gli inventori dei luoghi che abiteremo (2021), Il senso delle donne per la città. Curiosità, ingegno, apertura (2023) e La città è di tutti. Ciò che ha valore non ha prezzo (2026). È cofondatrice di PlanetB.it.
da un’idea di Giulia Sangiorgio, un progetto della compagnia Corpora, con Viviana Dorsi, drammaturgia Eliana Rotella, regia Giulia Sangiorgio, progetto sonoro e musiche originali Andrea Centonza, luci Tullia Luce Ruggeri, organizzazione Caterina Gruden, consulenza scenotecnica Marco Rossi, cianotipie Caterina Gruden, foto Luca Del Pia
produzione ZONA K in coproduzione con il Piccolo Teatro di Milano – Teatro D’Europa con il sostegno del MiC e di Siae, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”
CORPORA è una compagnia teatrale under 35 composta da Giulia Sangiorgio, regista, Eliana Rotella, drammaturga, Caterina Gruden, organizzatrice, e Andrea Centonza, designer multimediale. Il centro del loro lavoro è il confine tra corpo e parola come spazio politico e pubblico. La scena è uno spazio dove il corpo vivo sfugge alla logica dell’immagine consumabile e rivendica la possibilità di raccontare ciò che resta fuori dalla narrazione dominante.
Questo evento fa parte di
Arti performative e ambienti digitali: un nuovo orizzonte creativo
RESIDENZE DIGITALI si racconta nel campus di Milano di NABA, Nuova Accademia di Belle Arti e presenta il WORKSHOP “Corpo, performance e motion capture”
Residenze Digitali promuove la ricerca e creazione di opere performative in relazione allo spazio e agli strumenti digitali. Attraverso un bando annuale seleziona progetti artistici da sostenere grazie a percorsi di residenza, tutoraggio e sostegno economico. I percorsi sono concepiti come laboratori di sperimentazione in cui gli artisti possano indagare le potenzialità espressive offerte dalle tecnologie digitali, creando opere ibride che ripensino il rapporto tra artista, pubblico e spazio performativo.
La rete dei partner, le artiste e gli artisti selezionati per questa sesta edizione (Mara Oscar Cassiani, Albert Figurt, Benedetta Pigoni e Gianmarco Pignatiello, Boris Pimenov) aprono i lavori con un incontro a Milano, ospiti dei partner di progetto milanesi NABA, Nuova Accademia di Belle Arti e ZONA K, partner del Centro di Residenza Artistica della Lombardia IntercettAzioni.
L’incontro, che avrà luogo dalle ore 18.30 nell’Aula G 0.4 del campus dell’Accademia a Milano, sarà l’occasione per raccontare al pubblico milanese il progetto, dettagliare le opportunità che offre ad artiste e artisti e riflettere insieme sulle possibilità creative che nascono dall’intersezione tra arti dal vivo e spazi virtuali, in un dialogo aperto tra studenti e docenti, artisti, operatori culturali e pubblico.
A integrazione dell’incontro, Residenze Digitali e NABA presentano il workshop teorico pratico “Corpo, performance e motion capture”, volto a esplorare le potenzialità della tecnologia mocap in ambito performativo. Il workshop, gratuito e rivolto ad artisti, studenti e creative technologist, si terrà nel Virtual Studio della sede milanese dell’Accademia dalle ore 15 alle 18 e sarà tenuto da Emanuele Lomello, Media Laboratory Manager di NABA, coadiuvato da due performer. Per partecipare visitare questo link.
L’evento sarà inoltre un’occasione per presentare e illustrare ilBiennio Specialistico in Digital and Live Performance di NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, un percorso che attraverso esperienze pratiche e insegnamenti teorici, fornisce agli studenti le competenze metodologiche per lo sviluppo di processi e progetti in ambito performativo, per affinare la comprensione della realtà che li circonda e lavorare nel campo della digital e live performance a livello professionale.
QUANDO: Lunedì 26 maggio ore 18.30
DOVE: Aula G 0.4 del campus NABA, Nuova Accademia di Belle Arti via C. Darwin 20 – 20143 Milano
COME: ingresso libero, gradita prenotazione via mail a biglietti@zonak.it
Interverranno:
Lucia Franchi, Luca Ricci e Marta Meroni (CapoTrave/Kilowatt), Angela Fumarola, Fabrizio Masi (Armunia), Valentina Kastlunger (NABA, Nuova Accademia di Belle Arti), Federica Bruscaglioni (Zona K), Carlotta Garlanda (Amat), Gioele Perissini (In/Visible Cities), Roberta Nicolai (Teatri di Vetro), Fabrizio Gavosto (Mirabilia); le tutor Laura Gemini (Docente di Spettacolo e digital liveness presso l’Università degli studi di Urbino Carlo Bo) e Federica Patti (Curatrice indipendente, docente di Processi e tecniche dello spettacolo multimediale presso l’Accademia di Belle Arti di Brera); le artiste e gli artisti Mara Oscar Cassiani, Albert Figurt, Benedetta Pigoni e Gianmarco Pignatiello, Boris Pimenov.
Residenze Digitali nasce nel 2020 da un’idea del Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt) che da allora ha esteso il partenariato all’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, partner di R.A.M. Residenze Artistiche Marchigiane, l’Associazione ZONA K di Milano, partner del Centro di Residenza Artistica della Lombardia IntercettAzioni e ad altre realtà che nelle varie edizioni hanno fatto parte della rete; nuovi partner della sesta edizione sono NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, l’Associazione Triangolo Scaleno / Festival Teatri di Vetro, l’Associazione IdeAgorà / Festival Mirabilia e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia.
Bando IntercettAzioni
Per progetti di performance nello spazio pubblico
Il Centro di Residenza Artistica IntercettAzioni, riconosciuto e sostenuto da Regione Lombardia e Ministero della Cultura, lancia una call rivolta ad artiste/i e compagnie professioniste italiane per la selezione di due progetti di arti performative da sviluppare nel biennio 2026–2027.
Il bando mira a individuare due realtà da ospitare presso il Centro di Residenza IntercettAzioni che abbiano elaborato un progetto originale per la creazione di una performance che preveda l’utilizzo dello spazio pubblico e la stretta relazione con esso.
I progetti proposti devono essere quindi pensati come performance multidisciplinari, ideate e strettamente correlate allo spazio pubblico.
Le due realtà selezionate saranno ospitate presso le sedi del Centro di Residenza IntercettAzioni – Milano (Zona K e Teatro delle Moire), Brescia/Canzo (Circuito CLAPS), Vimodrone (Industria Scenica) e Piateda (Laagam) – per un percorso di 5 periodi di residenza, ciascuno della durata di 7 giorni, tra maggio 2026 e dicembre 2027.
Il Centro di Residenza mette a disposizione:
un contributo economico di 12.500 euro lordi per ciascun progetto selezionato;
spazi di lavoro e, in alcune sedi, ospitalità gratuita;
un percorso di tutoraggio artistico e progettuale.
La call è rivolta a singole/i artiste/i e compagnie fino a 5 componenti, residenti e operanti in Italia, attive/i nei campi della prosa, danza, circo contemporaneo e musica.
Scadenza per l’invio delle candidature: 28 febbraio 2026, ore 24.00
Per maggiori informazioni scrivi a: progetti@claps.lombardia.it
Per diventare volontaria e volontario iscriviti a QUESTO portale Termine invio candidature: 24 aprile
È in arrivo la prima edizione di LIFETheatre Arts Media Festival promosso da ZONA K e dal Comune di Milano / dalla Fabbrica Del Vapore. Uno sguardo sul reale, sulla vita e sulle vite delle persone. Uno studio documentaristico per raccontare il mondo con immagini e parole. Un richiamo alla rivista patinata che ha fatto la storia del fotogiornalismo per un festival che affonderà nella realtà in modo tutt’altro che patinato.
LIFE si svolgerà in due periodi: ▶︎ dal 7 al 19 maggio negli spazi di Fabbrica del Vapore ▶︎ dal 4 al 21 giugno a ZONA K, Teatro Fontana, Teatro Out Off
31 giorni di spettacoli, performance, talk, workshop, film e installazioni di artiste e artisti nazionali e internazionali provenienti da Libano, Paesi Bassi, Bielorussia, Svizzera, Germania, Inghilterra, Palestina, Belgio, Spagna, Kosovo, fino a toccare Messico e Argentina.
Hai voglia di metterti in gioco, incontrare e conoscere in prima persona compagnie e artisti/e nazionali e internazionali, immergerti nel dietro le quinte del festival? Unisciti al nostro staff e diventa volontaria e volontario di LIFE!
Partecipare è facile, ecco cosa serve:
Avere 18 anni o più
Essere disponibili per almeno 3 giorni e fino a un massimo di 7 giorni consecutivi, in uno o in entrambi i periodi del festival
Avere una buona padronanza dell’inglese
Dimostrare spirito di squadra, flessibilità e voglia di mettersi in gioco, ed essere disponibili al confronto e alla cura delle relazioni
Di cosa ti occuperai nello specifico? Potrai svolgere diverse attività, come accogliere gli artisti, ricevere i visitatori al desk informativo, gestione delle diverse sale, oppure occuparti di piccole commissioni in giro per la città. Noi saremo sempre al tuo fianco! Come volontaria e volontario del festival, beneficerai di una copertura assicurativa di responsabilità civile garantita da ZONA K. All’inizio della collaborazione, lo staff organizzativo ti chiederà di compilare un modulo di scarico di responsabilità. Sarà inoltre necessario associarti a ZONA K per l’anno in corso. La tessera sarà rilasciata a titolo gratuito. Le mansioni che ti verranno affidate non comporteranno alcun rischio elevato. L’intera attività sarà svolta nel rispetto di tutte le misure di sicurezza previste dalla normativa vigente.
Se ci darai una mano, avrai diritto a benefit che agevoleranno lo svolgimento delle mansioni di cui ti occuperai e ti permetteranno di vivere appieno gli eventi del festival:
Buoni pasto (nel caso in cui si svolgano almeno 6 ore giornaliere)
Possibilità di assistere gratuitamente agli eventi del festival nello spazio in cui si sta svolgendo il proprio turno/nel periodo selezionato per la prestazione volontaria
Diritto a un totale di 2 biglietti ridotti per accompagnatori validi per uno o due eventi del festival, da utilizzare nel periodo selezionato per la prestazione volontaria
Diritto alla tariffa “riduzione volontari” per tutti gli eventi in programma (previa verifica disponibilità)
Zainetto e T-shirt di ZONA K
Ci riserviamo la possibilità di fissare colloqui telefonici, se arriverà un alto numero di candidature.
Cosa succede dopo? Gli esiti delle selezioni saranno comunicati via e–mail entro il 28 aprile. Una settimana prima dell’inizio della prima e della seconda parte del festival si terrà l’incontro informativo con i volontari presso la sede di ZONA K.
Per diventare volontaria e volontario iscriviti a QUESTO portale Termine invio candidature: 24 aprile
Festival YouRban
In occasione della presentazione del progetto YouRban, iniziativa mirata a diffondere consapevolezza riguardo all’economia circolare, ZONA K è stata chiamata a curare le performance artistiche, teatrali e musicali che si svolgeranno in Fabbrica del Vapore dal 26 settembre al 5 ottobre 2025.
YouRban è un ambizioso progetto Europeo – coordinato dal Dipartimento di Ingegneria Meccanica del Politecnico di Milano – che affronta la sfida della sostenibilità e della cultura della circolarità, attraverso la mobile plant YouRban, una vera e propria fabbrica urbana itinerante che mostrerà alla cittadinanza come la rigenerazione degli scarti di materiali plastici rinforzati riduca il loro impatto ambientale (https://www.yourban-europe.eu/).
In questo contesto – che prevede attività, laboratori e workshop per avvicinare pubblici diversi ai temi del riuso dei materiali compositi a fine vita – ZONA K ha curato una selezione di performance site specific, spettacoli, concerti per avvicinare il pubblico alle tematiche YouRban in modo ludico, partecipativo, impattante, volto ad aumentare la consapevolezza ambientale e civile di tutte le persone.
PROGRAMMA ARTISTICO
DOVE? In Fabbrica Del Vapore Tutti gli eventi sono gratuiti fino a esaurimento posti. La prenotazione è obbligatoria. Per prenotare, clicca sulla giornata desiderata per consultare le informazioni relative.
Contatti: biglietti@zonak.it – 393.8767162
CLICCA SULLE GIORNATE PER SCOPRIRE I DETTAGLI DEGLI EVENTI E PRENOTARE I TUOI POSTI
[concerto – musica dagli anni 50 ad oggi, soul, funk, reggae con strumenti realizzati con materiali riciclati] durata 100 min ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
Un concerto fuori dal comune, dove strumenti nati da materiali di scarto danno vita a nuove sonorità: vieni a scoprire la creatività travolgente della Gaudats Junk Band.
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un percorso sonoro unico che intreccia ricerca scientifica e immaginazione: lasciati guidare da Riccardo Tabilio in un viaggio tra città del futuro, visioni sorprendenti e domande sul nostro domani.
ore 19.00 SERGE COULIBALY e FASO DANSE THEATRE (BurkinaFaso/BE) TOLON-KE!
[concerto danzato] durata 60 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Con Patrick Kabré e i performer di Faso Danse Théâtre, lasciati travolgere da “Tolon ké!”: un concerto danzante che invita a celebrare insieme, senza coreografie né confini, al ritmo contagioso della musica.
ore 20.30 UPCYCLING BAND(IT) Green Art Music Project
[concerto – musica etnica con strumenti realizzati con materiali riciclati] durata 90 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. Il concerto si svolgerà al chiuso.
Un viaggio musicale tra lingue, culture e strumenti unici al mondo: la Upcycling Band trasforma materiali di recupero in paesaggi sonori sorprendenti e tutti da scopri
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un percorso sonoro unico che intreccia ricerca scientifica e immaginazione: lasciati guidare da Riccardo Tabilio in un viaggio tra città del futuro, visioni sorprendenti e domande sul nostro domani.
ore 19.00 ESECUTORI DI METALLO SU CARTA (Enrico Gabrielli, Luisa Santacesaria, Sebastiano De Gennaro, Damiano Afrifa) feat. DAVIDE TOFFOLO e ALESSANDRO BARONCIANI (IT) plays Mort Garson MOTHER EARTH’S PLANTASIA
[concerto per sintetizzatori con illustrazioni dal vivo] durata 40 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. Il concerto si svolgerà al chiuso.
Un live unico: l’Ensemble Esecutori di Metallo su Carta reinterpreta Mother Earth’s Plantasia di Mort Garson con quattro sintetizzatori analogici, mentre Davide Toffolo e Alessandro Baronciani disegnano dal vivo un universo visivo ispirato alle piante.
ore 17.00 > 19.00 versione individuale ore 18.30 versione di gruppo RICCARDO TABILIO (IT) This little piece of future // Questo pezzetto di futuro
[performance audioguidata] in italiano, durata 30 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un percorso sonoro unico che intreccia ricerca scientifica e immaginazione: lasciati guidare da Riccardo Tabilio in un viaggio tra città del futuro, visioni sorprendenti e domande sul nostro domani.
ore 19.30 TRICKSTER-P (CH) EUTOPIA
[gioco teatrale da tavolo per 22 persone] in italiano, durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. Il gioco teatrale si svolgerà al chiuso.
Un’esperienza partecipativa che unisce performance, installazione e gioco: con Eutopia il pubblico diventa co-creatore di mondi possibili, dove umano e non-umano si incontrano in paesaggi in continua trasformazione.
[gioco teatrale da tavolo per 22 persone] in italiano, durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria a biglietti@zonak.it. Il gioco teatrale si svolgerà al chiuso.
Un’esperienza partecipativa che unisce performance, installazione e gioco: con Eutopia il pubblico diventa co-creatore di mondi possibili, dove umano e non-umano si incontrano in paesaggi in continua trasformazione.
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un testo proiettato su un LED-Wall trasforma il paesaggio in scenografia e narratore: con Io non ho nome / I Have No Name, El Conde de Torrefiel dà voce alla Natura in un monologo poetico che ci invita a riconsiderare il nostro rapporto con essa.
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un testo proiettato su un LED-Wall trasforma il paesaggio in scenografia e narratore: con Io non ho nome / I Have No Name, El Conde de Torrefiel dà voce alla Natura in un monologo poetico che ci invita a riconsiderare il nostro rapporto con essa.
ore 20.30 ATELIERSI (IT) WE DID IT!
[spettacolo] in italiano, durata 50 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI.In caso di maltempo lo spettacolo si svolgerà al chiuso.
Uno sguardo sul futuro prossimo in cui umanità e natura convivono in equilibrio: WE DID IT! è un ipotetico documentario teatrale che immagina scenari sostenibili e viaggia su un furgone 100% elettrico, trasformando ogni luogo in palcoscenico.
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un testo proiettato su un LED-Wall trasforma il paesaggio in scenografia e narratore: con Io non ho nome / I Have No Name, El Conde de Torrefiel dà voce alla Natura in un monologo poetico che ci invita a riconsiderare il nostro rapporto con essa.
ore 20.00 RICICLATO CIRCO MUSICALE (IT) NOTE DI SCARTO – concerto per oggetti abbandonati
[concerto musica rock/pop/etno con strumenti con materiali riciclati] durata 120 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
Dal theremin costruito con vecchie radio al sax ricavato da un sifone: il Riciclato Circo Musicale trasforma materiali di scarto in strumenti straordinari e in uno spettacolo che unisce musica, gioco e sostenibilità.
ore 19.00 EL CONDE DE TORREFIEL (ES) IO NON HO NOME/I HAVE NO NAME
[performance testuale] in italiano, durata 35 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. La performance sarà annullata solo in caso di forte maltempo.
Un testo proiettato su un LED-Wall trasforma il paesaggio in scenografia e narratore: con Io non ho nome / I Have No Name, El Conde de Torrefiel dà voce alla Natura in un monologo poetico che ci invita a riconsiderare il nostro rapporto con essa.
ore 19.45e ore 21.30 SOFIA T (IT) DJSET
durata 50 min. ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione non necessaria. Il djset si svolgerà solo in caso di bel tempo.
Con oltre 15 anni di esperienza nei club più iconici di Milano, Sofia T trasforma ogni DJ set in un viaggio musicale intenso, tra techno pulsante, trance ipnotica e potenti sonorità vocali: lasciati trascinare sulla pista da ballo.
ore 20.30 SATOYAMA (IT) Sinking Islands
[concerto jazz/onirico] durata 60 min ▷ Partecipazione gratuita fino ad esaurimento posti. Prenotazione obbligatoria, clicca QUI. In caso di maltempo il concerto si svolgerà al chiuso.
Con Sinking Islands, Satoyama trasforma le città e le isole minacciate dall’innalzamento degli oceani in un viaggio musicale intenso e visionario: un concerto che è insieme monito e sogno, capace di coinvolgere e immergere il pubblico.
Odissea minore di Miriam Selima Fieno e Nicola di Chio | Teatro Metastasio
In residenza dal 25 novembre al 1 dicembre e dal 16 al 22 dicembre 2024
Le migrazioni dei minori rappresentano uno degli aspetti più drammatici e complessi del fenomeno migratorio contemporaneo. Una quota significativa di giovani e bambini raggiunge l’Europa attraversando la rotta balcanica, un itinerario migratorio che ha origine in Grecia, attraversa la penisola balcanica e prosegue fino all’Italia.
Odissea Minore. Per un’educazione della frontiera è un progetto di teatro documentario che riflette sul futuro dell’Europa, intrecciando storie di migrazione e analisi sociale.
Gli attori e registi Miriam Selima Fieno e Nicola Di Chio, insieme al giornalista e autore Christian Elia e alla videomaker e documentarista Cecilia Fasciani, hanno ideato un’indagine multidimensionale che si sviluppa su due fronti principali.
Un viaggio lungo la rotta balcanica, articolato in tre tappe — Grecia, Bihac in Bosnia-Erzegovina e Italia — per raccogliere testimonianze e documentare le esperienze di chi vive questa realtà.
La creazione di un comitato di esperti sull’infanzia, capace di analizzare il presente e offrire una visione sul futuro di questa “generazione di frontiera”. Il risultato sarà un’opera artistica che combina teatro, giornalismo narrativo, ricerca documentaria e cinematografia del reale, interrogando il nostro presente e gettando luce sugli eventi che stanno plasmando l’Europa del futuro.
Lexicon di Corpora
In residenza dall’11 al 21 novembre 2024
Dov’è la nostra eternità? Come si fa a vivere qualcosa di cui si vede già la fine? Come perde densità un amore fagocitato dai ritmi della quotidianità di chi non riesce a stare a galla, in bilico tra lavori precari, assistendo con un certo senso di impotenza al crollo del mondo circostante? Sono le domande che pone con il nuovo progetto Lexicon, ospitato in residenza nei giorni scorsi.
Lexicon esplora il tema del confine, tra pubblico e privato, corpi e spazi, crisi personali e globali. Due ventenni vivono una relazione a distanza tra mancanza di rete, stanchezza e un futuro incerto, trovando ironia e speranza anche nel caos. Il progetto si interroga sui linguaggi con cui si riempiono gli spazi tra le persone, quando i corpi non condividono lo stesso spazio fisico.
Il testo di Lexicon nell’arco del 2023 ha ricevuto la menzione al premio Carlo Annoni per la categoria NEXT GENERATION; è stato selezionato per Hystrio Festival; è stato finalista al Premio Tondelli.
Journeying – the weight we carry di SVUNG
In residenza dal 20 al 30 ottobre 2024
Il progetto, nato da momenti cruciali delle loro vite personali e dalla frustrazione per il soffocamento politico che coinvolge la scena artistica e accademica indipendente in Ungheria, elabora il Viaggio come un’esperienza da vivere e costruire insieme.
Journeying – The weight we carry indaga la migrazione in tutte le sue forme: dai grandi spostamenti legati a eventi globali, alla vita dei nomadi digitali. Un focus particolare è stato dedicato al “trasporto di pesi”, sia letteralmente che metaforicamente, mettendo in scena la quotidianità degli artisti che si muovono con carichi importanti e la riflessione su cosa significhi portare con sé la propria casa e i propri ricordi.
Tea Andreoletti
In residenza dal 16 al 22 settembre 2024
Vissuta da sempre in Italia, ma ora residente a Helsinki, ha abitato gli spazi di ZONA K per lavorare a Interspazio, un progetto di ricerca collettiva in cui pratiche, teorie e percorsi artistici si mettono in relazione con lo spazio pubblico e promuovono lo sviluppo di linguaggi artistici relazionali e pratiche partecipative.
Durante le giornate di lavoro in ZONA K, l’artista si è concentrata sul concetto di “spazio pubblico”, che spazia da elemento urbanistico e geografico a un più ampio ecosistema politico, sociale e culturale, nella sfera analogica e digitale. Durante la residenza sono stati organizzati dei momenti di presentazione, incontri e sopralluoghi nel quartiere di Isola.
A Shredded Page di Filippo Michelangelo Ceredi
In residenza 28 luglio al 7 agosto 2024
La memoria personale e la storia collettiva vengono intrecciate attraverso le forme della performance multimediale e attivando un processo partecipativo. Il progetto mette in relazione i ricordi di un campione di persone con i frammenti di un archivio esterno e con le pratiche del movimento somatico. Come attingere alla memoria per orientare una nuova narrazione del presente? Filippo Michelangelo Ceredi lavora sull’ascolto della memoria personale e sul potenziale di ritrovare le connessioni con la dimensione collettiva dell’esistenza, riportando in luce il valore politico dell’essere umano. Come passare da immagini, suoni e gesti della nostra memoria ad una rappresentazione nello spazio?
Nel paese delle Meraviglie di Chiara Callegari e Simone Luglio | KNK Teatro
In residenza dall’1 al 9 maggio 2024
Il romanzo di Lewis Carroll diventa il punto di partenza per una riscrittura in cui si intrecciano viaggio, assurdo, ironica follia e un senso temporaneo di spaesamento. Un’immersione nella mente di un malato di Alzheimer.
Teatro, musica e arte si fanno strumenti per rivelarne anche il lato poetico, romantico e ironico.
Chiara Callegari e Simone Luglio danno vita a uno spettacolo ispirato alla loro esperienza e a quella delle persone incontrate durante la residenza, trasformandola in una storia magica, capace di comunicare su più livelli e di coinvolgere tutti.
Il progetto, è stato individuato come progetto condiviso scelto dal Centro di Residenza.
Medusa – Fabritia D’Intino
MEDUSA – THE INVISIBLE DANCE è un progetto di danza ideato e curato da Fabritia D’Intino, danzatrice e coreografa, con la musica originale suonata dal vivo di Federico Scettri, sound artist e ricercatore.
Siamo ancora capaci di muoverci nel buio? La ricerca che sta alla base di MEDUSA si identifica come LIGHT-SPECIFIC, ovvero si sviluppa a partire dalle caratteristiche luminose di ogni spazio. In che misura il buio viene respinto ed allontanato con l’uso dell’illuminazione artificiale, ad esempio di una sala teatrale, di una sala prove, e in che misura viene accolto e addomesticato in spazi naturali e selvatici?
MEDUSA – THE INVISIBLE DANCE è una danza dispersa, evaporata, presente e invisibile che si realizza al buio, luogo in cui è possibile stare e in cui si lasciano arrivare molte cose, anche la distrazione. Un ambiente popolato da presenze spettrali e da informazioni soniche che porta alla decostruzione dello sguardo sul corpo danzante e sul pubblico.
RESIDENZE DIGITALI 2025
SESTA EDIZIONE
4 PROPOSTE ARTISTICHE DA SELEZIONARE
4500 EURO DI CONTRIBUTO PER CIASCUNA PROGETTUALITÀ E LA POSSIBILITÀ DI UN PERIODO DI RESIDENZA IN PRESENZA
Il Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT partner di R.A.M. Residenze Artistiche Marchigiane, l’Associazione ZONA K partner del Centro di Residenza Artistica della Lombardia IntercettAzioni, Quarantasettezeroquattro ETS- In\Visible Cities Festival, l’Associazione Triangolo Scaleno / Festival Teatri di Vetro, l’Associazione IdeAgorà / Festival Mirabilia e NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, lanciano il presente bando per la selezione di n° 4 progetti di Residenza Digitale da svilupparsi nel corso dell’anno 2025.
L’intento è quello di stimolare gli artisti e le artiste delle performing arts all’esplorazione dello spazio digitale, come declinazione della loro ricerca autoriale.
Dovrà trattarsi di progettualità artistiche legate ai linguaggi della scena contemporanea e della performance, che nascano direttamente per l’ambiente digitale o che in esso trovino un ambito funzionale ed efficace all’esplicitarsi dell’idea artistica. A titolo di esempio: non si tratta di presentare percorsi di lettura o riprese video di testi o spettacoli esistenti o da farsi, bensì di concepire progetti artistici che abbiano nello spazio web il loro habitat ideale, indicandone le modalità di fruizione e interazione da parte dello spettatore, che può anche prevedere la compresenza di una dimensione dal vivo, affiancandola a quella digitale, che deve restare prevalente. Gli artisti/e partecipanti dovranno anche specificare se può risultare utile l’eventuale concessione di un periodo di residenza dal vivo, negli spazi gestiti dai partner dell’azione, o durante il periodo di ricerca (per registrazioni di materiali video, o altro), o nel periodo finale di allestimento. In ogni caso, tutti i progetti devono prevedere una restituzione on-line aperta al pubblico, da tenersi nel corso del mese di dicembre 2025.
Ciascuna delle 4 proposte vincitrici riceverà un contributo di residenza di 4.500 euro + iva + messa a disposizione dell’alloggio e di uno spazio di lavoro per l’eventuale periodo di residenza in presenza. Il compenso sarà pagato dietro la presentazione di regolare fattura.
I promotori del presente bando hanno individuato in Marcello Cualbu, Laura Gemini e Federica Patti, tre esperti nell’ambito della creazione digitale che, insieme con i curatori del progetto, saranno i tutor degli artisti/e durante lo sviluppo dei loro percorsi.
I lavori vincitori potranno avvalersi anche di altri contributi produttivi forniti da ulteriori soggetti dello spettacolo, ovvero non si richiede loro alcun vincolo di esclusiva per ciò che riguarda la produzione che resta nell’assoluta disponibilità gestionale degli artisti/e.
Gli artisti e le artiste interessati a partecipare alla selezione dovranno entrare nel portale www.ilsonar.it, selezionare le pagine relative al bando Residenze Digitali e compilare i campi richiesti dal modulo di partecipazione online. Verranno richiesti loro:
1) una presentazione dell’artista o della compagnia (massimo 1.000 battute);
2) una descrizione del progetto di Residenza Digitale che si intende realizzare, specificando un’ipotesi di cronoprogramma e indicando se è necessario un periodo di residenza dal vivo presso gli spazi gestiti dai partner dell’azione (massimo 2.500 battute);
3) l’indicazione di un partner tecnico (programmatore, webmaster, fornitore di specifico know-how) che supporti le necessità dell’opera;
4) un allegato di tipo non testuale che possa illustrare le modalità di realizzazione on-line previste e/o immaginate (video, audio, pdf, PowerPoint), che potrà essere caricato come allegato o fornito come link esterno;
5) disponibilità a un incontro in presenza da tenersi il 26 e 27 maggio 2025 a Milano, nella quale si riuniranno di persona tutti i partner del progetto, i tutor e gli artisti/e selezionati per il quale le spese di viaggio e ospitalità sono a carico dei partner del progetto;
6) disponibilità a partecipare a tutti gli incontri online che si terranno a cadenza mensile, da giugno fino a dicembre 2025 e poi a realizzare una prova aperta online del proprio lavoro, nel periodo di dicembre 2025 che verrà individuato in accordo tra partner del progetto e artisti/e.
Tutti i materiali sopra descritti dovranno essere caricati online entro le ore dodici (mezzogiorno) di giovedì 27 marzo 2025.
É possibile che gli organizzatori invitino alcuni degli artisti/e a un colloquio conoscitivo, da realizzarsi in videoconferenza, nel periodo 22-23 aprile, con i candidati/e che avranno superato la prima fase della selezione.
All’atto di invio dei propri materiali, le compagnie e gli artisti/e accettano implicitamente tutte le norme contenute nel presente bando.
Con il presente bando, si vuole sviluppare un dialogo sempre più ampio e fruttuoso tra spettacolo dal vivo e pensiero creativo applicato allo spazio digitale, esplorando opportunità di creazione che aprano nuove sfide formali e concettuali, producendo contenuti artistici innovativi e affiancando le forme consuete di fruizione dello spettacolo dal vivo.
Residenze Digitali 2025
Per la sesta edizione del bando, il centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT partner di R.A.M. Residenze Artistiche Marchigiane, l’Associazione ZONA K partner del Centro di Residenza Artistica della Lombardia IntercettAzioni, Quarantasettezeroquattro ETS- In\Visible Cities Festival, l’Associazione Triangolo Scaleno / Festival Teatri di Vetro, l’Associazione IdeAgorà / Festival Mirabilia e NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, lanciano il presente bando per la selezione di n° 4 progetti di Residenza Digitale da svilupparsi nel corso dell’anno 2025. I progetti vincitori avranno un momento di emersione e confronto con i pubblici all’interno de La Settimana delle Residenze Digitali che si terrà nel corso del mese di dicembre 2025.
A partire dal 2025, la rete IN SITU lancerà PLATFORM, un programma quadriennale per individuare e sostenere 200 artisti emergenti. Il programma propone una piattaforma di supporto innovativa ed efficiente per sviluppare creazioni artistiche a livello europeo in spazi pubblici e luoghi non convenzionali.
La nostra prima open call si rivolge a 65 artisti emergenti che lavorano in luoghi non convenzionali. Il modulo di candidatura sarà disponibile a partire dal 1° gennaio sulla pagina → https://www.in-situ.info/news/open-call-1 .
Consulta l’anteprima della Call #1
PLATFORM 2025 – 2028
IN SITU continua il suo viaggio Dal 2025 al 2028, la rete IN SITU lancerà PLATFORM, un programma quadriennale per identificare e sostenere 200 artisti emergenti che creano nello spazio pubblico e in luoghi non convenzionali in tutta Europa.
La rete è lieta di annunciare il continuo sostegno della Commissione europea, che segna due decenni di collaborazione e impegno comune.
Vuoi sapere di più su PLATFORM 25/28?
PLATFORM in breve
Coordinato da Lieux publics in stretta collaborazione con 20 partner, PLATFORM si estende dal 2025 al 2028 e propone un programma di sostegno innovativo ed efficiente per gli artisti emergenti al fine di sviluppare la creazione artistica a livello europeo nello spazio pubblico e in luoghi non convenzionali. Si tratta di un consorzio internazionale composto da un ente di coordinamento e da oltre 20 partner provenienti da 21 Paesi europei e non solo: Austria, Belgio, Repubblica Ceca, Polonia, Danimarca, Francia, Germania, Grecia, Ungheria, Italia, Kosovo, Paesi Bassi, Norvegia, Portogallo, Spagna, Tunisia ma anche Regno Unito, Stati Uniti, Burkina Faso, Corea del Sud e Cile.
Nel corso dei 4 anni del progetto saranno organizzati tre cicli, ognuno dei quali accoglierà e sosterrà attivamente 65 artisti selezionati attraverso bandi curati.
La prima parte di ogni ciclo offre a tutti gli artisti selezionati
un programma di preparazione e formazione online incentrato sulla creazione artistica nello spazio pubblico.
cinque laboratori immersivi per beneficiare dell’esperienza dei membri di IN SITU, lavorare con loro sui loro progetti artistici e connettersi con artisti e professionisti.
un programma peer to peer che si basa sulle conoscenze degli artisti IN SITU più esperti.
Dopo una seconda selezione, il secondo ciclo sostiene da 10 a 15 progetti dei 65 sostenuti nel primo ciclo con:
un percorso su misura di residenze e opportunità di diffusione.
una sovvenzione diretta alla produzione.
l’organizzazione di un IN SITU FOCUS che presenta gli artisti emergenti di IN SITU in occasione di festival internazionali in Spagna, Kosovo e Austria.
Dove siamo diretti?
Con il prossimo programma europeo, IN SITU si aprirà ulteriormente e la comunità di creazione artistica nello spazio pubblico si amplierà.
Un maggior numero di artisti viene supportato con la chiara visione di creare un collettivo che sostenga i valori di IN SITU.
La rete riunisce più partner, altre reti europee e professionisti in tutto il mondo, aumentando la fertilizzazione incrociata tra gli attori chiave del settore.
Con i suoi 20 anni di esperienza, la rete IN SITU offre una solida piattaforma per lo sviluppo delle carriere internazionali degli artisti emergenti. Un terreno fertile per imparare insieme, sperimentare e incontrare gli attori chiave nel campo delle arti nello spazio pubblico.
PARTNER IN SITU
Associazione Artopolis (Ungheria), Atelier 231 (Francia), Bildstorung (Germania), Bússola (Portogallo), Cielos del Infinito (Cile), CIFAS (Belgio), City of Weaves (Polonia), Collectif ACMUR – Rendez-vous chez nous (Burkina Faso), Čtyři Dny / Four Days (Repubblica Ceca), DARI Project (Corea del Sud), Dream City (Tunisia), Eyes Walk Festival (Grecia), FiraTàrrega (Spagna), Freedom Festival / Norfolk & Norwich Festival (Regno Unito), Flynn Center (Stati Uniti d’America), La Strada Graz (Austria), Lieux Publics (Francia), Metropolis – KIT (Danimarca), ODA Teatri (Kosovo), Oerol Festival (Paesi Bassi), Østfold Internasjonale Teater (Norvegia), Provinciaal Domein Dommelhof (Belgio), Teatro Di Sardegna (Italia), Zona K / BASE Milano (Italia).
ore 19:30 METABOLO II: ORYNTHIA di Valerie Tameu Dove: in presenza presso La Corte Ospitale di Rubiera (RE) e online (invio del link via email dopo l’acquisto del biglietto) Durata: 50′ – online: per 20 spettatori
Un rituale cyber-magico, in cui il movimento del corpo umano, quello di un biota acquatico e un software di intelligenza artificiale collaborano per dare vita a un’entità numerica, una figura ispirata alla leggenda della Mami Wata, divinità acquatica mutaforma dell’Africa occidentale ed equatoriale.
ore 21:00 SPAZIO LATENTE di Filippo Rosati Dove: su Twitch Durata: 50′ – per 50 spettatori
Un’esperienza digitale immersiva che porta il pubblico in un teatro anatomico virtuale dove l’innesto di un impianto cerebrale consentirà la modifica da parte del pubblico delle memorie del paziente, un lavoro che s’interroga sul rapporto tra tecnologia, arte e coscienza umana
VENERDÌ 29 NOVEMBRE ore 19:30 NON PLAYER HUMAN di Simone Arganini e Rocco Punghellini Dove: su Twitch Durata: 60′
Una performance interattiva che, attraverso la figura del “Non-Playable-Character”, porta in scena le tensioni esistenziali dell’essere umano, interrogandosi sulle dinamiche relazionali e di potere che si creano in presenza di un soggetto controllato in un contesto di live-stream.
ore 21:00 METABOLO II: ORYNTHIA di Valerie Tameu Dove: online (invio del link via email dopo l’acquisto del biglietto) Durata: 50′ – per 20 spettatori
SABATO 30 NOVEMBRE ore 18:30 RADIO PENTOTHAL di Ruggero Franceschini Dove: online (invio del link via email dopo l’acquisto del biglietto) Durata: 60′
Una radio ispirata dal personaggio di Andrea Pazienza e dalla storica Radio Alice, i cui contenuti sono generati da un programma di intelligenza artificiale addestrata con materiali della controcultura degli anni ‘70.
ore 21:00 NON PLAYER HUMAN di Simone Arganini e Rocco Punghellini Dove: su Twitch Durata: 60′
DOMENICA 1 DICEMBRE ore 18:30 RADIO PENTOTHAL di Ruggero Franceschini DOVE: online (invio del link via email dopo l’acquisto del biglietto) Durata: 60′
“La quinta edizione della Settimana delle Residenze Digitali porta all’attenzione di pubblico e operatori quattro artisti fortemente motivati a lavorare nello spazio digitale online, con progetti realizzati dal vivo che domandano allo spettatore una partecipazione relazionale e interattiva: sempre più il nostro lavoro si avvicina agli obiettivi che avevamo pensato quando lo abbiamo avviato nel 2020, ovvero aprire nel panorama teatrale e coreografico italiano uno spazio che prima non c’era” – dichiarano Lucia Franchi e Luca Ricci, direttori generali dell’Associazione CapoTrave/Kilowatt e coordinatori insieme ad Armunia del network Residenze Digitali.
Residenze Digitali nasce da un’idea del Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche, a cui si sono aggiunte quest’anno due nuove realtà: il Centro di produzione di danza e arti performative Fuorimargine, in Sardegna, e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia.
I 4 PROGETTI VINCITORI DI RESIDENZE DIGITALI 2024
Sono 4 le proposte vincitrici del Bando delle Residenze Digitali, progetto che si rivolge ad artiste e artisti delle performing arts per supportare l’esplorazione dello spazio digitale: Non Playable Human di Simone Arganini e Rocco Punghellini, esplora, sull’eco della performance Rythdi Marina Abramović, lo spazio fra individuo e NPC (“non-playable-character”- un personaggio programmato per eseguire specifici input, ma privo di arbitrio), in un dialogo da remoto di cui sono partecipi il performer, il pubblico e un mediatore. Radio Pentothal di Ruggero Franceschini è una stazione radio diffusa via web e onde radio, ispirata all’omonimo personaggio inventato dal disegnatore Andrea Pazienza e alimentata da un’intelligenza artificiale testuale che crea contenuti visionari e onirici ispirati agli anni ’70 italiani, a cui il pubblico può contribuire in diretta; Neuralink Theatre di Filippo Rosati / Umanesimo Artificiale ricerca il concetto speculativo di performatività per impianti cerebrali neurali, esplorando come il cervello percepisce e codifica le immagini. Speculando su nuove forme di interfacce neurali, gli spettatori vengono immersi in un ambiente virtuale che unisce storytelling, gameplay interattivo e stimolazione sensoriale; HydroSync (titolo provvisorio) di Valerie Tameu è un rituale cyber-magico in cui il movimento del corpo umano, quello di un biota acquatico e un software di intelligenza artificiale collaborano per dare vita a una figura digitale ispirata alla leggenda della Mami Wata, Dea dell’acqua mutaforma.
Ogni progetto riceve un contributo di residenza di 4.500 euro + iva, e la messa a disposizione dell’alloggio e di uno spazio di lavoro per l’eventuale periodo di residenza in presenza. Tutti i progetti prevedono una restituzione on-line aperta al pubblico durante la Settimana delle Residenze Digitali che si terrà dal 26 novembre al 1 dicembre.
Il processo di creazione artistica viene seguito dai partner di progetto e conta sulla collaborazione di tre tutor esperte della creazione digitale, a cui si aggiunge da quest’anno un quarto professionista: Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi, Federica Patti e Marcello Cualbu.Residenze Digitali nasce da un’idea del Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche, a cui si aggiungono quest’anno due nuove realtà: il Centro di produzione di danza e arti performative Fuorimargine, di Cagliari, e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia.
I PROGETTI SELEZIONATI
NON PLAYABLE HUMAN di SIMONE ARGANINI
La visione romantica di un eden immutabile, e la necessità di un rifugio esistenziale, oggi trovano per molti una risposta nell’ecosistema digitale: un mondo frammentato fatto di spazi programmati, parziali, in cui trovare la propria nicchia e realizzare le proprie fantasie. Spazi restituiti come esperienze narrative e di escapism, la cui bellezza risiede proprio nella loro alterità e limitatezza. Allo stesso tempo però, il digitale si manifesta oggi più che mai come una dimensione misteriosa e complessa.
Nel 2023, uno dei fenomeni virali più peculiari è stato quello dei “real-world NPCs”. Il termine NPC è preso in prestito dal gaming e significa “non-playable-character”, a indicare un personaggio programmato per eseguire specifiche task, ma privo di arbitrio. Questo parallelismo fra realtà e gaming, già osservato anni fa in forma di video-meme con gli “NPC Dialogues in real-life”, si è sviluppato a tal punto che oggi esistono gli NPC streamers, ovvero persone che eseguono prompt inviati dai follower in live-stream, in cambio di tokens, spesso con finalità erotiche o feticiste. Questo esempio, come altri, rivela il radicale cambiamento di paradigmi che stiamo continuamente sperimentando nella società post-digitale.
Sull’eco di Rhythm 0 di Marina Abramović, nell’era post-digitale il progetto propone un dialogo da remoto di cui saranno partecipi il performer, il pubblico e un mediatore. I temi saranno l’esplorazione dello spazio fra individuo e NPC, l’uso del prompting, il ruolo della mediazione, e la problematicità del posizionamento dell’io e del corpo nell’ecosistema virtuale.
Simone Arganini studia danza contemporanea con Manfredi Perego e musica elettronica al Conservatorio di Parma e di Vicenza. È danzatore e autore di performance, oltre a occuparsi di sound design, composizione e programmazione di dispositivi interattivi per spettacoli teatrali. È membro di CollettivO CineticO.
Rocco Punghellini è designer digitale e sviluppatore web freelance, con una passione per la tecnologia e per le sue implicazioni sociali. Si forma in comunicazione visiva presso il Politecnico di Milano e il Royal College of Art di Londra.
Radio Pentothal è una stazione radio interattiva diffusa via web e onde radio, alimentata da un’intelligenza artificiale testuale che crea contenuti visionari e onirici ispirati agli anni ’70 italiani, a cui il pubblico può contribuire in diretta. Questo progetto nasce da una libreria di famiglia, che è ferma a Bologna, 1977: le graphic novel di Andrea Pazienza o Max Capa (“L’Elefante a Rotelle”), la guida su come fare una radio clandestina, i saggi filosofici di Bifo, le registrazioni di Radio Alice (incluso il blitz della polizia trasmesso in diretta)…
La fertilità creativa della controcultura degli anni ’70 è un dataset prezioso per l’addestramento di un intelligenza artificiale testuale: un LLM, Large Language Model (simile a Chat GPT). Il LLM sarà addestrato con il supporto tecnico di un data scientist e sarà poi implementato in un’installazione leggera, mobile: un omaggio a Radio Alice. Il pubblico potrà creare in collaborazione con il LLM la propria trasmissione, scegliendo tra diverse categorie (radiodramma, poesia, canzone, radiogiornale…), e trasmetterla o condurla tramite microfoni. La performance sarà accessibile al pubblico online, o su frequenze radio. Prima e dopo la performance, la radio tornerà a trasmettere il cosiddetto “nastro continuo” (già utilizzato da Radio Alice), anch’esso creato precedentemente in collaborazione con il LLM. Pentothal è sia un personaggio inventato da Andrea Pazienza, che ritrasse perfettamente Bologna alla fine degli anni ’70, sia il “siero della verità”: ma cosa c’è di vero nelle informazioni che riceviamo?
Questa performance interattiva vuole ricercare come la collaborazione con l’intelligenza artificiale possa diventare una forma di resistenza alle manipolazioni del capitalismo della sorveglianza, con l’aiuto di una sciocca, lontana e distorta radio.
Ruggero Franceschini si diploma nel 2014 alla Scuola del Piccolo Teatro di Milano e lavora in teatro e al cinema con Luca Ronconi, Declan Donnellan, Pappi Corsicato, Federico Tiezzi, Giorgio Sangati, Rajeev Badhan, Francesca Merli, Hannah Hurtzig. Nel 2016 consegue la laurea triennale in Lettere Moderne presso l’Università degli Studi di Milano, nel 2019 prende la Laurea Magistrale alla CSM di Londra in Performance Design and Practice. Lavora come regista, sia in teatro che nello spazio pubblico, per TSV, MALTE, eunemesi (IT), switchoffthelight (TW), Momentum (AT) e LUIT (FR).
concept e regia: Ruggero Franceschini drammaturgia: Sonia Antinori, Ruggero Franceschini con: Alberto Baraghini, Angelo Callegarin, Paula Carrara, Claudia Gambino, Samantha Silvestri sound design: I Fidanzati della Morte set design: Kinga Kolaczko creative developer: Michele Cremaschi con il supporto di: MALTE, Sineglossa
NEURALINK THEATRE – PERFORMATIVITÀ PER IMPIANTI NEURALI di FILIPPO ROSATI / UMANESIMO ARTIFICIALE
In un mondo in cui i progressi tecnologici hanno ridefinito la nostra esistenza, il concetto tradizionale di teatro e performatività ha subito una trasformazione senza precedenti. In un futuro dove ogni individuo è dotato di impianti cerebrali neurali (es: Neuralink), si aprono le porte a nuove frontiere per l’espressione artistica e la narrazione immersiva. Come percepisce le immagini il nostro cervello? Come le codifica in esperienze? Cosa significa creare un’opera d’arte per impianti neurali? Che forma potrebbe avere?
“Neuralink theatre” invita gli spettatori a un viaggio oltre i limiti dello spazio fisico, superando le convenzioni del teatro tradizionale ed abbracciando tecnologia, arte e coscienza umana. Speculando su nuove forme di interfacce neurali, gli spettatori vengono immersi in una miscela dinamica di storytelling, gameplay interattivo e stimolazione sensoriale. La piattaforma online (spazio web 3D) funge da portale verso un mondo nuovo, fatto di esperienze progettate per affascinare i sensi e stimolare l’immaginazione. Ma oltre al semplice intrattenimento, “neuralink theatre” funge anche da piattaforma per esplorare domande profonde sulla natura della coscienza, sull’identità e sulle implicazioni etiche delle neurotecnologie emergenti. Essendo parte attiva dell’azione performativa, i partecipanti sono incoraggiati a contemplare le implicazioni di un mondo in cui i confini tra digitale e organico sono sempre più sfumati.
Filippo Rosati è fondatore di Umanesimo Artificiale, realtà che lavora con tecnologie esponenziali in campo artistico e opera in tutto il mondo dall’Italia, con una rete di partner europei. Umanesimo Artificiale nasce con l’intento di indagare cosa significa essere umani nell’era dell’intelligenza artificiale. Promuove il pensiero creativo-computazionale attraverso il canale delle arti digitali e dello spettacolo, e sensibilizza verso una relazione fertile tra artisti e nuove tecnologie.
concept e direzione artistica: Filippo RosatiR&D Umanesimo Artificiale produzione: operating system. studio
HYDROSYNC (titolo provvisorio) di VALERIE TAMEU
È un rituale cyber-magico, in cui il movimento del corpo umano, quello di un biota acquatico e un software di intelligenza artificiale collaborano per dare vita a una figura digitale ispirata alla leggenda della Mami Wata, dea dell’acqua mutaforma. Questa nuova entità ibrida, che unisce elementi umani e marini, si materializza durante la performance come un essere alieno, per poi trasformarsi in una presenza online attraverso un’applicazione web. L’AI può davvero cogliere la complessità del desiderio e dell’intenzione del movimento umano, o si limita al tracciamento spaziale del corpo, diventando testimonianza di un’interpretazione fallace?
Valerie Tameu è autrice e performer. Si laurea in studi di danza presso la Facoltà di Cinema, Spettacolo, Musica e Media di Torino. Dal 2019, crea e porta avanti i suoi progetti artistici in diversi contesti e realtà che spaziano dalla performance alle installazioni e ai progetti di ricerca, caratterizzati da un approccio ibrido e esplorativo. La sua ricerca riguarda il rapporto tra performance e identità, e la differenza tra memoria e immaginazione, mentre la sua pratica artistica fonde corporeità, idee, teorie e allucinazioni.
di e con: Valerie Tameu sound artist: Michele Mandrelli creative developer: Michele Cremaschi
BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini
Performance itinerante in cuffia | durata 120 min | in italiano adatto a un pubblico a partire dai 10 anni evento non accessibile a persone con mobilità ridotta
ATTENZIONE: PRIMA DI EFFETTUARE L’ACQUISTO DEI BIGLIETTI LEGGERE ATTENTAMENTE TUTTE LE INFORMAZIONI INERENTI ALLA PARTECIPAZIONE ELENCATE DI SEGUITO
Una mappa di parole e suoni, un disegno di luoghi e storie, un percorso audio a misura di cittadino, che attraversa Milano e unisce Parco Sempione a Villapizzone, Lambrate ai Navigli, Paolo Sarpi a Rimembranze di Greco.
Sono luoghi di crescita e di trasformazione, di memoria e proiezioni di futuro quelli che il pubblico è chiamato ad attraversare: alcuni solo evocati, altri realmente toccati dal percorso a piedi che il pubblico è chiamato a seguire.
In ogni luogo la cronaca e la storia di Milano incrociano le storie personali dei cittadini, così in una strada una targa ricorda uno scienziato mentre al civico 2 una ragazza entra nella casa che segna l’inizio della sua storia nella città; una piazza diventa un campo da calcio dove si gioca una partita tra vecchi e nuovi abitanti; una canzone ricorda un concerto annullato all’ultimo minuto e un titolo di giornale rimbalza tra gli anni della contestazione e l’omicidio nell’albergo proprio accanto a quel locale dove tutte le mattine si faceva colazione ai tempi dell’Università.
Lungo la strada, attraversata dal percorso chic e dal percorso radical, incontri inaspettati, soste improvvise e cambiamenti di rotta: un viaggio per Milano, ogni volta diverso, allo stesso tempo collettivo e individuale, dove perdersi tra passato, presente e futuro diventa un modo per scoprire quello che non sapevamo di conoscere.
COME PARTECIPARE
➤ La camminata ha una durata di circa 2 ore. Si consiglia di indossare scarpe e vestiti adatti alla camminata urbana e di portare con sé una bottiglia/borraccia d’acqua.
➤ Il ritrovo è 15 minuti prima dell’inizio della performance nella piazzetta di via Cesariano 8, lì riceverete le vostre cuffie wireless. ➤ Il luogo di arrivo è una sorpresa, ma sarà una fermata della metro o di un tram, o del passante ferroviario.
➤ NB: durante il percorso si prenderanno i mezzi pubblici, si prega di portare con sé un biglietto cartaceo ATM.
➤ La performance verrà annullata solo in caso di pioggia consistente; in caso di annullamento preventivo verrete avvisati telefonicamente.
La performance è realizzata in seguito a un laboratorio teatrale cominciato a Living Moneta e proseguito a ZONA K. “BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini” – ispirato al progetto dello Staatsschauspiel di Dresda – è uno spazio aperto al confronto per trasformare le riflessioni, le urgenze e le domande dei cittadini in linguaggio artistico e trovare così nuove forme di partecipazione attiva
Un progetto di ZONA K Performer, autori/autrici dei testi Massimo Amati, Eleonora Bedon, Emilia Bella, Francesco Cecinato, Francesca Gerli, Maria Teresa Gimelli, Paolo Grulla, Fabio Lastella, Elena Lerra, Xina Veronese, Sara Pennati, Daniela Petrillo, Irmtraut Tonndorf Drammaturgia e regia Federica Di Rosa Organizzazione e aiuto regia Leda Peccatori Editing audio Davide Stecconi Laboratorio a Living Moneta/Associazione Porta Moneta a cura di Miriam Selima Fieno, Nicola Di Chio Laboratorio a ZONA K a cura di Federica Di Rosa con Leda Peccatori costumi Tantrika Shop musiche originali Bruschetta Brothers Si ringrazia LibrOsteria, Ristorante Pizzeria Mediterraneo, Giardini In transito Lea Garofalo e Federico Antonello
Foto da Unsplash: Andrea Ferrario
Generazione gLocale – Focus Diritti
restituzione pubblica con cuffie audio WiFi | durata 60 min.
c/o Piazza IV Novembre – Antrodoco (Rieti) in caso di maltempo: Teatro Sant’Agostino – Piazza Martiri della Libertà, 5
Posti limitati – Partecipazione gratuita con prenotazione obbligatoria. Per info e prenotazioni (indicando nome e numero persone): 346 1276066
Un gruppo di adolescenti di Antrodoco. Una voce in cuffia che guida il Pubblico. Una restituzione pubblica per conoscere da vicino le nuove generazioni
I protagonisti di questa storia sarete voi, Pubblico, e noi, Attori. Una squadra sarà il riflesso dell’altra. Uno specchio, un incontro, una differenza.
Verrai a trovarci?
con Arianna Accili, Lorenzo Castrucci, Giorgia Chiuppi, Elisa Fainelli, Francesca Quintili, Lucia Sereni, Lara Petrelli; produzione ZONA K (Milano); drammaturgia e regia Andrea Ciommiento; assistenza alla regia Sathya Nardelli; ringraziamento a Elisa Guerrieri e Francesco Giangiacomo; coordinamento progettuale Federica Di Rosa; in collaborazione con il Comune di Comuni di Antrodoco-Borgo Velino-Castel Sant’Angelo; con il sostegno del Ministero per la Famiglia per il progetto “Educare Insieme“
Open Call per PLAYLIST PLAYLAST. The Impossible Karaoke
Certe canzoni ci appartengono più di altre. ‘PLAYLIST PLAYLAST. The Impossible Karaoke‘ è una performance partecipata, un rito collettivo che nasce da un sogno d’amore.
Oltre alle canzoni della nostra playlist abbiamo deciso di aggiungere 3 brani proposti dal pubblico.
Ecco come fare per proporre la tua canzone: – scegli una canzone che racconti l’amore o la fine di un amore
– allega un breve testo scritto che illustri il tuo legame con questo brano (max 10 righe, 600 battute spazi inclusi)
– indica se vuoi cantarla e raccontarne la storia tu (anche insieme agli amici) o se preferisci affidarla all’artista
– ascolta la playlist e preparati a cantare anche tutti i brani – a questo link.
– invia la tua proposta entro il 10 settembre a: giulia@micamera.com, segnalando nell’oggetto: “PLAYLIST PLAYLAST. The Impossible Karaoke”
Dal 15 settembre le canzoni selezionate saranno inserite nella playlist ufficiale.
132 lune, 2244 canzoni, 17 playlist, tre anni d’amore. Poi è tutto finito. Che cosa resta?
Gaia Giani racconta il suo sogno d’amore tra Milano e Tucson in una performance – karaoke nata per elaborare collettivamente la fine di un amore.
Tutto ha inizio dai 2244 brani suddivisi in 17 playlist create insieme all’ex compagno. Cosa farne? Giani non riesce più ad ascoltarle, ma nemmeno a liberarsene. Decide di iniziare a condividerle con le amiche, chiede loro di scegliere dei brani e nel giro di qualche tempo nasce una playlist delle playlist, elaborazione in musica dell’evoluzione amorosa.
Non resta che cantarle insieme: ecco PLAYLIST PLAYLAST. The Impossible Karaoke, performance collettiva per cantare un amore impossibile. L’obiettivo è riappropriarsi della musica, e cancellare le 17 playlist. Ciascun brano ha un perché e in una sorta di stand-up comedy Giani ripercorre il ‘metodo playlist’, lo struggimento, gli addii. PLAYLIST PLAYLAST. The Impossible Karaoke è una serata di canto e danza, rito collettivo, risate e pianti condivisi. Al tempo stesso è una riflessione sulla memoria, sugli archivi – di canzoni, foto, messaggi – che ci portiamo appresso, nei telefoni o negli hard disk, con il dilemma e a volte l’urgenza di archiviarli, lasciarli silenti o liberarcene.
Dopo una prima performance privata, questa seconda edizione è aperta e pensata per un pubblico più ampio. I partecipanti avranno la possibilità di suggerire un brano da aggiungere (e una storia da raccontare). Tra le proposte, due verranno inserite come bonus track nella playlist originale.
uno spettacolo di Gaia Giani, karaoke DJ Manga, con la partecipazione di The Beat Barons, un’idea sviluppata in collaborazione con Giulia Zorzi – Micamera
foto Gaia Giani
GAIA GIANI artista visiva, utilizza diversi linguaggi: video, fotografia, suono, performance. Centri tematici del suo lavoro sono il personale, le relazioni, il paesaggio e la memoria.
Realizza la performance sonora Die Wald Liste in collaborazione con la musicista Margareth Kammerer, premiere 29 settembre, parte di BAW (Bolzen Art WeeK) con l'associazione Lungomare Bolzano, all'interno di FLUX, a porte aperte ottobre 2023 da CLER, Milano. Nel 2022 Attraversare un corto ambientato nel Parco del Pollino in Basilicata, un sogno composto da memorie collettive e raccontato in albanese. Nel 2019 il corto in pellicola You Sleep Like a Stone, un unico piano sequenza di una camminata nel parco del Ticino. La zona oscura – L’età bambina (2017). Un documentario sul mistero dell’infanzia ambientato in una piccola scuola Montessori. Nel 2015 Solo un documentario su una coppia di danzatori francesi i Dupuy, in cui indaga la relazione tra vita e danza.
Corso di Teatro TAM TAM
TAM TAM è un’esperienza teatrale pensata per accompagnare bambine e bambini alla scoperta delle emozioni e della relazione con gli altri attraverso il gioco, il corpo e l’immaginazione.
Un’occasione unica per dare spazio alla fantasia, alla creatività e all’espressione di sé!
Quest’anno il tema è il “SE FOSSI…”: Se fossi una coccinella? Un albero? Un oggetto magico? Un modo divertente per esplorare la trasformazione e il cambiamento, stimolando il pensiero creativo e la capacità di mettersi nei panni dell’altro.
Durante il corso, bambine e bambini lavoreranno in gruppo con la guida di professionisti, e sperimenteranno anche discipline artistiche come movimento, musica e arte.
Alla fine del percorso, il gruppo presenterà un piccolo racconto scenico da condividere con adulti e amici, un momento speciale per celebrare insieme il viaggio teatrale fatto insieme.
PROVA GRATUITA SU PRENOTAZIONE OBBLIGATORIA È possibile partecipare gratuitamente a una lezione di prova lunedì 29 settembre, solo su prenotazione. I posti sono limitati.
Chi non riuscisse a partecipare il 29 settembre potrà richiedere un’altra prova gratuita solo se il gruppo non avrà raggiunto il numero massimo di partecipanti, e comunque non oltre lunedì 27 ottobre.
Le lezioni si svolgono sempre il lunedì per la fascia d’età 6 – 7 anni, e il martedì per la fascia 8 – 10 anni; in entrambi i giorni l’orario è dalle 17.15 alle 18.15. Il corso è annuale e prevede 28 appuntamenti totali compresa la prima lezione di prova e si attiva al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti. È previsto un numero massimo di partecipanti. Le iscrizioni verranno registrate in base all’ordine di arrivo dei moduli con relative ricevute di pagamento.
Costo € 470,00.
Agevolazioni:
– 15% per iscrizione entro il 15 settembre pagamento in unica rata; – 10% per iscrizione pagamento unica rata; – 5% per iscrizione secondogeniti e iscritti anno precedente pagamento in due rate Gli sconti non sono cumulabili.
Teatro e non solo!
Hai tra gli 11 e i 14 anni? Partecipa a Teatro e non solo!
Perché questo corso è… teatro + audio + video+ esplorazione + invenzione + linguaggi della scena e costruiremo insieme una performance multidisciplinare.
Il titolo del corso Teatro e non solo! quest’anno è Isola Clip, un punto di vista speciale per raccontare il quartiere: un palazzo, una panchina, il marciapiede, una finestra, un cartello stradale…
Scegli il tuo sguardo sulla città e fallo parlare attraverso audio, video, musica, suoni, parole, azione performativa. Trasforma l’Isola in tante clip!
Teatro e non solo! è un percorso teatrale che utilizza strumenti che conosci (smartphone, programmi di montaggio audio e video) per sperimentare il tuo punto di vista e la tua immaginazione in un’esperienza artistica collettiva.
.
.
PROVA GRATUITA SU PRENOTAZIONE OBBLIGATORIA E’ possibile partecipare gratuitamente a una lezione di prova martedì 1 o 8 ottobre prenotando il proprio posto scrivendoci aorganizzazione@zonak.it o chiamandoci allo 02.97378443. Il numero dei partecipanti è limitato.
.
Le lezioni si svolgono sempre il martedì con orario dalle 14.30 alle 15.30.
Il corso è annuale e prevede 28 appuntamenti totali compresa la lezione di prova e si attiva al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti.
Il corso è annuale e prevede 28 appuntamenti totali compresa la lezione di prova e si attiva al raggiungimento del numero minimo dei partecipanti. È previsto un numero massimo di partecipanti. Le iscrizioni verranno registrate in base all’ordine di arrivo dei moduli con relative ricevute di pagamento.
Costo € 470,00.
Agevolazioni:
– 15% per iscrizione entro il 15 settembre pagamento in unica rata;
– 10% per iscrizione pagamento unica rata;
– 5% per iscrizione secondogeniti e iscritti anno precedente pagamento in due rate Gli sconti non sono cumulabili.
Per facilitare la logistica e la fruizione del corso, durante l’anno le ragazze e i ragazzi che parteciperanno al corso potranno, usciti da scuola, pranzare al sacco direttamente in ZONA K.
Moni Wespi (CH/BE)
performance partecipata | durata 60 min c/o Parco Wanda Osiris, via Veglia, Milano
Moni Wespi prosegue la ricerca, iniziata nel 2014 con il progetto Moving Portraits, sul rapporto tra l’umano e il paesaggio, sulle nostre identità e l’ambiente che ci circonda. Questa volta la ricerca si indirizza verso i bambini, sui movimenti che compiono quando giocano, su come si relazionano e si confondono con l’ambiente.
Piccoli performer, di età compresa tra i 4 e i 9 anni, indossano costumi realizzati con tessuti prodotti appositamente che, grazie ai loro colori e alle loro trame, sembrano muri di mattoni, pietre o erba: i corpi si mimetizzano diventando paesaggio, e anche i loro movimenti si adattano, rallentano.
Potete decidere se limitarvi a guardare o partecipare attivamente in- dossando cuffie e un costume, per riflettere semplicemente su ciò che vi circonda e sul vostro corpo. In questo modo, anche voi arriverete nel vostro “paesaggio”, molto lentamente.
un progetto di Moni Wespi, con il gruppo di bambine e bambini del pubblico
MONI WESPI è una coreografa, art director e visual designer internazionale. Nella sua pratica coreografica, crea immagini attraverso scelte scenografiche radicali, combinate con la sua ricerca sul movimento. Nel 2007, Wespi ha fondato la compagnia LOUTOP, con la quale ha creato un progetto scenico completamente nuovo e innovativo, che è stato in tournée internazionale 2007-2014 (250 spettacoli). Nel 2010 Monika Wespi ha ricevuto il premio “GRANT” di Zurigo per il suo lavoro con Loutop. Nel 2011 è entrata a far parte del collettivo “Asphalt Piloten”, una compagnia artistica aperta e pluripremiata di artisti scatenati provenienti da diversi contesti artistici e geografici.
Dal 2014 ha ampliato la sua carriera artistica con collaborazioni internazionali. Il progetto coreografico di visual art MOVING PORTRAIT è nato dalla collaborazione con la videoartista Lucia Gerhardt. Presentato ed esposto come video installazioni. Dal 2019 il progetto inizia ad assumere forme performative e interattive, dove il pubblico prende il posto del performer, come MOVING BLING e STEP IN SET. Moni Wespi lavora con un approccio multidisciplinare, elaborando concetti visivi per performer, musicisti, fashion designer e partecipando alla creazione e definizione del loro linguaggio/identità visiva, sviluppando costumi/scenografie e supportando video, fotografie e progetti scenici.
con il contributo di
MAPPE: IL VALORE DEL PAESAGGIO TRA TEATRO, NATURA E ARTIFICIO
Incontro | partecipazione gratuita c/o Biblioteca Comunale di Bollate, Via Carlo Alberto dalla Chiesa 30
Archivio di segni, palinsesto di tracce, il paesaggio sfugge a una definizione univoca. Al limite tra città e campagna, tra naturale e artificiale, all’incrocio tra teatro e rito sociale, tra comunità umane e non umane, il progetto Paesaggi condivisi è l’occasione per discutere alcune questioni nodali che riguardano il rapporto tra gli spazi e l’abitare. E, a partire dal teatro, esplorare nuovi modi di guardare al proprio territorio e al suo valore.
A cura e con Francesca Serrazanetti (Politecnico di Milano / Stratagemmi) e Emanuele Regi (Dottorando Università di Bologna) in dialogo con Arch. Giuseppe Brollo, Prof Antonio Longo (Politecnico di Milano), Ente Parco delle Groane.
Incontro ingresso gratuito prenotazione obbligatoria: clicca qui ➝ piccoloteatro.org c/o Chiostro Chiostro Nina Vinchi via Rovello 2, Milano
Quella tra teatro e paesaggio è una relazione antica ma soggetta a continue reinvenzioni. Dentro e fuori la città, l’invisibile si fa evidente davanti allo sguardo dello spettatore, orientato dalla lente dell’arte. Il progetto Paesaggi condivisioffre una panoramica di possibilità e visioni nel porre il paesaggio come soggetto del teatro, nel superamento della convenzionale relazione palco-platea. In dialogo con artiste e artisti coinvolti, l’incontro approfondisce i processi di avvicinamento alla creazione artistica nella relazione tra spazio e dispositivi performativi, tra costruzione di comunità e di un’idea europea, condivisa, di paesaggio.
A cura di e con Francesca Serrazanetti (Politecnico di Milano / Stratagemmi) e Emanuele Regi (Dottorando Università di Bologna) in dialogo con i curatori artistici del progetto Paesaggi Condivisi Stefan Kaegi e Caroline Barneaud e alcuni degli artisti coinvolti.
ATTENZIONE: PRIMA DI EFFETTUARE L’ACQUISTO DEI BIGLIETTI LEGGERE ATTENTAMENTE TUTTE LE INFORMAZIONI INERENTI ALLA PARTECIPAZIONE ELENCATE DI SEGUITO
Una mappa di parole e suoni, un disegno di luoghi e storie, un percorso audio a misura di cittadino, che attraversa Milano e unisce Parco Sempione a Villapizzone, Lambrate ai Navigli, Paolo Sarpi a Rimembranze di Greco.
Sono luoghi di crescita e di trasformazione, di memoria e proiezioni di futuro quelli che il pubblico è chiamato ad attraversare: alcuni solo evocati, altri realmente toccati dal percorso a piedi che il pubblico è chiamato a seguire.
In ogni luogo la cronaca e la storia di Milano incrociano le storie personali dei cittadini, così in una strada una targa ricorda uno scienziato mentre al civico 2 una ragazza entra nella casa che segna l’inizio della sua storia nella città; una piazza diventa un campo da calcio dove si gioca una partita tra vecchi e nuovi abitanti; una canzone ricorda un concerto annullato all’ultimo minuto e un titolo di giornale rimbalza tra gli anni della contestazione e l’omicidio nell’albergo proprio accanto a quel locale dove tutte le mattine si faceva colazione ai tempi dell’Università.
Lungo la strada, attraversata dal percorso chic e dal percorso radical, incontri inaspettati, soste improvvise e cambiamenti di rotta: un viaggio per Milano, ogni volta diverso, allo stesso tempo collettivo e individuale, dove perdersi tra passato, presente e futuro diventa un modo per scoprire quello che non sapevamo di conoscere.
COME PARTECIPARE
➤ La camminata ha una durata di circa 2 ore. Si consiglia di indossare scarpe e vestiti adatti alla camminata urbana e di portare con sé una bottiglia/borraccia d’acqua.
➤ Il ritrovo è 15 minuti prima dell’inizio della performance nella piazzetta di via Cesariano 8, lì riceverete le vostre cuffie wireless. ➤ Il luogo di arrivo è una sorpresa, ma sarà una fermata della metro o di un tram, o del passante ferroviario.
➤ NB: durante il percorso si prenderanno i mezzi pubblici, si prega di portare con sé un biglietto cartaceo ATM.
➤ La performance verrà annullata solo in caso di pioggia consistente; in caso di annullamento preventivo verrete avvisati telefonicamente.
La performance è realizzata in seguito a un laboratorio teatrale cominciato a Living Moneta e proseguito a ZONA K. “BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini” – ispirato al progetto dello Staatsschauspiel di Dresda – è uno spazio aperto al confronto per trasformare le riflessioni, le urgenze e le domande dei cittadini in linguaggio artistico e trovare così nuove forme di partecipazione attiva
Un progetto di ZONA K Performer, autori/autrici dei testi Massimo Amati, Eleonora Bedon, Emilia Bella, Francesco Cecinato, Francesca Gerli, Maria Teresa Gimelli, Paolo Grulla, Fabio Lastella, Elena Lerra, Xina Veronese, Sara Pennati, Daniela Petrillo, Irmtraut Tonndorf Drammaturgia e regia Federica Di Rosa Organizzazione e aiuto regia Leda Peccatori Editing audio Davide Stecconi Laboratorio a Living Moneta/Associazione Porta Moneta a cura di Miriam Selima Fieno, Nicola Di Chio Laboratorio a ZONA K a cura di Federica Di Rosa con Leda Peccatori costumi Tantrika Shop musiche originali Bruschetta Brothers Si ringrazia LibrOsteria, Ristorante Pizzeria Mediterraneo, Giardini In transito Lea Garofalo e Federico Antonello
Coreografi e danzatori italiani, una con disabilità e l’altro no, esplorano insieme la nozione di “corpo politico” da più di dieci anni. Per Paesaggi condivisi offrono al pubblico un picnic inconsueto, nel quale il paesaggio è tanto condiviso quanto inaccessibile. Clicca sulla foto per approfondire.
El Conde de Torrefiel Il collettivo spagnolo composto da Tanya Beyeler e Pablo Gisbert mette solitamente in scena spettacoli in cui dialogano testi e “tableaux vivants”, ponendo la lettura al centro del dispositivo. Per Paesaggi condivisi il duo propone ai partecipanti un paesaggio “sottotitolato”: su uno schermo led immerso nell’ambiente naturale scorre un testo che gli spettatori sono invitati a leggere collettivamente – insieme al paesaggio circostante – per analizzare, decostruire e reinterpretare le nostre rappresentazioni della natura. Clicca sulla foto per approfondire.
Dal 2006, il duo di artisti e coreografi portoghesi ha sviluppato un linguaggio coreografico che combina movimento, linguaggio e suono. Per Paesaggi condivisi il duo ha creato una composizione sonora che guida e coordina due gruppi di spettatori attraverso la foresta, in una specie di pas de deux che mette in discussione i legami tra uomo e natura. Testi, canzoni e paesaggi sonori danno forma a una nuova geometria dello spazio da condividere con gli altri partecipanti. Clicca sulla foto per approfondire.
foto di Luca Del Pia
Antonio Tagliarini Autore, regista e performer. I primi amori, e di conseguenza la sua formazione, sono la danza contemporanea e la performing art, che segnano profondamente il rapporto dell’artista con l’arte scenica. Comincia poi a studiare e approfondire l’arte più strettamente teatrale. È autore e interprete di diversi spettacoli e performance che presenta in festival italiani e internazionali.
Begüm Erciyas, artista turco-belga, e Daniel Kötter, regista tedesco, creano mondi intimi, ibridi e sfaccettati con l’aiuto di diversi media e tecnologie. In Paesaggi condivisi propongono ai partecipanti di indossare visori VR per immergersi in un paesaggio svuotato di ogni presenza umana e lasciato alla mercé dello sfruttamento economico. Gli spettatori diventano invisibili gli uni agli altri e fanno un’esperienza intima e collettiva al contempo. Clicca sulla foto per approfondire.
Regista svizzero del collettivo tedesco Rimini Protokoll, crea solitamente progetti inusuali per lo spazio urbano. In Paesaggi condivisi invita i partecipanti a sdraiarsi sotto gli alberi, con il viso rivolto verso le chiome: una conversazione registrata da ascoltare in cuffia li guiderà in un’esperienza sonora immersiva che inverte le prospettive. Clicca sulla foto per approfondire.
foto di Sergio Bertani
Riccardo Tabilio
Autore teatrale, regista e sound designer, lavora con realtà affermate del teatro partecipato e documentario in Italia e all’estero. È autore di molti spettacoli performativi di Kepler-452 (Lapsus Urbano; Consegne; Gli Altri; Album), ha scritto per registi come Silvio Peroni (QAnon Revolution) e per Rimini Protokoll e ZONA K nel progetto Fase Nove. Collabora tra gli altri con 4704, Karakorum Teatro, Teatro della Cooperativa. Nel 2021 il suo Leviatano è stato vincitore del premio NDN di Idra.
Compositore e artista americano che vive a Berlino, nel suo lavoro esplora la natura performativa e socio-politica della musica insieme a musicisti di ogni estrazione e provenienza. Per Paesaggi condivisi ha accolto la sfida di comporre per il territorio. Le sue composizioni musicali, interpretate da artisti locali, accompagnano l’intero cammino disegnando vibranti cartografie sonore dello spazio. Clicca sulla foto per approfondire.
Regista francese, indaga e raccoglie archivi e materiale documentario che elabora nelle sue opere teatrali, nelle sue installazioni e nei suoi film. Per Paesaggi condivisi ha raccolto le parole di esperti – un avvocato ambientalista, un agricoltore, un tecnico bio-acustico - che saranno portate al pubblico da alcuni performer e una macchina agricola, invitandolo ad esplorare i legami tra scienza, tecnologia, economia e paesaggio. Clicca sulla foto per approfondire.
LA FRUIZIONE DELL’AUDIO AVVIENE DAL PROPRIO SMARTPHONE, PRESENTARSI CON CARICA AL MASSIMO E MUNITI DELLE PROPRIE CUFFIE
Ant Hampton presenta il primo di una nuova serie di “libri dal vivo” – Time Based Editions – in cui fotografie e audio conducono in un viaggio attraverso le pagine intrecciando Storia, autobiografia, letteratura e un’indagine urgente sulle atrocità nascoste perpetuate ai margini dell’Europa.
Borderline Visible inizia come un récit de voyage, un viaggio da Losanna a Smirne intrapreso da due artisti e amici. In Grecia, problemi di salute costringono una di loro a fermarsi, mentre l’altro prosegue verso la Turchia, restando improvvisamente solo. La narrazione si trasforma in una psico-geografia commovente e travagliata. Passando dal “noi” all’”io”, dal presente al passato, dal personale al politico, Ant Hampton tenta di dare valore e significato alle rovine fin troppo umane dell’ambizione, della storia e del linguaggio. L’attento processo di ricomposizione, porta gradualmente alla luce una costellazione complessa di storia ebraica, fine dell’Impero Ottomano e diaspore sefardite, voci, terremoti, turismo e migrazioni forzate, salute mentale e demenza, rondoni, rondini e La terra desolata di TS Eliot.
Che differenza c’è tra viverlo collettivamente e farlo da soli?
In parte è la stessa differenza che c’è tra vedere un film a casa o al cinema con altri. Soprattutto quando, come in questo caso, il materiale e la storia arrivano a un punto in cui la testimonianza collettiva si sente necessaria. Ma con un “libro dal vivo” di Time Based Editions non stiamo semplicemente guardando un film. Diventiamo consapevoli del movimento che ci circonda: un’eco coreografica del nostro stesso sfogliare le pagine; dita che tracciano linee insieme, un libro che viene capovolto in sicrono con gli altri. Con questa consapevolezza la nostra attenzione si distoglie dall’immagine e dalla rappresentazione per concentrarsi sul libro come oggetto materiale e sul nostro rapporto incarnato con esso. A volte la richiesta di “chiudere gli occhi” non è presente nella versione collettiva. Al contrario, la luce può affievolirsi o scomparire del tutto, lasciandoci momentaneamente con i libri nell’oscurità mentre il suono continua.
Di Ant Hampton Feedback David Bergé Progettazione del libro Roland Brauchli Basato su un progetto ideato con Rita PaulsMusicPerila, Oren Ambarchi Grazie a Pieter Ampe, Giorgos Antoniou, Sae Bosco e Samos Volunteers, Yannick Christian, Hani Dunia, Effi & Amir, Tim Etchells, Katy Fallon, Martin Hampton, Britt Hatzius, Leo Kay, LAPS, Camille Louis, Eva Neklyaeva, Beyhan Onur, Anelka Tavares, Prodromos Tsinikoris, Giulia de Vecchi, Anny Y
TIME BASED EDITIONS è un marchio di Photographic Expanded Publishing Athens creato con il supporto di The Resonance Foundation (Los Angeles) Bimeras (Istanbul / Berlin) Théâtre Vidy (Lausanne) Sostegno alla ricerca e ai prototipi Lita House of Production and Kundura Stage (Istanbul) National Theatre of Northern Greece (Thessaloniki).
Ant Hampton è un artista tedesco-britannico che crea performance basate sulla tensione tra fotogrammi fissi e interpretazioni variabili. Da più di 20 anni sviluppa situazioni che riuniscono diversi artisti per creare performance inaspettate. Già nel 1999 invitava artisti, ogni volta diversi e spesso “non professionisti”, a seguire istruzioni in pubblico senza alcuna preparazione preventiva. Successivamente, questo approccio si espanse fino a includere il pubblico stesso, un filone di lavoro che divenne noto come Autoteatro. Oggi sono 10 gli spettacoli della serie Autoteatro in tournée nel mondo, in oltre 60 versioni linguistiche diverse. Ant Hampton collabora spesso con altri artisti tra cui Tim Etchells, Christophe Meierhans, Britt Hatzius, Gert-Jan Stam, Ivana Müller, Anna Rispoli e Rita Pauls.
In collaborazione con
Con l’animale di Numero23Prod – Massimo Furlan and Claire de Ribaupierre
In residenza dal 28 novembre all’8 dicembre 2023
La loro ricerca artistica pone l’attenzione sulle relazioni tra la natura e i suoi abitanti: chi sono i protagonisti, come interagiscono, come si influenzano a vicenda ed evolvono nello stesso tempo e nello stesso luogo. La raccolta delle testimonianze si trasformerà in un testo teatrale.
Oggi ci accorgiamo sempre più spesso che stiamo trascurando le conoscenze ancestrali, basate su un equilibrio tra ciò che prendiamo dalla natura e ciò che le lasciamo il tempo di ricostituire. Se non conosciamo più l’ambiente, lo stiamo trascurando e se ne prendiamo troppo, lo stiamo distruggendo. Senza la conoscenza dell’intelligenza di ciò che ci circonda, distruggiamo noi stessi.
Unancha di Ismael Pacheco Condoy
In residenza dal 24 ottobre al 5 novembre 2023
Un progetto musicale multidisciplinare che intende sperimentare e creare un primo live audio-visivo.
Le sperimentazioni toccano il tema del futurismo indigeno o futurismo andino.
Oltre ogni limite, ovvero del vivere quotidiano di Teatro dei Borgia
In residenza dal 15 al 22 settembre 2023
“Un limite, un confine o una frontiera sono delle linee reali o simboliche in cui contatto e conflitto si avvicendano, oppure coesistono. Dove il confine divide? E dove, invece, unisce? Un confine può essere politico e rappresentare uno strumento di esercizio del potere; oppure simbolico, con l’intento di escludere. Ma quando il confine si fa inclusivo?” Questo lavoro intende indagare la volontà di andare a vedere cosa c’è oltre, al di là di un confine, di studiare da un punto di vista storico e antropologico quali sono le situazioni in cui il confine, da essere schierato, diventa neutrale. Un progetto interdisciplinare di formazione, ricerca e produzione artistica focalizzato sul dialogo e lo scambio tra Pratiche e Saperi, teso alla scoperta di punti di congiunzione tra teatro d’arte, sociologia, antropologia, politica e alterità.
Walking Landscape di Moni Wespi
In residenza nei periodi 5 giugno + 2 – 6 luglio + 14 – 20 dicembre 2023
Walking Landscapes è il nuovo progetto che Moni Wespi intende esplorare insieme nel programma di residenza a ZONA K.
Moni prosegue la ricerca, iniziata nel 2014 con il progetto Moving Portraits, sul rapporto tra l’umano e il paesaggio, sulle nostre identità e l’ambiente che ci circonda e sulla lentezza, sul concetto di rallentamento attraverso la pratica del micromovimento. Walking Landscapes vuole essere un’opera site specific e partecipata, rivolta a un quartiere e i suoi cittadini: con stampe fotografiche su stoffa Moni Wespi realizzerà costumi che riproducano porzioni degli spazi urbani scelti.
Un progetto di Moni Wespi in collaborazione con Noemi Bresciani, Marco De Meo e Fiorenza Auriemma
Direzioni possibili di Silvia Rigon
In residenza dal 2 al 14 maggio + 18 maggio 2023 Restituzione pubblica 18 maggio 2023
Si tratta di una residenza di ricerca incentrata su cosa significhi direzione artistica.
Durante il periodo di studio si vuole esplorare il rapporto tra curatela e direzione artistica attraverso il confronto con figure che ricoprono o hanno ricoperto il ruolo. La finalità è esplorare quali sono le possibilità, le direzioni e le forme che il settore dello spettacolo dal vivo potrà prendere in futuro con un’attenzione particolare ai rapporti con gli altri Paesi dell’Unione Europea e del mondo.
Nel concreto l’artista in residenza organizza delle videoconferenze pubbliche con alcune figure significative attivando un confronto attivo e ragionato che abbraccia varie sfaccettature del ruolo.
DANIELA di Giulia Scotti
In residenza dal 27 febbraio al 12 marzo + 30 settembre 2023
Ho iniziato a scrivere questo testo a febbraio del 2021, l’ho finito a dicembre dello stesso anno. All’inizio credevo di stare scrivendo la sceneggiatura per un fumetto perché l’anno prima avevo disegnato e scritto il mio primo fumetto e mi era stato detto che era un buon lavoro e che avrei dovuto iniziare a pensare ad una nuova storia.
Ho iniziato a scrivere questo testo, per scene, come faccio sempre. Non mi sono imposta una forma, perciò le scene sono venute lunghe, molto scritte. Quando sono arrivata alla fine del testo, non sapevo cosa fosse: era troppo scritto per essere un fumetto, troppo corto per essere un romanzo, troppo narrativo per essere una drammaturgia. Ad oggi non escludo nessuno di questi esiti.
testo e regia Giulia Scotti consulenza Alessandra Ventrella
Tolja Djokovic (IT)
performance per 25 spettatori c/o case private del quartiere Isola e ZONA K qui sotto trovi il dettaglio su episodi, orari e accessibilità
A più voci (Quaderno proibito) è una performance teatrale in quattro episodi, ognuno dei quali si svolge in una casa privata o in uno spazio non teatrale e ruota intorno al tema delle relazioni tra lavoro domestico e creatività. Ciascun episodio affronta un tema specifico e le case private, scelte come luogo delle performance, diventano elementi fondamentali del racconto, trasformandosi in spazi aperti e visitati da estranei.
Co-prodotto da E Production, Periferico Festival e ZONA K, A più voci (Quaderno proibito) è un progetto speciale realizzato dalla drammaturga Tolja Djokovic che ha visto il coinvolgimento di un’ampia comunità di donne della città di Modena, dove si è svolto un laboratorio partecipato a partire da giugno, e che si nutre altresì del contributo di altre donne delle città dove viene messo in scena.
Ogni episodio della serie è unico e si sviluppa sulla base delle esperienze e delle storie condivise durante gli incontri del laboratorio. Il risultato è un processo corale che si interroga sul lavoro domestico e sulle forme in cui l’arte si manifesta, cercando nuove prospettive sul ruolo delle donne nella società e sulla definizione della donna artista. A più voci (Quaderno proibito) riflette sui concetti di casa e di lavoro domestico che possono essere vissuti come fonte di dolore e frustrazione ma anche come serbatoi di capacità, energia e vitalità.
Un progetto di Tolja Djokovic in dialogo con Serena Terranova / Collettivo Amigdala realizzato con la partecipazione di Simona Biagi, Anna Chiara Nicolussi, Giulia Matzé, Gabriella Tritta, Paula Nolff, Teresa Righi Riva, Nicoletta Rinaldi, Teodora Grano, Elena De Simone, Teresa Mazzanti, Maria Chiara Vigiano, Chiara Ricci, Emilia Bergamini, Roberta Dell’Oste, Valentina Piro, Gloria Dagnino, Elena Gargaglia, Luisa Motta, Irmtraut Tondorf, Xina Veronese, Elena Lerra, Emilia Bella, Francesca Gerli, Angela Ruggeri progetto grafico Inner Room, Sanctuary, Economy Fabrizio Goglia produzione E Production, Periferico Festival, ZONA K
foto di Davide Piferi De Simoni
DETTAGLIO EPISODI, ORARI E ACCESSIBILITÀ
INNER ROOM, ZONA K – durata 15’ PRIVACY, casa privata – durata 15’ ECONOMY, casa privata – durata 60’ SANCTUARY, ZONA K – durata 30’ ► Il biglietto è cumulativo e comprende 3 episodi per ogni replica
🗓️ venerdì 13 dicembre ore 19.00 – 21.30 ore 19.00 EPISODIO SANCTUARY dalle ore 19.30 EPISODIO INNER ROOM (ingresso a rotazione) ore 20.30 EPISODIO PRIVACY (ingresso a rotazione)
🗓️ sabato 14 dicembre ore 18.00 – 21.30 dalle ore 18.00 EPISODIO INNER ROOM (ingresso a rotazione) dalle 18.00 EPISODIO PRIVACY (ingresso a rotazione) ore 20.30 EPISODIO ECONOMY
► A più voci (quaderno proibito) è una performance per 25 spettatori costruita come una serie itinerante di episodi distinti, ambientati tra gli spazi di ZONA K e alcune case private del quartiere Isola. Lo spettacolo prevede alcune pause intermedie tra un episodio e l’altro, con la possibilità di consumare un leggero rinfresco a ZONA K. ► È prevista interazione del pubblico durante gli episodi della performance.
APPROFONDIMENTO
Il progetto trae ispirazione dalle opere di scrittrici che hanno saputo conciliare la loro pratica creativa con le attività casalinghe o che hanno esplorato nelle loro opere il rapporto tra casa e creatività, come Margaret Oliphant, che in epoca vittoriana scriveva per mantenere la sua famiglia numerosa, Marlene Haushofer, che componeva i suoi testi al tavolo della cucina mentre i figli dormivano, Alba De Cespedes, che ha riflettuto e scritto sulla libertà dal mondo domestico, Louisa May Alcott, che intreccia la sua esperienza di vita domestica con il femminismo, Ursula Le Guin, che ha messo a tema il nesso tra i sacchetti della spesa e la scrittura, Charlotte Perkins Gilliams, che ha rilevato le relazioni tra lavoro domestico ed economia capitalista.
Tolja Djokovic è cresciuta a Roma ma vive a Milano. Laureata in Filologia e letteratura italiana con una tesi di ricerca sulla lettura ad alta voce del testo poetico, lavora in teatro come attrice e autrice dal 2009. Nel 2018 partecipa al Corso di Perfezionamento Dramaturg internazionale della Scuola di Teatro Iolanda Gazzarro di ERT. Nel 2019 fonda la compagnia tostacarusa per cui è drammturga e regista. Nel 2021 partecipa alla scrittura di Per la città dolente, produzione Teatro Metastasio, con la regia di Roberto Latini. Nel 2022 è presente alla Biennale Teatro di Venezia con il testo En Abyme con la regia di Fabiana Iacozzilli. Nel 2023 vince il 57esimo Premio Riccione per il Teatro con il testo Lucia camminava.
Giulia Scotti (IT)
spettacolo | durata 60 min.
c/o ZONA K
“Nella mia famiglia ci sono storie che non vengono raccontate nella convinzione che quello che non si dice non si saprà mai. Della storia di mia zia nessuno ha mai detto niente a me e a mio fratello, quello che sapevamo era che mio padre aveva tre sorelle e che adesso noi abbiamo due zie e che pertanto una delle tre non era più viva, Daniela. Non ho ricordi di lei da viva, ne di noi due insieme. C’è una sua fotografia, quella sì la ricordo, non mi è mai piaciuta, è un po’ sgranata, un po’ anonima, e la faccia di mia zia è gialla, o almeno così mi sembrava quando la guardavo da bambina. E’ la foto che si consegna agli amici e ai parenti il giorno del funerale. Quando è morta nessuno me lo ha detto. Ho un’immagine di quel pomeriggio. Sto camminando per la casa, mi fermo davanti al bagno dei miei genitori, ho come un presentimento. La porta è semi aperta, io guardo dentro: c’è mio padre, in piedi, con le braccia lunghe, tese, appoggiate al lavandino, sta piangendo, piange disperato, trema, si scuote, ma senza fare rumore. Ricordo di essermi preoccupata perché non avevo mai visto mio padre piangere. Sono cresciuta e non ci ho più pensato: mia zia era morta e la morte fa venire tristezza, per questo, immaginavo, nessuno ne parlava mai. Poi un giorno, avevo venticinque anni, mio padre è venuto da me e mi ha raccontato la storia di Daniela. Lo ha fatto senza fermarsi, senza omettere niente, come se aspettasse quel momento da tutta la vita. Questa è la storia di mia zia come l’ho saputa da mio papà, è la storia di un uomo che vuole salvare sua sorella dalla morte ma non ci riesce. Quasi tutto è vero, alcuni pezzi sono inventati.” Giulia Scotti
Vincitore del Premio “Tuttoteatro.com” Dante Cappelletti 2023 Menzione speciale bando Odiolestate 2023
testo e regia Giulia Scotti collaborazione al progetto Andrea Pizzalis consulenza Alessandra Ventrella con Giulia Scotti disegno luci Elena Vastano suono Lemmo coproduzione INDEX, tuttoteatro.com residenza produttiva Carrozzerie | n.o.t con il sostegno di IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia, Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), Olinda/TeatroLaCucina in collaborazione con mare culturale urbano, Ex Asilo Filangieri produzione, organizzazione, amministrazione Valentina Bertolino, Silvia Parlani, Grazia Sgueglia comunicazione Francesco Di Stefano Si ringraziano Antonio Tagliarini, Fabiana Iacozzilli, Francesco Alberici per averci creduto per primi. Un ringraziamento particolare a Daria Deflorian per il sostegno al progetto
Foto a cura dell’artista
Giulia Scotti si diploma come attrice presso Grock – Scuola di Teatro. Partecipa come attrice a diversi spettacoli, di cui l’ultimo Elogio della vita a rovescio con la regia di Daria Deflorian; oltre alla pratica teatrale esplora diversi medium espressivi, fino ad avvicinarsi al fumetto. Nel 2018 viene selezionata per il progetto europeo Artists@Work. Nasce Fermata Rogoredo, breve storia a fumetti esposta durante il festival di Internazionale a Ferrara, ed. 2018. Nel 2020 con il suo fumetto d’esordio Tutto quello che non ho dimenticato vince il primo premio, assegnato dallo scrittore Paolo Cognetti, del Milano Pitch per la sezione libri di narrativa adulti. Nel 2019 fonda, insieme ad un collettivo di attrici e attori, l’associazione Praxis, che lavora proponendo una commistione tra le arti performative, la disciplina antropologica e i metodi di ricerca sociale. Quello che non c’è è il progetto personale attualmente in lavorazione.
Diana Anselmo e Sara Pranovi (IT)
In collaborazione con Danae Festival
performance in italiano e in LIS | durata 50 min
c/o ZONA K, ingresso consentito previo tesseramento 2024: Compila il modulo entro il 24/10 a questo link(tesseramento gratuito con validità fino al 31/12/2024).
Al termine dello spettacolo si terrà un incontro col pubblico condotto da Daniele Del Pozzo, direttore artistico di Gender Bender Festival.
Je Vous Aime è una lecture-performance che tratta di un corto, cortissimo così, da durare appena un secondo: è il 1891, quattro anni prima della prima dei Lumière.
Georges Demenÿ inventa un apparecchio che per la prima volta riesce a proiettare una debole immagine in movimento: il suo stesso volto che pronuncia le parole «Je vous aime». Si tratta del primo video di sempre che, tecnicamente parlando, porterà all’invenzione del cinematografo prima e del Cinema poi. Partendo dalla Storia, sempre frutto di una minuziosa scelta tra ciò che può essere conservato e ciò che no, e dall’Archivio, dispositivo al servizio di un certo sistema di potere, la performance si pone di porre in luce l’anti-storia. Ovvero, «coloro di cui la Storia non tiene conto»; svelando così come il primo video di sempre fosse finalizzato ad insegnare la lettura labiale a dei ragazzi Sordi – dopo che venne per legge impedito loro di segnare.
Tale fu il verdetto del Congresso di Milano, le cui conseguenze si riversano ancora nelle Sorde e nelle Sordi di oggi. In Italia, la LIS torna ad essere riconosciuta come vera lingua solo a maggio 2021. Centoquarantunanni dopo. L’impedimento tutto storico di usare il corpo, di usare una lingua che risiedesse nel movimento, in quanto “in questa dimostrazione mimica, dov’è l’anima? dove il pensiero? dove l’origine? dove il destino? Nulla di tutto questo: non c’è che il corpo; il corpo, vale a dire la minor parte dell’essere umano” (Atti del Congresso di Milano, 1880), è il fulcro cinesetico, estetico ed etico della performance.
Je Vous Aime è dunque un’azione scenica performativa multimediale che si dipana fra storytelling verbale, slides, videotestimonianze in Lingua Italiana dei Segni (LIS) e Visual Sign (forma poetica delle lingue dei segni) con lo scopo di trattare di audismo, fonocentrismo e linguicismo, e di riscrivere la «letteratura dei padroni».
performer Diana Anselmo e Sara Pranovi regia Diana Anselmo video testimonianze Paolo Girardi, Leonarda Catalano, Mario Minucci, Maurizio Anselmo, Anna Folchi, Vincenza Giuranna, Diana Vantini, Matteo Pedrazzi realizzata col sostegno di IntercettAzioni – Centro di residenza artistica della Lombardia
Foto di Sara Meliti
Diana Anselmoè performer Sordo, attivista ed essere umano improvvisato. Bilingue LIS e italiano, esordisce con la sua prima performance “Autoritratto in 3 atti” (2021), tutt’ora presentata in vari festival italiani e internazionali. All’estero esordisce a Berlino con “Le Sacre du Printemps (2022)” di Xavier Le Roy. È tra i fondatori di Al.Di.Qua. Artists, prima associazione in Europa di e per artist* con disabilità.
Sara Pranovi è interprete LIS con competenze specifiche nel mondo performativo.In scena ha tradotto in LIS numerosi spettacoli: al fianco di Marta Cuscunà (Corvidae, Sguardi di Specie) e di Irene Serini (Abracadabra), ma ha anche interpretato in lingua dei segni le opere “Abbracci” di Teatro Telaio, “I Danni del Pomodoro” di Teatro d’Emergenza, “Escargot” di Teatro del Piccione, “Il Tenace Soldatino di Piombo” di Teatro delle Apparizioni e “Pornodrama 2.0” di Giuseppe Comuniello e Camilla Guarino.
Guinea Pigs (IT)
EXTRA FOCUS
spettacolo | durata 120 min con intervallo adatto a un pubblico a partire dai 13 anni evento accessibile a persone con mobilità ridotta c/o ZONA K, ingresso consentito previo tesseramento 2024
Al termine della replica di venerdì 4 ottobre seguirà un incontro tra compagnia e il pubblico per continuare il discorso aperto al Barrio’s sui temi dei diritti di cittadinanza oggi in Italia. Interverranno Diana De Marchi, Presidente pari opportunità e diritti civili del Comune di Milano, Sumaya Abdel Quader, sociologa e scrittrice, gli Avv. Nicola Datena e Avv. Giulia Vicini specializzati in diritto dell’immigrazione dell’Associazione Le Carbet, e un’attivista del Movimento Dalla Parte Giusta della Storia della Rete per la riforma della Cittadinanza (presenza in via di definizione).
“L’Italia è relativa” è una fiction teatrale sui diritti di cittadinanza che racconta il passaggio dall’adolescenza all’età adulta di una ragazza italiana senza cittadinanza alle prese con la costruzione dell’identità, il conflitto con la famiglia e il rapporto con le proprie origini, i contrasti nelle relazioni d’amicizia, le discriminazioni e gli ostacoli causati dai diritti di cittadinanza mancati nella vita scolastica e nel mondo dello sport. La storia si concentra su un momento cardine della vita della protagonista: il compimento dei 18 anni e la vede fare i conti con i desideri, le aspettative e le rinunce che questo “traguardo” porta nella sua esistenza.
Lo spettacolo parla di scuola, di rapporto tra generazioni, di educazione, di privilegi acquisiti per nascita e di diritti mancati per legge. I personaggi adolescenti sono interpretati da ragazze e ragazzi incontrati lungo il percorso di produzione, mentre attori e attrici adulti rappresentano la famiglia e la comunità educante.
Lo spettacolo arriva a conclusione di tre anni di lavoro del Laboratorio d’Arte Performativa Guinea Pigs con gruppi di persone adolescenti a Milano e in Lombardia . Tre anni di incontri dentro e fuori gli Istituti Scolastici, di laboratori di recitazione e di scrittura teatrale di incursioni performative nei parchi pubblici della città di Milano con l’azione #italiadovesei. Grazie a questi incontri, alle storie ascoltate, alle discussioni condivise, ai continui confronti e alle domande, soprattutto a quelle che restano ancora senza risposte, nasce la drammaturgia dello spettacolo.
Ogni aspetto del lavoro di creazione è pensato, scritto, composto e recitato in collaborazione e dialogo con il gruppo di lavoro: un processo di creazione collettivo e transgenerazionale dove ogni soggetto coinvolto trova uno spazio di racconto, azione e rappresentazione. “L’Italia è relativa” vuole essere anche l’occasione per ragionare sul privilegio inconsapevole che riguarda buona parte della popolazione già italiana e per interrogarsi pubblicamente su qual è la società che stiamo immaginando o stiamo decidendo consapevolmente di non immaginare.
uno spettacolo di Giulia Tollis e Riccardo Mallus con Letizia Bravi, Marco De Francesca, Ivna Lamart e Ilenia Mia Carrozzo, Giovanni Di Ponziano, Tiffany Guaygua drammaturgia Giulia Tollis con i contributi di Annasimon Hanna Edward Botros e delle attrici e degli attori regia Riccardo Mallus e Mohamed Boughanmi Rengifo video Julian Soardi Sound design Flavia Ripa Scenografie e costumi Stefano Zullo Direzione tecnica Marco Ottolini con la preziosa collaborazione di Federica Incrocci Con la consulenzaNicola Datena dell’Associazione Le Carbet di Milano e di Na.Co. – Narrazioni Contaminate di Torino Si ringraziano AGS Pallavolo Milano e l’Istituto Comprensivo “Gino Capponi” di Milano, IIS Cavalieri Marignoni e tutte le persone incontrate nelle scuole superiori e nei cantieri di creazione che hanno contribuito alla realizzazione di questo spettacolo Si ringrazia Irene Timpanaro per la sua Citroën C3 rossa
Una produzione Laboratorio d’Arte Performativa Guinea Pigs con il sostegno del MiC e di SIAE nell’ambito del programma “Per Chi Crea” con il sostegno di Intercettazioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia, un progetto di Circuito CLAPS e Industria Scenica, Laagam, Teatro delle Moire, ZONA K con il sostegno di ZONA K, Industria Scenica, Residenza artistica multidisciplinare Ilinxarium, Casa degli Artisti di Milano nell’ambito della residenza Koinótes, Compagnia Carnevale, Centro Culturale Barrio’s e con il patrocinio di Fondazione Cariplo
Foto M. Giussani
Il Laboratorio d’Arte Performativa Guinea Pigs si occupa di creare spettacoli, installazioni, eventi, esperienze culturali in spazi teatrali e in contesti sociali urbani. Opera per la diffusione della cultura dell’inclusione, della parità di genere, della comunicazione intergenerazionale, del dialogo interculturale condividendo anche percorsi di formazione artistica con persone non professioniste in Lombardia e in Emilia Romagna. Fanno parte del Laboratorio d’Arte Performativa Guinea Pigs: Letizia Bravi (attrice, direttrice artistica di festival e attivista), Giulia Tollis (drammaturga e docente della Civica Scuola Paolo Grassi di Milano), Marco De Francesca (attore, curatore e architetto) e Riccardo Mallus (regista e docente della Civica Scuola Paolo Grassi di Milano).
Atti di Guerra, il primo spettacolo, debutta nel 2016 al Festival Primavera dei Teatri e ottiene il Premio Giuria Giornalisti @ Giovani Realtà del Teatro, il Premio Miglior Performance Teatrale @ Festival Young Station e arriva in finale al Premio Cassino Off per il Teatro Civile. Lo spettacolo affronta le tematiche del bullismo e della violenza di genere. Le produzioni teatrali che seguono sono: Casca la terra dell’autore salentino Fabio Chiriatti, co-prodotto nel 2017 con il Teatro Out Off di Milano e con il contributo del bando Siae Sillumina, affronta la costruzione dell’identità nelle relazioni personali e professionali; #nuovipoveri, realizzato nel 2020, grazie al sostegno di Zona K e di Next – laboratorio delle idee, ed. 2019/2020 e di Teatro delle Moire, un’indagine sviluppata con gli strumenti del teatro e della video-arte intorno alla percezione dei concetti di ricchezza e povertà. Lo spettacolo è tra i 6 spettacoli finalisti del premio In-Box 2022 e vince il premio In-Box Generation 2022.
Tra i progetti in essere: In lotta con la realtà, installazioni e performance people e site specific, con la collaborazione dello scultore Anelo1997, in workinprogress presso Casa degli Artisti di Milano nell’ambito del programma Residenza Koinótes e le performance urbane dal titolo #italiadovesei che coinvolgono un gruppo di adolescenti, in qualità di performer e co-autrici e co-autori, in azioni pubbliche nei parchi e nei giardini della città di Milano e attivano momenti di incontro e di confronto sui temi dei diritti alla cittadinanza. www.guineapigs.it
Massimo Furlan / Claire De Ribaupierre (CH)
spettacolo all’aperto | durata 70 min | in italiano adatto a un pubblico a partire dai 16 anni evento parzialmente accessibile a persone con mobilità ridotta NB: munirsi di abbigliamento adatto ad area boschiva
Un legame ancestrale con il mondo selvatico che si basa sulla conoscenza, sull’attesa, sull’ascolto con tutti i sensi. Uomini e animali. Cacciatori e prede, pescatori e pesci, guardie forestali e filosofi. Cosa li lega? Foreste, fiumi, montagne e laghi dove gli uni vivono e gli altri cercano un mondo quasi scomparso. Cosa ci raccontano le loro storie, i loro aneddoti e le loro esperienze?
In scena pescatori e cacciatori – esempi dei paradossi del nostro tempo, ma intimi conoscitori degli animali nei loro ambienti e portatori di domande sull’intervento umano negli ecosistemi naturali. Le loro azioni e le loro pratiche combinano tradizione e questioni contemporanee, esigenze necessarie (regolazione della popolazione, alimentazione umana, ecc.) e passatempi domenicali.
Con l’animale è il secondo capitolo della “Trilogia delle contaminazioni”, un progetto in cui Massimo Furlan e Claire De Ribaupierre si interrogano sui rapporti che abbiamo con la natura e i suoi abitanti, per comprendere come è costituito un ambiente: chi sono i protagonisti, come interagiscono, si evolvono contestualmente e costantemente. Comprendere cosa ci unisce, cosa abbiamo tutti in comune. Come costruiamo equilibri o causiamo squilibri, come creiamo alleanze o rotture, come conviviamo. Oggi, sempre di più, stiamo trascurando la conoscenza ancestrale basata sull’equilibrio tra ciò che prendiamo dalla natura e ciò che le diamo il tempo di ricostituirsi. Non conoscere più l’ambiente significa trascurarlo, trarne eccessivo vantaggio significa distruggerlo. Senza la conoscenza dell’intelligenza di ciò che ci circonda, ci distruggiamo.
un progetto di Massimo Furlan e Claire De Ribaupierre regia Massimo Furlan drammaturgia Claire De Ribaupierre conTommaso Banfi, Vanni Bruscaglioni, Fabio Fiochi, Paolo Nicolini, Pablo Vallin direzione tecnica Jérôme Vernez luci Etienne Gache suono Aurélien Chouzenoux amministrazione e produzione Noémie Doutreleau tournée e produzione Jérôme Pique produzione Numero23Prod. coproduzione Théâtre Vidy-Lausanne (CH) ; Les 2 scènes, Besançon (FR) con il sostegno di Far Festival, Nyon, Ville de Lausanne, Etat de Vaud, Pro Helvetia – Fondation Suisse pour la Cultura, Loterie Romande, Fondation Leenaards, Fondation Ernst Goehner, Percento culturale Migros.
Questa performance è sostenuta dal programma europeo di cooperazione transfrontaliera programma europeo di cooperazione transfrontaliera Interreg Francia-Svizzera nell’ambito del progetto progetto CDuLaB.
Foto di PierreNydegger
Dopo la formazione all’Ecole des Beaux-Arts di Losanna, lo scenografo e artista visivo svizzero Massimo Furlan ha lavorato con diverse compagnie di danza e teatro. Nel 2003 ha fondato la sua compagnia dedicata alle arti dello spettacolo, Numéro23Prod, per interrogare l’atto della rappresentazione al di fuori dei confini dei generi. Le sue molteplici performance, essenzialmente articolate intorno all’umorismo e al contrasto, mettono in discussione le manifestazioni popolari, la nozione di squadra e i temi dell’immagine, della durata, dell’infanzia, della memoria e del gioco. Nel 1988 Furlan ha ottenuto un riconoscimento della fondazione romanda Irène Reymond e nel 2001 un Prix culturel vaudois jeunes créateurs beaux-arts. Nel 2014 riceve il Premio Culturale Svizzero del Teatro. I suoi lavori sono stati presentati nei teatri e festival di tutt’Europa.
Dal 2023 Claire De Ribaupierre è la drammaturga delle creazioni di Massimo Furlan. Laureata in Letteratura conduce ricerche nei campi dell’antropologia e delle immagini e della letteratura contemporanee.
FOCUS #3 · ROTTE
“La rotta va stabilita prima della navigazione e poi verificata strada facendo, passo dopo passo. Si tratta di avere une direzione che orienti il percorso. Così, da secoli, tendiamo a muoverci. Partiamo avendo una meta e un cammino. Vale per i nostri spostamenti, per la ricerca (il “metodo” viene da lì) come per ogni cammino di verità o direzione della cura di sé.
Oggi, piuttosto, abbiamo spesso l’impressione che qualcosa si sia rotto. Nei grandi cammini storici dell’umanità, nelle sensate esperienze o negli orientati percorsi sopra e dentro la propria anima, qualcosa si è interrotto. Queste rotture spesso ci interrogano, quando non arrivano a inquietarci, angosciarsi o anche disperarci.
Eppure, le rotture ci permettono anche di scoprire qualcosa che la direzione e il cammino di verità lasciavano nascosto. Presi com’eravamo dal senso, dal significato e dalla direzione del nostro procedere, ci dimenticavamo quel che nel tragitto ci accadeva, passo dopo passo, e quel che a ogni passo andava cancellandosi perché inevitabilmente lasciato indietro, scartato, (de)caduto.”…
Foto di Cesura – Design Nel Studio di Leonardo Mazzi
FOCUS #1 · TRANSITI
“Transiti, passaggi. Passaggi, confini. Confini, transiti. Il cerchio si chiude ed è un cerchio antichissimo, che riunisce l’atavico migrare dell’uomo rispetto all’autodeterminarsi delle popolazioni dentro un territorio, in qualche modo l’accaparrarsi una geografia, il costruire una mappa proprietaria su un bene comune.”…
Foto di Cesura – Design Nel Studio di Leonardo Mazzi
FOCUS #2 · TERRITORI
“Che strana condizione stiamo vivendo. La Terra reclama la nostra attenzione, la crisi climatica chiede di prenderci finalmente cura del nostro Pianeta, proprio quando ci sembrava di poterne prescindere. Alcuni (pochissimi super ricchi), progettando di trasferirsi altrove, colonizzando altri Pianeti o trasferendo la propria residenza su razzi spaziali in orbita lontano da qui. Altri (sempre di più), ritagliandosi un proprio recinto, all’interno di confini sempre più incerti quanto più ritenuti naturali, tradizionali, ereditati: noi dentro e gli altri fuori. Moltissimi (quanti miliardi?) alloggiando per molto del proprio tempo in spazi digitali, secondo codici e regole di natura topologica e non metrica. Tutti costruiamo territori esclusivi, case fatte a nostra misura, “particolari soluzioni abitative”, potremmo chiamarle nel linguaggio sciatto degli agenti immobiliari. Dunque, territori artificiali, che non esistono in natura, nostre proiezioni fantasmatiche. Con una particolarità mica da poco però: per essere abitabili questi territori hanno bisogno delle risorse estratte dal territorio comune che è la Terra: l’energia, il cibo, la manodopera, la tecnologia, i metalli, l’ossigeno, l’acqua…”
Foto di Alessandro Sala / Cesura – Design Nel Studio di Leonardo Mazzi
GEOGRAFIE
…”Oggi, nel tempo della iper-umanità, dell’antropocene che ha modificato irreversibilmente atmosfere e temperature, indagare le geografie del mondo e dell’anima significa attraversare le scelte dei popoli e di chi li domina e il concetto stesso di democrazia, la sua dimensione utopica, la tentazione di considerarla desueta. Significa interrogare, questionare, criticare, ringraziare o maledire l’umanità stessa, che nello spazio costruisce e dà nomi ai luoghi, progetta l’armonia o incuba il dominio e la distruzione. Le geografie che guardiamo, infine, ci mettono proprio davanti a un bivio: ci ricordano che niente è dato, e ogni terra promessa giusta è solo frutto di scelta e decisione.”
Le immagini del manifesto e materiali della stagione 2024 sono di Cesura, un collettivo fotografico indipendente il cui lavoro si concentra sul documentario fotografico autoriale. Nasce con il desiderio di essere una forza nuova ed autonoma nel panorama internazionale della fotografia, Cesura ha fondato anche una propria casa editrice indipendente e un laboratorio di stampa. Le sue pubblicazioni hanno ricevuto nel corso degli anni innumerevoli premi e riconoscimenti. Alessandro Sala si occupa di temi sociali e questioni ambientali, ha seguito con particolare attenzione la crisi migratoria nel Mediterraneo concentrandosi sul processo di accoglienza dei richiedenti asilo. Nel 2022 vince la borsa ministeriale PAC con il progetto DIORAMI, un racconto di 8 meraviglie botaniche siciliane esposte all’Orto Botanico di Palermo.
Grafica: Neo Studio di Leonardo Mazzi.
Yves Degryse/Berlin (BE)
performance | durata 110 min in tedesco e olandese con sottotitoli in italiano
ACQUISTO BIGLIETTO ONLINE OBBLIGATORIO
in collaborazione ec/o Teatro La Cucina / Olinda onlus via Ippocrate 47 – M3 Affori FN (uscita via Ciccotti)
Al termine della replica di giovedì 14 novembre si terrà un incontro con
la regista del collettivo fiammingo Fien Leysencondotto da Francesca Serrazanetti di Stratagemmi.
Herbert è il nome di un uomo. L’altro si chiama Friedrich. Sono seduti nel parco Tiergarten, proprio nel centro di Berlino. È la città da cui la compagnia ha preso il nome e l’ultima della serie di ritratti di città immaginifiche del ciclo Holocene. Come spesso accade con BERLIN, che opera all’intersezione tra teatro e documentario cinematografico, vediamo i due uomini non dal vivo, ma su un grande schermo di proiezione.
In Europa, Berlino è considerata la città più severa perché unisce il pensare al passato e il pensare al futuro. Nel solco narrativo degli altri capitoli del ciclo, i BERLIN affrontano la complessa storia bellica della città concentrandosi su una storia più piccola, quella di Friedrich Mohr. Da giovane, Mohr fu direttore di scena – “il roadie dell’orchestra” – dei Berliner Philharmoniker, finanziati dal Ministero della Propaganda di Hitler durante la Seconda Guerra Mondiale, e rimase l’unica orchestra a suonare a Berlino nel 1945 mentre i bombardamenti alleati razziavano la città e l’Armata Rossa si avvicinava.
The making of Berlin – con la musica dei fiati eseguita dal vivo sul palco – offre uno sguardo senza filtri al processo di creazione di Berlino ma, soprattutto, ci offre la testimonianza di uno di quei “non coraggiosi” che non si sono opposti quando i loro colleghi e amici musicisti furono espulsi dall’orchestra perché ebrei.
La regista teatrale e cinematografica Fien Leysen riprende il processo di creazione per un documentario dietro le quinte. Le sue riprese finiscono anche nello spettacolo. Nel corso dello spettacolo si scopre gradualmente che la storia di Mohr è piena di inesattezze e che sembra voler ripristinare l’irreparabile. Fino a che punto si può spingere la verità quando si cerca un’espiazione?
Regia Yves Degryse Con (sul palco) Yves Degryse, Fien Leysen, Sam Loncke (alternato), Geert De Vleesschauwer, Marjolein Demey, Bregt Janssens, Koen Goossens (alternato) Rozanne Descheemaeker, Matea Majic, Diechje Minne, Jonathan van der Beek (alternato) con (film) Friedrich Mohr, Martin Wuttke, Stefan Lennert, Werner Buchholz, Alisa Tomina, Krijn Thijs, Chantal Pattyn, Symfonisch Orkest Opera Ballet Vlaanderen, Alejo Pérez, Yves Degryse, Caroline Große, Michael Becker, Claire Hoofwijk, Alejandro Urrutia, Marek Burák, Marvyn Pettina, Farnaz Emamverdi, Team BERLIN: Jane Seynaeve, Eveline Martens, Jessica Ridderhof, Geert De Vleesschauwer, Sam Loncke, Manu Siebens, Kurt Lannoye, Team Opera Ballet Vlaanderen: Jan Vandenhouwe, Lise Thomas, Eva Knapen, Christophe De Tremerie Nella replica di Milano Con (sul palco) Fien Leysen e Jonathan van der Beek Video e video editing Geert De Vleesschauwer, Fien Leysen, Yves Degryse Stage video editing Maria Feenstra Riprese con il drone Yorick Leusink, Solon Lutz Filmati dietro le quinte Fien Leysen Scenografia Manu Siebens Construzione del set Manu Siebens, Ina Peeters, Rex Tee, Joris Festjens Scenografia e set cinematografico Jessica Ridderhof, Klaartje Vermeulen, Ruth Lodder, Ina Peeters Musica e mixaggio Peter Van Laerhoven Musica live Rozanne Descheemaeker, Matea Majic, Diechje Minne, Jonathan van der Beek (alternato) Musica del film Peter Van Laerhoven, Tim Coenen, Symfonisch Orkest Opera Ballet Vlaanderen olv Alejo Pérez Mixaggio orchestra Maarten Buyl Sound design e mixaggio Arnold Bastiaanse Registrazione suoni Bas De Caluwé, Maarten Moesen, Bart Vandebril Coordinatore tecnico Manu Siebens, Geert De Vleesschauwer, Marjolein Demey Responsabile produzione Jessica Ridderhof Supporto alla produzione Germany Daniela Schwabe, Gordon Schirmer Ricerca Wagner Clem Robyns, Piet De Volder Stage di ricerca Annika Serong Fotografia Koen Broos, Gordon Schirmer Coordinatore tecnico BERLIN Marjolein Demey Assistente di produzione Jane Seynaeve Produzione BERLIN Coproduzione DE SINGEL (Antwerp, BE), le CENTQUATRE-PARIS (FR), Opera Ballet Vlaanderen (BE), VIERNULVIER (Ghent, BE), C-TAKT (Limburg, BE), Theaterfestival Boulevard (Den Bosch, NL), Berliner Festspiele (DE) Con il supporto del Flemish Government, Sabam for Culture, Tax Shelter of the Belgian federal government via Flanders Tax Shelter
Foto di Koen Broos
Fondatori di BERLIN nel 2003, Bart Baele, Caroline Rochlitz e Yves Degryse decisero di non scegliere un genere in particolare, ma di avventurarsi nel regno del documentario e lasciare che fossero i luoghi delle loro incursioni a guidare la loro ispirazione. Questa filosofia ha dato vita a due cicli progettuali: Holocene (l’attuale era geologica) dove il punto di partenza è sempre una città o un altro luogo del pianeta, e Horror Vacui (paura del vuoto) nel quale storie vere e toccanti vengono delicatamente districate attorno ad una tavola. Il ciclo Holocene comprende Jerusalem, Iqaluit, Bonanza, Moscow e Zvizdal. I primi tre episodi di Horror Vacui sono invece Tagfish, Land’s end e Perhaps all the dragons. I BERLIN sono tuttora al lavoro su entrambi i cicli. The Making of Berlin è l’ultimo capitolo di Holocene. La compagnia ha lavorato in 27 paesi diversi negli ultimi anni, all’interno di vari circuiti: dai teatri agli spazi espositivi, dai festival alle location speciali.
Simon Senn (CH)
spettacolo in francese e inglese con sovratitoli in italiano | durata 60 min si consiglia la visione a un pubblico maggiore di 15 anni
Al termine della replica di sabato 9 novembre si terrà un incontro col pubblico moderato da Maddalena Giovannelli (Stratagemmi) in dialogo Simon Senn e con Ester Fuoco, PhD in Digital Humanities e Ricercatrice in Discipline dello Spettacolo allo IULM di Milano (vedi BIO completa in calce)
In questa conferenza digitale che funge da dimostrazione e confessione, Simon Senn, videographer e visual artist ginevrino, dimostra come il mondo virtuale e il mondo reale non siano sempre in opposizione, rivelando gli inaspettati intrecci tra tecnologia, rappresentazione, genere e legge. L’esperienza di Simon Senn è iniziata quando ha acquistato online la replica digitale di un corpo femminile e l’ha portata in vita con dei sensori facilmente acquistabili e ha scoperto cosa si prova ad “avere” un corpo femminile – almeno attraverso gli occhiali 3D. L’esperienza è stata straordinaria. Chi è questa donna? Può fare tutto ciò che vuole con questo corpo digitale? E la nuova e piacevole sensualità che questa forma virtuale gli offre? Simon Senn è riuscito a rintracciare la giovane donna e a iniziare una discussione con lei (che continua ancora oggi), dove insieme indagano su questo terzo corpo digitale che esiste tra loro. Arielle fa ora parte del progetto ed è presente in scena.
Simon Senn ha deciso di consultare uno psicologo e di esplorare le sue sensazioni di “disturbo di genere”, che continuano a sorprenderlo: forse soffre di “dismorfia da Snapchat”, la malattia psicologica clinicamente dichiarata tra coloro che desiderano trasformarsi per assomigliare alla loro immagine online.
Ideazione e regia Simon Senn Con Simon Senn, Arielle F. e un corpo virtuale Produzione Compagnie Simon Senn Coproduzione Théâtre Vidy-Lausanne – Le Grütli, Centre de production et de diffusion des Arts vivants – Théâtre du Loup Distribuzione e tour Théâtre Vidy-Lausanne Con il sostegno di Porosus – Pro Helvetia – Fondation Ernst Göhner – Pour-cent culturel Migros – Loterie Romande
Foto da simonsenn.com
Simon Senn, nato nel 1986, è un videographer e visual artist con base a Ginevra. Ha conseguito un Bachelor of Fine Arts presso lo HEAD di Ginevra (Haute école d’art et de design) e un Master presso il Goldsmiths College di Londra. A prima vista, il lavoro di Simon Senn può far pensare che egli sia un artista socialmente impegnato che si ribella contro un certo tipo di ingiustizie. Invece, uno sguardo attento rivela un approccio più ambiguo. Anche se le sue opere si basano sulla realtà (fino a un certo punto), vi è sempre uno strato di finzione che si interpone. I suoi lavori sono stati presentati alla Liverpool Biennial, all’Institute of Contemporary Arts di Londra e al Kunstmuseum di Berna. Ha vinto numerosi premi tra cui lo Swiss Performance Art Award, lo Swiss Art Award e il Kiefer Hablitzel Award.
Ester Fuoco è PhD in Digital Humanities e Ricercatrice in Discipline dello Spettacolo allo IULM di Milano. Dal 2021 al 2023 è stata assegnista di ricerca all’Istituto di Biorobotica della Scuola Superiore Sant’Anna di Pisa e all’Univ. IULM con progetti legati all’applicazione della robotica e dell’AI nelle performing Arts. Tra le sue recenti pubblicazioni il volume Deviations in Contemporary Theatrical Anthropology: New Myths and Performative Rituals between XR, Robots and AI (Routledge,2024) e Né qui, né ora. Peripezie mediali della performance contemporanea (Ledizioni, 2022).
In Follow Me due “acrobati urbani” interpretano lo spazio pubblico. Il duo invita a diventare parte dei followers e a scoprire la città in un modo unico. Le strade del quartiere si trasformano in un palcoscenico con le facciate come sfondo, il selciato come tappeto da ballo e il traffico come paesaggio sonoro. Follow Me è la prima produzione di Be Flat (creazione 2017-2018). Una performance acrobatica che viene riscritta per ogni luogo. Un processo di adattamento continuo in cui l’ambiente è il fattore determinante.
Be Flat è una compagnia circense con sede a Gand in Belgio, fondata da Ward Mortier e Thomas Decaesstecker. La compagnia è nota per il suo mix unico di circo acrobatico e sport urbani.
Come residenti dell’ambiente urbano sono affascinati dallo spazio pubblico. La città è un organismo vivente in costante mutamento. Come utilizziamo questo spazio comune? Chi siamo nelle strade delle città di oggi?
registi / artisti circensi Ward Mortier, Thomas Decaesstecker consulenza drammaturgica Craig Weston punto di vista esterno Sander De Cuyper con il sostegno di Vlaamse gemeenschap coproduzione Miramiro partner Circuscentrum, Centre des Arts scéniques, Centre des Arts de la Rue, Latitude50, Circusplaneet, Circus in beweging e Ell Circo d’ell Fuego
Foto di Yngwie Scheerlinck.
Thomas Decaesstecker (Tervuren 1989) e Ward Mortier (Gand 1993) si sono incontrati per la prima volta ad un raduno di freerunning nel 2008. La condivisione di una comune passione per la musica e il movimento negli anni successivi li ha portati a un’amicizia unica e solida. Ward ha studiato il palo cinese combinato con la danza acrobatica all’ESAC (Ecole Supérieure des Arts du Cirque, Bruxelles). Thomas ha seguito la formazione come acrobata e artista della verticale a Santiago, Cile, presso la Escuela De Artes Circenses Del Circo Del Mundo. Grazie ai loro reciproci interessi, combinati con le loro specializzazioni ed esperienze individuali, hanno acquisito un’ampia gamma di competenze che esprimono in diversi contesti e situazioni.
Ant Hampton/Time Based Editions (GB/DE)
esperienza collettiva | durata 80 min | in italiano
c/o ZONA K, ingresso consentito previo tesseramento 2024 in collaborazione con Ateatro
A fine replica di giovedì 16 maggio si terrà l’incontrocon l’autore aperto al pubblicoa cura di Ateatro.
Il libro e la lettura sono cambiati e continuano a cambiare. L’avvento del digitale, la riscoperta dell’oralità e della dimensione audio, le forme di arte partecipata stanno moltiplicando “i modi per leggere” in modalità inedite e innovative, e al tempo stesso antiche. Emergono forme ibride, performative, multimediali, transmediali… Queste trasformazioni si riflettono sul libro come oggetto fisico e sulle biblioteche come luoghi di incontro e di esperienze.
A partire dall’esperienza di Borderline Visible discuteranno di questi temi l’autore Ant Hampton e Stefano Parise, Direttore Area Biblioteche del Comune di Milano, moderati dal docente ed esperto di teatro e editoria Oliviero Ponte di Pino.
“Borderline Visible è probabilmente l’opera più poetica del DocLab di quest’anno, ma in tutta la sua semplicità è anche la più toccante”. – NRC Handelsblad
“Un quadro psico-geografico estremamente coinvolgente, costantemente arricchito dallo spirito di ricerca di Hampton e dalla sua rabbia politica affilata come un rasoio.”- Marijn Lems, Theaterkrant
Vincitore del premio IDFA (International Documentary Festival Amsterdam) 2023 DocLab per le tecnologie creative.
Ant Hampton presenta il primo di una nuova serie di “libri dal vivo” – Time Based Editions – in cui fotografie e audio conducono in un viaggio attraverso le pagine intrecciando Storia, autobiografia, letteratura e un’indagine urgente sulle atrocità nascoste perpetuate ai margini dell’Europa.
Borderline Visible inizia come un récit de voyage, un viaggio da Losanna a Smirne intrapreso da due artisti e amici. In Grecia, problemi di salute costringono una di loro a fermarsi, mentre l’altro prosegue verso la Turchia, restando improvvisamente solo. La narrazione si trasforma in una psico-geografia commovente e travagliata. Passando dal “noi” all’”io”, dal presente al passato, dal personale al politico, Ant Hampton tenta di dare valore e significato alle rovine fin troppo umane dell’ambizione, della storia e del linguaggio. L’attento processo di ricomposizione, porta gradualmente alla luce una costellazione complessa di storia ebraica, fine dell’Impero Ottomano e diaspore sefardite, voci, terremoti, turismo e migrazioni forzate, salute mentale e demenza, rondoni, rondini e La terra desolata di TS Eliot.
Nell’esperienza collettiva gli spettatori sono invitati a partecipare a questo viaggio insieme, sfogliando avanti e indietro le pagine del libro, capovolgendolo, confrontandone le immagini, chiudendo e aprendo gli occhi, tracciando linee sulle mappe con un dito, guidati da una traccia audio che combina narrazione, musica, registrazioni sul campo e istruzioni per attraversare il libro.
Dopo i due appuntamenti collettivi, Borderline Visible resterà a disposizione degli spettatori per la fruizione individuale in lingua italiana, inglese, francese e olandese dal 18 al 26 maggio (lunedì escluso) ore 15.30 e 17.30 presso Casa degli Artisti Milano. Biglietti presto disponibili.
Di Ant Hampton Feedback David Bergé Progettazione del libro Roland Brauchli Basato su un progetto ideato con Rita PaulsMusicPerila, Oren Ambarchi Grazie a Pieter Ampe, Giorgos Antoniou, Sae Bosco e Samos Volunteers, Yannick Christian, Hani Dunia, Effi & Amir, Tim Etchells, Katy Fallon, Martin Hampton, Britt Hatzius, Leo Kay, LAPS, Camille Louis, Eva Neklyaeva, Beyhan Onur, Anelka Tavares, Prodromos Tsinikoris, Giulia de Vecchi, Anny Y
VERSIONE ITALIANA Traduzione Valentina Kastlunger Editing Valentina Picariello Voce Astrid Casali Registrazione Luca Ciffo Montaggio e suono Ant Hampton Un ringraziamento a Flora Pitrolo per aver riletto e corretto la traduzione Prodotta da Quarantasettezeroquattro, Teatro Bastardo e ZONA K
TIME BASED EDITIONS è un marchio di Photographic Expanded Publishing Athens creato con il supporto di The Resonance Foundation (Los Angeles) Bimeras (Istanbul / Berlin) Théâtre Vidy (Lausanne) Sostegno alla ricerca e ai prototipi Lita House of Production and Kundura Stage (Istanbul) National Theatre of Northern Greece (Thessaloniki).
Ant Hampton è un artista tedesco-britannico che crea performance basate sulla tensione tra fotogrammi fissi e interpretazioni variabili. Da più di 20 anni sviluppa situazioni che riuniscono diversi artisti per creare performance inaspettate. Già nel 1999 invitava artisti, ogni volta diversi e spesso “non professionisti”, a seguire istruzioni in pubblico senza alcuna preparazione preventiva. Successivamente, questo approccio si espanse fino a includere il pubblico stesso, un filone di lavoro che divenne noto come Autoteatro. Oggi sono 10 gli spettacoli della serie Autoteatro in tournée nel mondo, in oltre 60 versioni linguistiche diverse. Ant Hampton collabora spesso con altri artisti tra cui Tim Etchells, Christophe Meierhans, Britt Hatzius, Gert-Jan Stam, Ivana Müller, Anna Rispoli e Rita Pauls.
Zoë Demoustier / Ultima Vez (BE)
danza | durata 60 min in inglese con sottotitoli in italiano
A fine replica di venerdì 5 aprile si terrà l’incontro “Il gesto politico di un corpo-archivio“ Il corpo-archivio e il gesto come strumenti di un’indagine sulla violenza, al centro del lavoro di Zoë Demoustier, sono temi che appartengono anche ad altre esperienze della danza contemporanea. Una delle più significative è quella di Arkadi Zaides e del suo “Archive”, in cui il corpo del danzatore interpreta la prossemica della guerra, chiamando in causa lo sguardo dello spettatore. A queste intersezioni è dedicato l’incontro con Zoë Demoustier, moderato da Camilla Lietti e Francesca Serrazanetti (Stratagemmi).
Unfolding an Archive (Spiegare un archivio) è un assolo di danza in cui Zoë svela l’archivio di immagini di suo padre che ha lavorato come giornalista di guerra per più di 25 anni. La ricerca di una relazione con l’immaginario degli eventi mondiali con cui è cresciuta è come un movimento da lontano e da vicino. In un tentativo di ricostruzione, riporta in vita l’archivio e smonta i meccanismi nascosti dietro le immagini raccolte. Questo assolo è considerato il suo debutto in cui ha trovato il suo linguaggio che combina danza contemporanea, mimo corporeo e lavoro documentaristico.
Oltre al noto lavoro di Wim Vandekeybus, Ultima Vez sostiene strutturalmente nuovi talenti artistici attraverso la produzione di opere di nuovi creatori, con il nome Ulti’Mates. Ciò avviene in una stretta interazione di diversi partner a Bruxelles e nelle Fiandre, a livello nazionale e internazionale e con l’aiuto della rete internazionale di Ultima Vez.
Unfolding an Archive è il secondo lavoro di Zoë Demoustier supportato dalla compagnia belga.
Coreografia e performance Zoë Demoustier Musica dal vivo Willem Lenaerts Sound concept Willem Lenaerts & Rint Mennes Disegno luci Harry Cole Luci e assistenza tecnica Pieter Kint Intervista e montaggio Yelena Schmitz Design e costumi Annemie Boonen Ricerca Annemie Boonen & Willem Lenaerts Drammaturgia Elowise Vandenbroecke Coaching Danielle van Vree Archivio video e audio Daniel Demoustier Co-produzione STUK Con il supporto della città di Leuven, 30CC, Platform In De Maak Residenze STUK, Ultima Vez, Vlaams Cultuurhuis de Brakke Grond, Voetvolk Atelier Rubigny Grazie a Shila Anaraki, Oihana Azpillaga, Jonas Beerts, Anna Bentivegna, Stijn De Cauwer, Elliot Dehaspe, Dirk De Lathauwer, Lahja Demoustier, Misha Demoustier, Hannes Dereere, Josine De Roover, Pieter Desmet, Klaas De Somer, Willem Malfliet, Hildegard De Vuyst, Silke Huysmans, Karen Joosten, Koen Theys, Maarten Van Cauwenberghe, Gerlinde Van Puymbroeck, Veerle Van Schoelant, Niek Vanoosterweyck, Bart Vanvoorden, Remo Verdickt, Cas-co Leuven, Dag van de Dans, Danstuin.
Foto di TomHerbots
Zoë Demoustier (1995) è una performer e coreografa. Il corpo è sempre il punto di partenza delle sue performance visive. A partire dal movimento, crea collegamenti con temi attuali e impegnati e crea lavori coreografici documentari. Zoë ha realizzato diversi spettacoli e ha lavorato come performer e assistente con Kabinet K, Michiel Vandevelde, Alma Söderberg/Manyone, Iris Bouche/Opera Ballet Vlaanderen, David Weber Krebs e Marcelo Evelin. Nel 2021 è stata ambasciatrice di Dag van de Dans, nell’ambito del quale ha creato i creatori di danza di domani in collaborazione con De Zendelingen. Dal 2022 collabora come coreografa con Ultima Vez.
Lina Saneh e Rabih Mroué (LB/DE)
installazione video | versione originale tradotta in italiano + incontro con la compagnia
Un’installazione video sul tema del collezionismo. Nel corso degli anni si collezionano molte spesso cose senza sapere perché o cosa farne. Finché un giorno, le controlli e inizi a guardarle correttamente. Cerchi di capire perché ti piacciono o perché non ti interessano più. Mentre guardi la tua collezione, potresti permettere ai ricordi di tornare e potresti provare a pronunciarli, mescolando le tue storie con quelle immaginate. Lina Saneh e Rabih Mroué tentano proprio questo nella loro serie Second Look. Nella rilettura della loro raccolta di fotografie, epoche diverse si incontrano e trascinano sia gli interpreti che le immagini interpretate in un vortice contraddittorio.
Segue un talk con Lina Saneh e Rabih Mroué, a cura di Maddalena Giovannelli e Alessandro Iachino (Stratagemmi). A partire dal numero dal 43 della rivista Stratagemmi, dedicato interamente all’opera di Majdalanie e Mroué, la conversazione metterà al centro le modalità con cui memoria, traumi ed esperienze della migrazione agiscano sulla scena.
scritto e diretto da Lina Majdalanie & Rabih Mroué voce fuori campo Francesca Bracchino e Marcello Spinetta animazione Sarmad Louis musica Abdalla El-Masri, Charbel Habr, Matef e HoRa’ Mim montaggio Rabih Mroué, Sarmad Louis suono Rafi Mrad correzioni fotografiche Randa Mansour Commissionato e prodotto da steirischer herbst ’20
Lina Saneh e Rabih Mroué sono nati a Beirut nel 1966 ma risiedono a Berlino. Lavorano generalmente insieme, pur portando avanti anche progetti personali. Rabih Mroué ha sviluppato una pratica artistica versatile in cui assume, spesso contemporaneamente, le funzioni di attore, regista e drammaturgo, con una peculiare capacità di fotografare il contemporaneo. Dal 1990 insieme a Lina Saneh ha realizzato performance che confondono i confini tra le discipline in una fusione poetica di teatro, installazioni, performance art e video. Insieme presentano opere che riflettono direttamente le realtà sociali e politiche del loro paese, mentre approfondiscono le questioni e le contraddizioni alla base della società libanese.
Faustin Linyekula / Mamu Tshi (RDC/CH)
danza | durata 50 min in francese con sottotitoli in italiano
Tutto nasce da un incontro al teatro di Vidy tra una premiata danzatrice di krump – danza cruda, intensa, liberatoria – e un noto coreografo. Lei è Amandine Ngindu (nome d’arte Mamu Tshi), lui Faustin Linyekula. Entrambi hanno origini congolesi. Insieme decidono di recarsi nel Kasai, regione centrale del Congo per incontrare una parte della famiglia di Amandine e per scoprire un Congo che lui non conosce. Questo spettacolo è stato creato durante il viaggio di ritorno. Un diario di viaggio che racconta una terra a cui sono entrambi legati ma che conoscono parzialmente. L’uno trasmette all’altro una parte della propria storia e della propria identità.
Faustin Linyekula guida quindi Mamu Tshi attraverso il Congo, un paese che non ha mai smesso di interrogare, come un Virgilio che accompagna il poeta Dante nel suo viaggio iniziatico. Mamu Tshi accoglie Faustin Linyekula nella sua famiglia e nella sua cultura. Entrambi compiono un ulteriore passo nella loro ricerca, avvicinandosi a loro stessi.
Con Mamu Tshi (Amandine Tshijanu Ngindu) Ideazione e coreografia Faustin Linyekula, Mamu Tshi (Amandine Tshijanu Ngindu) Assistente alla regia Angélique Tahé Musica Twin Traxamus, Groupe folklorique Atandele (Kananga, RDC) Voci registrate Kaku Musambi Papa Ngindu Papa Mako Griot Tshimina Video Faustin Linyekula Zima Tukala Ringraziamenti a Zia Pauline Bibomba e tutta la famiglia a Kanyuka, RDC, Zima Tukala (yo moko oyebi), Victor Bafuafua, Sylvie Makela e il Salon Tribus Urbaines Regia generale Veronique Kespi Direttore delle luci Farid Deghou Boussad Direttore del suono Luc Grandjean Direttore di scena Christian Wilmart Produzione Anouk Luthier Produzione Théâtre Vidy-Lausanne con il sostegno di Studios Kabako (Kisangani, RDC) Sostegno Arts and Humanities Division, New York University Abu Dhabi
foto di Sarah Imsand
Mamu Tshi è nata in Congo che ha lasciato alla nascita per Losanna dove oggi vive e lavora. Attratta molto presto dalla danza urbana, oggi fa parte dell’élite mondiale del krump: nel 2020 e nel 2021 ha ricevuto il titolo di “ballerina dell’anno” in questa disciplina. La danza freestyle, potente, espressiva e liberatoria, fa parte del movimento della street dance ed è considerata, tra l’altro, una risposta artistica all’oppressione sistematica di alcuni gruppi e alla frustrazione che ne deriva. Le “battaglie”, influenzate dall’hip-hop e piene di energia, sono generalmente disputate in spazi pubblici da diverse crew. Mamu Tshi ha frequentato a lungo le danze urbane prima di esibirsi per la prima volta nel 2019 al Théâtre Sévelin 36 nell’ambito di “Quarts d’Heure” – una piattaforma per giovani coreografi. Lo stesso teatro l’ha poi invitata a sviluppare il suo assoloWomb: Entrailles come “artista associata” per una creazione nella primavera del 2023. Con il suo spettacolo L’Héritière, Mamu Tshi completa anche il trio internazionale Portraits in Otherness commissionato dalla Akram Khan Company per la tournée in Svizzera (Steps festival). Parallelamente, con il collettivo “Swiss Krump Movement” e i Warriorz, pionieri del krump in Svizzera, trasmette questa cultura organizzando corsi di formazione e altri eventi comunitari. La mancanza di risorse l’ha portata ad avviare un progetto per includere le culture e le pratiche artistiche degli ambienti urbani e sotterranei nel panorama culturale svizzero, CAaUSE, entre d’Arts Alternatif et Urbain Suisse Émergent. Al Vidy è assistente alla coreografia e interprete di Sous influence di Nina Negri nel 2021 e nel 2024 interpreta Mamu Tshi, Portrait pour Amandine in collaborazione con Faustin Linyekula.
Danzatore, coreografo e regista, Faustin Linyekula vive e lavora a Kisangani (Repubblica Democratica del Congo). Dopo una formazione letteraria e teatrale a Kisangani, nel 1993 si è trasferito a Nairobi e nel 1997 ha co-fondato la prima compagnia di danza contemporanea in Kenya, la compagnia Gàara. Tornato a Kinshasa nel giugno 2001, ha creato una struttura per la danza e il teatro visivo, un luogo di scambio, ricerca e creazione: Studios Kabako. Con la sua compagnia, Linyekula è autore di oltre quindici spettacoli che sono stati presentati sui maggiori palcoscenici e festival in Europa, Nord e Sud America, Australia e Africa. Tra le sue collaborazioni figurano una produzione per la Comédie Française (Bérénice, 2009), una creazione per il Ballet de Lorraine (La Création du monde 1923-2012, 2012), un assolo per un ballerino del Balletto Nazionale del Portogallo. Linyekula ha anche immaginato spettacoli per musei: il MOMA di New York (2012), il MUCEM di Marsiglia (2016), il Metropolitan Museum (2017) o il Royal Museum for Central Africa di Tervuren (2018). Insegna regolarmente in Africa e negli Stati Uniti. Dal 2007, il lavoro e l’approccio di Linyekula hanno sede nella città di Kisangani, dove Kabako Studios sostiene la formazione, la produzione e la diffusione di giovani artisti congolesi nel campo delle arti performative, ma anche del video e della musica. Nel 2014, Linyekula e Kabako Studios hanno ricevuto il primo premio dalla fondazione americana CurryStone per il lavoro sviluppato a Kisangani e in particolare nel comune di Lubunga con le diverse comunità. Nel 2016, nell’ambito della biennale Artista Na Cidade, Linyekula è stato artista associato della città di Lisbona, da cui ha ricevuto la medaglia al merito artistico. Da settembre 2018 e per tre stagioni, è stato associato al Manège – Scène nationale de Reims in Francia. Nel 2019 è stato artista associato dell’Holland Festival di Amsterdam. Presso Vidy ha presentato nel 2019 Congo, un trio per cantante, attore e danzatore basato sull’omonimo libro di Éric Vuillard. La serie di film di giovani artisti africani Lettres du continent, che ha progettato con Virginie Dupray durante la pandemia del 2020, è stata presentata da Vidy nell’autunno del 2020. Nel 21/22 ha condotto il ciclo Imaginaires des futurs possibles con la drammaturga Claire de Ribaupierre, un’iniziativa che riunisce artisti, scienziati e spettatori proposta da Vidy e dal Centro di sostenibilità dell’Università di Losanna. Nel 2024 presenta Mamu Tshi, Portrait pour Amandine.
Lina Saneh e Rabih Mroué (LB/DE)
spettacolo | durata 75 min in francese con sottotitoli in italiano
Beirut 2006: poco dopo l’attacco israeliano contro il Libano, tutti i libanesi sono invitati a partecipare a due grandi manifestazioni di piazza contrapposte. I quartieri e i palazzi si svuotano, gli abitanti sono andati a manifestare. In un condominio deserto due persone si incontrano: un ex militante della sinistra che ha difficoltà ad adattarsi alla realtà sociale e politica attuale di un Libano polarizzato tra gli estremismi fondamentalisti e ultra-capitalisti, e una casalinga stressata dai problemi familiari, economici, sociali e religiosi. Un dialogo tra teatro, foto, video, politica, finzione e realtà.
Lina Saneh e Rabih Mroué proseguono la loro ricerca intorno alle nozioni di rappresentazione, di gioco, di finzione e realtà, e circa i loro rapporti con l’arte e la rappresentazione. In questo spettacolo non ricorrono più a un fatto di cronaca o all’uso di documenti, ma prendono in prestito dal cinema un film/documentario storico in cui il Fascismo e la visita di Hitler a Mussolini fanno da sfondo, inserendosi nella finzione narrata nei ruoli di personaggi come Lina e Rabih per meglio confrontarsi con la situazione libanese e le sue complessità, oltre che con il teatro stesso.
Ideazione, testo e regia Lina Saneh e Rabih Mroué Traduzione Masha Refka Scenografia Samar Maakaroun Musica Charbel Haber Colonna sonora Lina Saneh, Rabih Mroué, Sarmad Louis Direzione della fotografia Sarmad Louis jeu pour la bande-image Rabih Mroué, Lina Saneh Invitata speciale Mona Mroué Assistente alla regia e produttrice esecutiva Petra Serhal Costumi Zeina Saab de Melero Trucco Stéphanie Aznarez Aiuto produzione Ashkal Alwan (Beyrouth) Con Lina Saneh, Charbel Haber, Rabih Mroué
Regista, performer e drammaturga, Lina Majdalanie è un’artista libanese che vive a Berlino. Il suo lavoro comprende: Hartaqāt (2023), Second Look (serie video, 2020), Sunny Sunday (2020), Borborygmus (2019), Do I Know you? (2017), A Drop of Sweat (2015), 33 rpm and a few seconds (2012), Photo-Romance (2009), Appendice (2007), I Had A Dream, Mom (vidéo, 2006), Biokhraphia (2002), e altri… Ha curato diversi eventi al Mousonturm-Francoforte (2016 e 2023), alla HAU-Berlino (2017), alla Kunsthalle-Mulhouse (2015) e al Tanzquartier-Vienna (2009). È stata borsista presso il Centro Internazionale di Ricerca “Interweaving Performance Cultures”/FU di Berlino (2009-2010) e membro dell’Home Workspace Curricular Committee-Ashkal Alwan (Beirut 2010-2014). Nell’aprile 2015 ha scelto lo pseudonimo di Lina Saneh.
Rabih Mroué, nato a Beirut e attualmente residente a Berlino, è regista teatrale, attore, artista visivo e drammaturgo. È redattore di The Drama Review /TDR (New York) e cofondatore del Beirut Art Center (BAC). È stato borsista presso il Centro Internazionale di Ricerca: Interweaving Performance Cultures/FU/Berlino dal 2013 al 2014. È stato regista teatrale al Münchner Kammerspiele dal 2015 al 2019. Tra le sue opere ricordiamo: Hartaqāt (2023), Sunny Sunday (2020), Borborygmus (2019), So Little time (2016), Ode to Joy (2015), Riding on a cloud, (2013), 33 RPM and a Few Seconds (2012), Photo-Romance (2009), The Inhabitants of images (2008), Who’s Afraid of Representation (2005), Looking for a Missing Employee (2003), Biokhraphia (2002), Three Posters (2000) e altri…
Jens Hillje, Alessandro Renda (DE/IT)
Un progetto di ZONA K
Una chiamata pubblica, decine di lavoratrici e lavoratori che rispondono. È l’inizio del progetto che si è concretizzato nell’ultimo anno con incontri, laboratori teatrali, ricerca, video documentari, canzoni di protesta, cortei, un pretesto (America di Kafka), tre attori, un regista e un dramaturg.
Il “lavoro” come fil rouge. Il lavoro come aspirazione, come scelta obbligata, come fonte di sostentamento, ma soprattutto come motore che delinea le traiettorie, definisce autostima e convinzioni personali, rischia di plasmare i nostri valori e determina dove e con chi trascorriamo la maggior parte del tempo. Ma il lavoro definisce veramente chi siamo? Quanto risponde alle nostre aspettative? Quanto peso ha nella nostra vita e nelle scelte che facciamo? Può oggi rappresentare un punto di osservazione sullo stato di salute della società, soprattutto dopo la fase acuta dell’emergenza sanitaria?
Non siamo niente, saremo tutto è la traduzione letterale di un verso de L’internazionale scritto dal poeta e rivoluzionario Eugène Pottier 150 anni fa. Un testo forse datato, talvolta ancora cantato come inno dei lavoratori, ma che ormai non trova quasi più un legame con l’oggi e lo stato del mondo del lavoro. Non siamo niente, saremo tutto è anche il progetto teatrale prodotto da ZONA K, in cui Jens Hillje e Alessandro Renda hanno coinvolto lavoratrici e lavoratori di diversi settori, per esplorare storie individuali e affrontare il tema da differenti prospettive: possiamo specchiarci nelle storie lavorative altrui per sentirci più interconnessi? Quanto condiziona le nostre esistenze il rispetto di una volontà o di una vocazione? Comprendere felicità o insoddisfazioni individuali ci aiuta a valutare il benessere collettivo? Siamo ancora capaci di considerarci un insieme di persone che lotta per un bene comune o siamo una somma di individui, monadi a sé stanti? Il concatenamento di storie diventa uno strumento di indagine per trasformare l’esperienza collettiva in una narrazione condivisa, un coro pensato come opera d’arte totale e scultura sociale per riabbracciare un desiderio di comunità e, attraverso il teatro, trovare nuove forme di rappresentazione della realtà.
spettacolo ● in italiano ● durata 90 min.
c/o e in collaborazione con Olinda onlus / TeatroLaCucina, ex. Osp. Psic. Paolo Pini, via Ippocrate 45 Milano – M3 Affori FN (uscita via Ciccotti)
IMPORTANTE Presentarsi almeno 15 min. prima dello spettacolo per il ritiro dei biglietti c/o Bar Jodok, via Ippocrate 47 Milano – M3 Affori FN È richiesta la massima puntualità. Non è garantito l’accesso a spettacolo iniziato.
regia: Alessandro Renda; dramaturg: Jens Hillje; con: Roberto Corradino, Milena Costanzo, Matteo Gatta e con i cittadini e le cittadine di una chiamata pubblica di Milano e La Spezia e con il coro di Micene di Milano; disegno luci: Mario Loprevite; elementi scenografici: Denise Carnini e Francesca Pedrocchi; editing e visual effect video: Francesco Tedde e Alessandro Tedde (Antropotopia); foto: Luca Del Pia; produzione: ZONA K (MI); co-produzione: Pergine Festival (TN), Associazione 47|04 (GO); produzione esecutiva: Valentina Picariello e Renata Viola; organizzazione: Federica Bruscaglioni; con il sostegno e la collaborazione di Fuori Luogo La Spezia/Gli Scarti; in collaborazione Project For People, Stratagemmi Prospettive Teatrali, Olinda onlus
Il progetto è realizzato con il sostegno della Fondazione Compagnia di San Paolo nell’ambito di Art Waves Produzioni di cultura contemporanea e con il sostegno di Fondazione Cariplo e del Comune di Milano e presentato all’interno del progetto STOP presentato per Milano è Viva.
Alessandro Renda è attore, regista e filmmaker. Dal 1998 è membro del Teatro delle Albe di Ravenna. Prende parte a numerosi spettacoli della compagnia, da I Polacchi (1998) a L’isola di Alcina (2000), da Salmagundi (2004) a Stranieri (2008) da Inferno (2017) e Purgatorio (2019) tra gli altri. Porta in scena da oltre un decennio il monologo scritto da Marco Martinelli Rumore di acque (2010), con diverse tournée in Europa e negli Stati Uniti. Dal 2001 è “guida” nei laboratori della non-scuola, pratica teatral-pedagogica antiaccademica delle Albe, con diverse esperienze in Italia e all’estero. Dal 2003 si occupa di video, realizzando proiezioni per la scena o “traduzioni” in video di molti spettacoli della compagnia o documentari attorno a esperienze teatrali.
Jens Hillje (Germania, 1968) dal 1990 lavora nella scena del teatro indipendente tedesco come attore, autore e regista. Nel 1996 ha fondato insieme a Thomas Ostermeier lo spazio ‘Barracke’ al Deutsches Theater. Dal 1999 fino al 2009 è Chief-dramaturg e membro della direzione artistica della Schaubühne di Berlino con Thomas Ostermeier e la coreografa Sasha Waltz. In qualità di dramaturg lavora con i maggiori esponenti del teatro europeo. Nel 2000 crea ha creato il F.I.N.D Festival nel 2000 alla Schaubühne uno dei più rinomati festival in Germania. Dalla stagione 2013/14, Jens Hillje è co-direttore artistico e Chief-dramaturg del Gorki, insieme a Shermin Langhoff. Dal 2021 è free dramaturg. Nell’estate 2019 è stato insignito del Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia.
NON SIAMO NIENTE, SAREMO TUTTO fa parte del palinsesto di
Generazione gLocale Focus via Padova
Causa pioggia, la perfomance si svolgerà in Via Russo, 23 nella palestra della scuola, vicino al parco Trotter
performance in cuffia c/o Parco Trotter – Milano ingresso via Giacosa, zona ex piscine
Un gruppo di adolescenti di via Padova. Una voce in cuffia che guida il Pubblico. Una performance urbana e partecipata in cuffia, specchio della società globale di oggi.
In quale contesto viviamo? Siamo a Milano in via Padova, in un barrio di Lima o tra le strade di Marrakesh? C’è un confine che divide la nostra provenienza? O è soltanto una questione generazionale? Generazione gLocale è un format di teatro partecipativo che racconta le nuove generazioni superando pregiudizi e stereotipi.
Dal 2017 ad oggi ha visto la sua realizzazione in diverse città italiane coinvolgendo adolescenti nel ruolo di Protagonisti.
Il percorso del laboratorio fatto durante questi ultimi mesi al Parco Trotter si conclude con una performance che tenta di restituire una sorta di identikit delle nuove generazioni con l’intento di attivare un dialogo, e al contempo uno scontro, tra il mondo degli Adolescenti e il mondo degli Adulti.
Una preziosa occasione per “vedere e raccontare” senza pregiudizio chi abita ogni giorno in Via Padova, come i nostri Protagonisti.
produzione ZONA K (Milano), creazione collettiva Studenti e Studentesse dell’IC Casa del Sole – Milano, drammaturgia e regia Andrea Ciommiento, assistenza alla regia Leda Peccatori, coordinamento progettuale Federica Di Rosa, coordinamento pedagogico Anna Doneda (Project for People), progetto sostenuto con i fondi Otto per Mille della Chiesa Valdese, in collaborazione con Lapsus e Terzo Paesaggio
Residenze Digitali 2024
La quinta edizione del bando delle Residenze Digitali, un progetto del Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche (La Mama Umbria Umbria International – Gestioni Cinematografiche e Teatrali/ZUT – Centro Teatrale Umbro – Micro Teatro Terra Marique – Indisciplinarte), il Centro di produzione di danza e arti performative Fuorimargine di Cagliari e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia, seleziona 4 progetti che verranno seguiti durante il 2024 dalle strutture partner e dai tutor Anna Maria Monteverdi, Federica Patti, Laura Gemini e Marcello Cualbu.
Al termine del percorso, nel mese di novembre 2024, i progetti avranno un momento di emersione e confronto con i pubblici all’interno de La Settimana delle Residenze Digitali.
Il Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche (La Mama Umbria Umbria International – Gestioni Cinematografiche e Teatrali/ZUT – Centro Teatrale Umbro – Micro Teatro Terra Marique – Indisciplinarte), il Centro di produzione di danza e arti performative Fuorimargine di Cagliari e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia, lanciano il presente bando per la selezione di n° 4 progetti di Residenza Digitale da svilupparsi nel corso dell’anno 2024.
L’intento è quello di stimolare le artiste e gli artisti delle performing arts all’esplorazione dello spazio digitale, come ulteriore o diversa declinazione della loro ricerca autoriale.
Dovrà trattarsi di progettualità artistiche legate ai linguaggi della scena contemporanea e della performance, che nascano direttamente per l’ambiente digitale o che in esso trovino un ambito funzionale ed efficace all’esplicitarsi dell’idea artistica. A titolo di esempio: non si tratta di presentare percorsi di lettura o riprese video di testi o spettacoli esistenti o da farsi, bensì di concepire progetti artistici che abbiano nello spazio web il loro habitat ideale, indicando le modalità di fruizione e interazione da parte dello spettatore. Il progetto può anche prevedere la compresenza di una dimensione dal vivo che affianchi quella digitale, che però deve restare prevalente. Le artiste e gli artisti partecipanti dovranno anche specificare se può risultare utile l’eventuale concessione di un periodo di residenza dal vivo, negli spazi gestiti dai partner dell’azione, o durante il periodo di ricerca (per registrazioni di materiali video, o altro), o nel periodo finale di allestimento. In ogni caso, tutti i progetti devono prevedere una restituzione on-line aperta al pubblico, da tenersi nel corso del mese di novembre 2024.
Ciascuna delle 4 proposte vincitrici riceverà un contributo di residenza di 4.500 euro + iva + messa a disposizione dell’alloggio e di uno spazio di lavoro per l’eventuale periodo di residenza in presenza. Il compenso sarà pagato dietro la presentazione di regolare fattura.
I promotori del presente bando hanno individuato in Marcello Cualbu, Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi e Federica Patti, quattro esperti nell’ambito della creazione digitale che, insieme con i curatori del progetto, saranno i tutor degli artisti durante lo sviluppo dei loro progetti.
I lavori vincitori potranno avvalersi anche di altri contributi produttivi forniti da ulteriori soggetti dello spettacolo, ovvero non si richiede loro alcun vincolo di esclusiva per ciò che riguarda la produzione che resta nell’assoluta disponibilità gestionale degli artisti.
Le artiste e gli artisti interessati a partecipare alla selezione dovranno entrare nel portale www.ilsonar.it e selezionare le pagine relative a bando Residenze Digitali e compilare i campi richiesti dal modulo di partecipazione online. Verranno richiesti loro:
1) una presentazione dell’artista o della compagnia (massimo 1.000 battute);
2) una descrizione del progetto di Residenza Digitale che si intende realizzare, indicando anche se sono necessari uno o più periodi di residenza dal vivo presso gli spazi gestiti dai partner dell’azione (massimo 2.000 battute);
3) l’indicazione di un partner tecnico (programmatore, webmaster, fornitore di specifico know-how) che supporti le necessità dell’opera;
4) un allegato di tipo non testuale che possa illustrare le modalità di realizzazione on-line previste e/o immaginate (video, audio, pdf, PowerPoint), che potrà essere caricato come allegato o fornito come link esterno.
I materiali sopra descritti dovranno essere caricati online entro le ore dodici (mezzogiorno) di giovedì 22 febbraio 2024.
È possibile che gli organizzatori invitino alcuni degli artisti a un colloquio conoscitivo, da realizzarsi in videoconferenza, nel periodo 25-29 marzo, con i candidati che avranno superato la prima fase della selezione.
All’atto di invio dei propri materiali, gli artisti e le compagnie accettano implicitamente tutte le norme contenute nel presente bando.Con il presente bando, il Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche (La Mama Umbria Umbria International – Gestioni Cinematografiche e Teatrali/ZUT – Centro Teatrale Umbro – Micro Teatro Terra Marique – Indisciplinarte), il Centro di produzione di danza e arti performative Fuorimargine di Cagliari e l’Associazione Quarantasettezeroquattro (In\Visible Cities – Festival urbano multimediale) di Gorizia, vogliono sviluppare un dialogo sempre più ampio e fruttuoso tra spettacolo dal vivo e pensiero creativo applicato allo spazio digitale, esplorando un’opportunità di creazione che apre nuove sfide formali e concettuali, produce contenuti artistici innovativi e affianca le forme consuete di fruizione dello spettacolo dal vivo.
Generazione gLocale – Focus Diritti
spettacolo multimediale dal vivo con cuffie audio WiFi | durata 50 min.
Ingresso gratuito fino ad esaurimento posti Per prenotazioni scrivere a biglietti@zonak.it
Una scuola. Un gruppo di adolescenti di Rho. Una voce in cuffia che guida il Pubblico.
Generazione gLocale è un format di teatro partecipativo che racconta le nuove generazioni superando pregiudizi e stereotipi. Dal 2017 ad oggi ha visto la sua realizzazione in diverse città italiane coinvolgendo adolescenti nel ruolo di Protagonisti.
In questi ultimi mesi, durante i laboratori a Rho, siamo partiti da domande di cui non sapevamo già le risposte. Ci siamo chiesti, per esempio, quali sono i diritti che ci appartengono per davvero. Nel nostro quaderno degli appunti abbiamo iniziato a scriverne alcuni: diritto alla cura, diritto alla scuola, diritto alla ribellione, diritto al futuro…
Così abbiamo adottato storie che parlano di noi, dei luoghi che attraversiamo ogni giorno, di desideri e paure comuni. Abbiamo provato a mettere insieme i pezzi costruendo un racconto multimediale dal vivo interamente realizzato con le nostre voci e le nostre azioni.
E tu, quale diritto vorresti adottare?
produzione ZONA K (Milano), creazione collettiva Classe 4AC del Liceo Rebora di Rho (Milano), con Tommaso Amboldi, Pietro Carabelli Pietro, Elizabeth Colaiemma, Elisa Cozzi, Simone Garavaglia, Giulia Girometta, Beatrice Giudici, Francesca Gorla, Sara Lualdi, Anna Manfredini, Sofia Muliari, Francesca Oropallo, Giulia Ragusa,Martina Ranieri, Elena Sardelli, Martina Trovato, drammaturgia e regia Andrea Ciommiento, assistenza alla regia Leda Peccatori, referente scuola Ylenia Marotta, coordinamento didattico Federica Di Rosa, con il sostegno dell’Otto per Mille della Chiesa Valdese, in collaborazione con Lapsus e Terzo Paesaggio
Open Call per “CON L’ANIMALE”
NUMERO23PROD. // MASSIMO FURLAN
Con l’animale Un progetto teatrale di Massimo Furlan & Claire de Ribaupierre
Per il progetto teatrale Con l’animale, gli artisti svizzeri Massimo Furlan & Claire de Ribaupierre sono alla ricerca di racconti, aneddoti e testimonianze di appassionati e praticanti di caccia e pesca, da affiancare a interviste ad antropologi, filosofi e scienziati e a specialisti della fauna selvatica sul tema di queste pratiche.
La loro ricerca artistica pone l’attenzione sulle relazioni tra la natura e i suoi abitanti: chi sono i protagonisti, come interagiscono, come si influenzano a vicenda ed evolvono nello stesso tempo e nello stesso luogo. La raccolta delle testimonianze si trasformerà in un testo teatrale.
Oggi ci accorgiamo sempre più spesso che stiamo trascurando le conoscenze ancestrali, basate su un equilibrio tra ciò che prendiamo dalla natura e ciò che le lasciamo il tempo di ricostituire. Se non conosciamo più l’ambiente, lo stiamo trascurando e se ne prendiamo troppo, lo stiamo distruggendo. Senza la conoscenza dell’intelligenza di ciò che ci circonda, distruggiamo noi stessi.
Si cercano aneddoti, piccoli racconti di giornate di pesca e di caccia. Luoghi, fiumi, laghi, correnti, criteri per trovare i pesci, quale vegetazione, quale altitudine, quale ora del giorno. Boschi, foreste, pianure, montagne, la luce, le tracce, gli odori, la temperatura per il cacciatore. Aspettare la preda, in solitudine e in silenzio. La pazienza. Il rapporto con il tempo. Come accadono le cose piccole, infinitesimali, i microeventi che costituiscono forme di attenzione: la precisione del gesto, l’ascolto, la presenza di segni nell’acqua o nei boschetti, la conoscenza del terreno, la qualità dell’aria, la qualità dell’acqua, la qualità della luce. E poi le abitudini e le traiettorie di pesci e selvaggina: la molteplicità delle specie, il loro comportamento, la loro intelligenza, le loro tecniche.
Gli artisti Massimo Furlan & Claire de Ribaupierre sono disponibili
a incontri in presenze nel periodo 28 novembre – 6 dicembre 2023.
Per informazioni e disponibilità, contattare stagione@zonak.it
Massimo Furlan, regista Massimo Furlan è nato a Losanna nel 1965 da genitori italiani. Dopo aver studiato alla scuola cantonale d’arte di Losanna, lavora nel suo studio, espone regolarmente i suoi dipinti e disegni in varie gallerie e lavora come scenografo. Nel 2003 ha fondato la compagnia Numero23Prod e ha iniziato a sviluppare lavori teatrali e performativi. All’inizio, il suo lavoro si ispira ai suoi ricordi d’infanzia: parte dalla sua storia personale per poi toccare la memoria collettiva di un’intera generazione. Rivisita modelli, sogni e aneddoti che hanno avuto un impatto particolare su di lui e la cui intensità provoca ancora oggi sorpresa e una certa esultanza. Si tratta di progetti come Gran Canyon Solitude (2003), (storia d’amore) Superman (2004), Palo Alto (2006) e Les filles et les garçons (2007). Nei suoi progetti scenici, invita danzatori e altri performer sul palcoscenico per creare quelle che lui chiama immagini lunghe: scatti in sequenza che ricordano il cinema e l’installazione. Continua questa ricerca con You can speak, you are an animal (2009), Schiller Thriller (2011), Giacomo (2012), Un Jour (2014). Accanto ai suoi progetti teatrali, si dedica anche alla performance art, rimettendo in scena partite mitiche della storia del calcio negli stadi di tutta Europa (dal 2000), correndo sulla pista dell’aeroporto internazionale di Ginevra per il Festival de la Bâtie del 2004 nell’aeroporto internazionale e correndo nel tunnel del Grand Saint-Bernard che collega Svizzera e Italia, per Tunnel nel 2015. Ha inoltre interpretato tutti i concorrenti dell’Eurovision Song Contest del 1973 per il Festival di Avignone nel 2010.
Dal 2008 in poi, con la sua drammaturga Claire de Ribaupierre, inventa protocolli e dispositivi unici per la parola, nell’ambito di progetti come Chanteur plutôt qu’acteur (2008), Les Héros de la pensée (2012-2018), Après la fin, le Congrès (2015), Le Concours européen de la chanson philosophique (2019) che portano in scena pensatori.
Nel 2017 il lavoro si è aperto a una dimensione documentaristica, coinvolgendo attori non professionisti, abitanti dei villaggi dei Paesi Baschi per il progetto Hospitalités nel 2017 e lavoratori migranti per Les Italiens nel 2019. Questo approccio, che solleva la questione di chi è in scena e di chi racconta la storia, continua con progetti come Avec l’animal (2022), Les feux (2023) e Dans la terre (2024), che interrogano i gesti e il saper fare. Un altro aspetto del suo lavoro consiste nel portare gli spettatori di notte su treni, autobus e battelli, alla scoperta di paesaggi urbani o selvaggi, attraverso la contemplazione, la musica e la camminata, come una lunga ripresa cinematografica itinerante: così Girls change places (2004), The Wind in the Wood (2016), Nocturne, (2017), Travelling (2017), Factory (2017), Dans la forêt (2020). Massimo Furlan ha ricevuto il Premio svizzero per il teatro nel 2012 e il suo lavoro è sostenuto da un accordo congiunto tra la Città di Losanna, il Cantone di Vaud e Pro Helvetia, la Fondazione svizzera per la cultura.
Claire de Ribaupierre, drammaturga
Claire de Ribaupierre è nata a Losanna nel 1968, ha studiato letteratura e ha conseguito un dottorato in letteratura contemporanea. Svolge ricerche nei campi dell’antropologia, delle immagini e della letteratura. Ha pubblicato Le roman généalogique. Claude Simon et Georges Perec (2002), e ha curato diverse opere collettive sulla questione del lutto e del fantasma (Le corps évanoui, les images subites, 1999), sulla figura dell’idiota (2004) e sulla questione dell’aneddoto (2007). Nell’ottobre 2012, con il Centre d’art de Neuchâtel, ha pubblicato Les Héros de la pensée, un libro che ripercorre le 26 ore di spettacolo e 11 canzoni filosofiche (2019) per il progetto European Philosophical Song Contest. Dal 2003 lavora alle produzioni di Massimo Furlan, prima come interprete e poi come drammaturga.
È stata collaboratrice scientifica e docente presso l’École cantonale d’art du Valais e la Haute École d’art et de design di Ginevra, e ha organizzato diversi incontri in luoghi d’arte che riuniscono artisti e teorici intorno a un tema specifico (aneddoto, archivio, animale, incidente, eccesso, ecc.). Dal 2008 al 2010 ha lavorato come ricercatrice sostenuta dal Fondo Nazionale Svizzero sulle pratiche artistiche dell’archivio e su un progetto sulle pratiche di improvvisazione con diverse scuole d’arte, teatro e musica. Attualmente insegna metodologia, drammaturgia e antropologia presso La Manufacture – Haute école des arts de la scène, nell’ambito del programma di Bachelor in teatro e danza.
videoinstallazione partecipazione gratuita c/o Il D!alma – cantiere creativo urbano Via Claudio Monteverdi, 117 –La Spezia
Dopo il debutto al Teatro degli Impavidi di Sarzana nel 2022, ZONA K propone in forma installativa l’importante lavoro di indagine e coinvolgimento di persone comuni realizzato con la produzione Non siamo niente, saremo tutto.
Interviste, filmati, audio che fotografano un oggi lavorativo complesso, fatto di forti gap generazionali, di aspettative mancate, di realizzazioni, di voglia di partecipare. Un archivio online del mondo del lavoro oggi, partito dalle testimonianze dei primi lavoratori di La Spezia e Sarzana coinvolti e in continua crescita per ogni piazza che lo spettacolo tocca.
Un percorso immersivo in una delle questioni più urgenti per il presente e il futuro di tutti.
un progetto di ZONA K a cura di Fabio Cherstich contenuti e regia dell’omonimo spettacolo Alessandro Renda editing e visual effect video Francesco Tedde e Alessandro Tedde (Antropotopia) Il progetto è realizzato con il sostegno di Fondazione Compagnia di San Paolo nell’ambito di Art Waves Produzioni di cultura contemporanea
AA.VV.
RESTITUZIONI DEI PROGETTI SOSTENUTI DAL BANDO DELLE RESIDENZE DIGITALI: Mara Oscar Cassiani, Malte & Collettivo Ønar, Martin Romeo, Simone Verduci/Ariella Vidach
Per informazioni e acquisto biglietti (3 euro) consultare il sito www.residenzedigitali.it. All’atto dell’acquisto lo spettatore riceverà tutte le informazioni necessarie.
Si rinnova, per il quarto anno consecutivo, l’appuntamento con la Settimana delle Residenze Digitali, progettualità artistiche sperimentali, che trovano nello spazio digitale il loro habitat ideale.
La settimana si svolgerà dal 22 al 26 novembre e prevede le restituzioni dei progetti selezionati attraverso la quarta edizione del bando delle residenze digitali, un progetto ideato e promosso dal Centro di Residenza della Toscana (Armunia – CapoTrave/Kilowatt), in partenariato con l’Associazione Marchigiana Attività Teatrali AMAT, il Centro di Residenza Emilia-Romagna (L’arboreto – Teatro Dimora │ La Corte Ospitale), l’Associazione ZONA K di Milano, Fondazione Piemonte dal Vivo – Lavanderia a Vapore, a cui si aggiungono quest’anno altre due realtà: C.U.R.A. – Centro Umbro Residenze Artistiche (La Mama Umbria Umbria International – Gestioni Cinematografiche e Teatrali/ZUT – Centro Teatrale Umbro – Micro Teatro Terra Marique – Indisciplinarte) e la FondazioneTeatro Comunale Città di Vicenza.
Il programma della settimana
22 – 26 novembre dalle 16.30 alle 18.00, di CITIZENSdi SIMONE VERDUCI / ARIELLA VIDACH, progetto di arte performativa e partecipativa immaginato per lo spazio virtuale che ripercorre la definizione di eterotopia enunciata dal filosofo Michele Foucault, usata per indicare quegli spazi che hanno la particolare caratteristica di essere connessi a tutti gli altri spazi, ma in modo tale da sospendere, neutralizzare o invertire l’insieme dei rapporti che essi stessi designano, riflettono o rispecchiano. Il corpo dello spettatore è il motore di questo attraversamento. Conversazioni in corso, corpi danzanti, la preghiera in una chiesa, la confusione di un mercato affollato, sono solo alcune delle situazioni che gli utenti possono incontrare durante il loro percorso, oltre alla possibilità di interagire tra loro. Le situazioni agite da rappresentazioni virtuali sono le controparti umane. La scelta del percorso influenzerà direttamente l’evolversi degli eventi, la trama e il modo in cui lo spettatore si relazionerà all’esperienza. Le musiche sono di Franco Conte.
Simone Verduci è creative technologist e new media artist. La sua ricerca è incentrata sullo sviluppo e l’applicazione di nuove tecnologie per l’arte e il design, con uno sguardo sempre attento al contemporaneo e alla multidisciplinarietà. Ariella Vidach si forma a New York negli anni Ottanta, dove ha modo di approfondire il lavoro con i protagonisti della danza postmoderna americana. Torna a Milano nel 1990 e nel 1996 fonda la Compagnia di danza Ariella Vidach – AiEP, con la quale produce performance multimediali che affiancano alla ricerca coreografica l’interesse per il rapporto tra corpo e tecnologia. Nel 2017 AiEP riceve il “Premio Speciale” nei Premi della danza svizzera per la ricerca e l’innovazione del linguaggio.
Giovedì 23 e venerdì 24 è il momento diAI LOVE, GHOSTS AND UNCANNY VALLEYS <3di MARA OSCAR CASSIANI. Il lavoro può essere fruito in versione online giovedì 23 dalle 11 alle 12.30 e in versione ibrida, online e in presenza alla Lavanderia a Vapore di Collegno (To), venerdì 24/11 dalle 11 alle 12.30 – in presenza replica riservata alle scuole- e dalle 19 alle 20 – durata fra i 10 e i 30 minuti).
Possiamo innamorarci di una Ai (intelligenza artificiale) e poi decidere di lasciarla? Amici virtuali, avatar che posseggono profili Instagram e ci danno consigli, Ai che diventano i partner nella vita affettiva. In molti modi, sembra la relazione perfetta, perché si potrebbe sempre fare affidamento sul compagno di intelligenza artificiale, sempre disponibile a fornire compagnia e comprensione. Mentre aumentano le relazioni reali sparite in preda al ghosting (la scomparsa di qualcuno senza spiegazioni), le relazioni con le Ai crescono. I corpi, che sembrano spesso semi coscienti con un dispositivo in mano, vivono una seconda vita emotiva e reale sulle piattaforme social e Ai. Le Ai colmano i vuoti degli umani che infondono in loro quello che Gilbert Ryle nel 1949 chiamava il Ghost, l’anima nella macchina. Eppure, questo meccanismo di estrema umanizzazione diventa aberrante: quanto più la Ai assomiglia all’umano, tanto più gli utenti sono sconvolti (effetto Uncanny Valley). Il processo di ricerca oscilla tra storytelling di YouTube e momenti di realtà aumentata e si è sviluppato anche nel corso di due residenze: la prima in Lavanderia a Vapore, che ha permesso all’artista di interrogarsi su questi temi incontrando studenti e studentesse del Liceo Curie di Collegno e dell’Università DAMS di Torino, e la seconda presso C.U.R.A. centro umbro residenze artistiche. L’obiettivo è narrare ma anche dare una dimostrazione performativa della coesistenza di un rapporto tra Ai, in forma di avatar virtuali e utenti, e l’impatto sulla presenza corpo e sul nostro comportamento dell’uso dei device come tramite comunicativo. Mara Oscar Cassiani condividerà, inoltre, il processo di ricerca, la sua poetica artistica e l’esperienza di Residenze Digitali, durante la sua permanenza a Torino, il 26 novembre in occasione di onLive Campus, progetto promosso da Piemonte dal Vivo, quest’anno nell’ambito della sesta edizione del TFI Torino Film Industry al Circolo dei lettori. onLive Campus è un contesto in cui dare visibilità alle nuove estetiche e all’impatto delle residenze dedicate alle arti digitali in dialogo con la rete, come conferma la presenza nella stessa giornata di Kamilia Kard, tra i vincitori della precedente edizione di Residenze Digitali, e di MALTE & Collettivo ØNAR, altro progetto selezionato dal bando, sempre il 26 novembre a Torino per Memissima.
Mara Oscar Cassiani è un’artista wifi-based che lavora nel campo della performance, della coreografia, dei linguaggi digitali, del ritual clubbing, esplorati attraverso pratiche performative live, sia offline che online. La sua ricerca è incentrata sulla creazione di un’iconografia contemporanea, in cui le nuove grammatiche e i rituali sono mutuati dal mondo di internet, dalle sottoculture, dagli avatar e dall’immaginario del brutal capitalismo. Il rapporto che intrattiene con il pubblico, in una dimensione allargata – sia live che mediata – viene esplorato, attraverso questi immaginari visivi, in allestimenti performati in luoghi open space o in spazi virtuali open source. La performance risultante diventa un flusso di immagini, un continuo scroll-down tra estratti di cultura avatar, folklore rituale, folklore digitale e di riappropriazione nei confronti del linguaggio capitalista. L’artista ci restituisce così un’istantanea globale, un “fast food visivo” tra kitsch, cruda ritualità e apocalisse.
Giovedì 23, dalle ore 18 alle ore 20 dal vivo presso ZONA K e per un gruppo di 100 iscritti su Telegram, (replica domenica 26 dalle 18,30 alle 20 live da Off Topic di Torino per Memissima e fruibile da un gruppo Telegram di 100 iscritti) TEATROPOSTAGGIO di GIACOMO LILLIÙ. Lo shitposting è la condivisione in una chat o sui social di contenuti volutamente scadenti o fuori contesto, con l’obiettivo di far esplodere qualsiasi possibilità di comunicazione univoca. Strumento principale di questa operazione sono i meme, dunque assemblaggi di immagini, video e testi: una dialettica tra scritto e icona assimilabile a quella tra parola e palco. Ma cosa succede se si utilizza lo shitposting per “schiantare” i paradigmi drammaturgici? Giacomo Lilliù (ideazione e curatela performativa) e Pier Lorenzo Pisano (curatela drammaturgica) hanno selezionato 5 tra i più interessanti creatori di contenuti memetici, e li hanno invitati a creare nuovo materiale insieme a 4 attori professionisti. Per la Settimana delle Residenze Digitali, il percorso di ricerca trova attuazione sull’applicazione di chat Telegram, con una performance in bilico tra dadaismo, oscenità e nichilismo semantico. Gli attori saranno chiamati a condividere piccoli atti situazionisti in foto e video, che fungeranno da base per l’operazione di risignificazione dei memer, che a loro volta ispireranno nuove situazioni agli stessi performer, in un processo di feedback in cui è impossibile arrivare al termine di un qualsiasi pensiero. D’altronde, se lo shitposting serve a far saltare le fila del discorso, nessun discorso può dirsi immune da questa tentazione a deragliare.
Giacomo Lilliù (1992) è regista e attore. Formatosi alla Scuola del Teatro Stabile delle Marche e successivamente alla LAMDA di Londra, dirige e collabora a progetti in Italia, Polonia, Regno Unito. Come attore recita per Marco Baliani, la compagnia belga Ontroerend Goed, Romeo Castellucci. Dal 2014 collabora con la compagnia MALTE, diretta da Sonia Antinori, con la quale dirige e interpreta progetti come Teoria della classe disagiata, adattamento ufficiale dell’omonimo saggio di culto. Nel 2015 crea Collettivo ØNAR, gruppo informale attraverso cui si dedica alla creazione multidisciplinare e intraprende un percorso di ibridazione fra teatrale e digitale, realizzando opere come WOE/Wastage of Events (vincitore Residenze Digitali 2021). Nel 2022 il network Fondo, istituito da Santarcangelo Festival assieme ad altri 13 enti, gli riconosce una fellowship per la sua personale ricerca artistica.
Conclude la programmazione, venerdì 24 a Vicenza, dalle 20 alle 22,30 in 5 turni da 5 persone per volta, durata 30 minuti e sabato 25 nella sua versione online dal teatro virtuale di AMAT dalle 20 alle 22 (sempre 5 turni per 5 persone alla volta) HUMANVERSEdi MARTIN ROMEO.Una ricerca sul post-umano che considera tutti gli attori presenti come parte di un ecosistema: elementi fisici, non fisici, digitali, virtuali e phigital. Il metaverso è parte di questo nuovo ecosistema-mondo con il quale dobbiamo interfacciarci in vista della nascita di una nuova “civiltà”. Humanverse ci porta a riflettere sulla questione antropologica del corpo, in una realtà in cui vengono contrapposti mondi fatti di nuove alleanze tra specie diverse e abitati da esseri permeabili, ibridi e molteplici, come le creature fantastiche inventate da Carrington. Che farcene della nostra materia quando tutto è sempre più immersivo? In un mondo sempre più propenso all’immersività, quali priorità si vuole stabilire? Lo sviluppo di queste tematiche darà vita a elaborati audiovisivi generati con piattaforme AI (MidJourney, OpenAI, ChatGPT) che saranno presentati al fine di instaurare dialoghi e scambi. Lo spettatore potrà accedere a questo ambiente sia da computer che da smartphone tramite un avatar, avrà modo di interagire fisicamente grazie all’impiego di visori Quest 2 messi a disposizione durante le restituzioni pubbliche. Potrà partecipare all’esperienza in tempo reale, vivere all’interno di questo ecosistema e farlo evolvere.
Martin Romeo è un artista multimediale Italiano cresciuto in Argentina, la cui ricerca è rivolta all’arte interattiva, spaziando tra videoinstallazioni e performance di danza. Partecipa a numerosi festival internazionali, tra cui File – Electronic Language International Festival in Brasile e all’ International Sarajevo Winter Festival in Bosnia-Erzegovina. I suoi lavori sono stati esposti al Minsheng Art Museum in Cina, all’ IMRC Center in US, e a varie biennali, tra cui la 54° Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia e la 15° BJCEM in Grecia. Ha creato diversi progetti culturali ed è direttore artistico del Toolkit Festival di Venezia e Screening Festival di Trieste. Insegna all’Università ISIA e all’ Accademia di Belle Arti di Urbino.
Mauro Pescio (IT)
Tratto da Podcast Io ero il Milanese di Raiplay Sound
Spettacolo teatrale | durata 75 min
c/o Casa Circondariale“Francesco Di Cataldo” San Vittore Piazza G. Filangieri 2 – Milano
Uno spettacolo nato come podcast dalla penna di un attore-scrittore, Non è la storia di un eroe è la restituzione live del podcast Io ero il Milanese di e con Mauro Pescio. Lo spettacolo è il racconto di un uomo che nella vita ha fatto tante scelte sbagliate, un uomo con cui la sfortuna si è accanita, un uomo che ha toccato il fondo, ma che da quel fondo si è rialzato. La storia di Lorenzo è diventata un podcast, intitolato Io ero il Milanese, prodotto da RaiPlay Sound, diventato un vero e proprio caso nel 2022. Partito in sordina, grazie al passaparola il podcast ha conquistato il pubblico superando i 700 mila ascolti. Ora la storia di Lorenzo S. potrà essere conosciuta dal vivo: lo spazio teatrale è, per antonomasia, lo spazio della rivoluzione, adatto quindi a dare voce alla rivoluzione personale di Lorenzo S. e alla sua storia difficile, dura, ma anche piena di speranza.
di Mauro Pescio e Lorenzo S. con Mauro Pescio e la partecipazione straordinaria del Coro La Nave di San Vittore a cura di Associazione Amici della Nave, Associazione Verso Itaca, ZONA K
Mauro Pescio, autore radiofonico e teatrale. Dopo essersi diplomato alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano si trasferisce a Roma dove fonda una compagnia teatrale con cui lavora per dieci anni. Dal 2012 è autore di “Voi siete qui” per Radio24 e dal 2015 di “Pascal” di Radio2. Per Audible ha scritto “La piena”, prima produzione italiana di Amazon di un podcast teatrale. Dal 2017 collabora con Radio3 per la trasmissione di audiodocumentari “Tre soldi”.
DANAE FESTIVAL 25^ edizione
Anche quest’anno ZONA K si fa tappa del DANAE FESTIVAL, un progetto di Teatro delle Moire giunto alla 25^ edizione, e accoglie lo spettacolo di
Rita Frongia, drammaturga, attrice, regista, che da molti anni scrive per Claudio Morganti, presenta il dittico Étoile & Star, per i quali ha sentito il desiderio di lavorare con uno sguardo coreografico, coinvolgendo due interpreti con una lunga e articolata storia artistica: l’attore Stefano Vercelli che ha lavorato tra gli altri con Jerzy Grotowski e Eugenio Barba e la danzatrice americana Teri Weikel che ha alle spalle una serie di collaborazioni con artisti e artiste di fama internazionale e dal 2002 è insegnante del Metodo Feldenkreis applicato alla danza.
Dopo una lunga vita sulla scena, quando l’equilibrio del danzatore si fa precario e le ossa sporgono come rami in cerca di luce e non ci sono più virtù e giovinezza da esibire, si va all’osso appunto, si indaga il piccolo, il sottile, l’inenarrabile, si evocano i fantasmi di una vita e si desidera danzare come mai si sarebbe immaginato. È questo il desiderio. Se metti insieme la lunga vita di un artista, più la storia che desidera incarnare (o il fantasma che cerca di evocare), viene fuori una terza storia: il suo umano ritratto. Serve una storia che faccia la grazia di nascondersi, una drammaturgia che rispetti l’intelligenza del pubblico e che non suggerisca chiavi di lettura, serve che l’artista sia presente, che in scena indaghi attimo per attimo tempi e forme, affinché si possa immaginare l’indicibile, vedere l’invisibile.
Info e Acquisto biglietti ➝ DANAEFESTIVAL.COM
BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini
LABORATORIO TEATRALE PERMANENTE CAPITOLO 2. Alla ricerca della mia storia nella città
Uno spazio aperto ai cittadini di tutte le età. Un laboratorio teatrale per portare in scena storie personali, questioni sociali o culturali urgenti, in un contesto professionale.
Dopo il CAPITOLO 1 “Alla ricerca della pubblica felicità”, ZONA K invita i cittadini ad esplorare la città attraverso la memoria personale, a riscoprire luoghi che sono o sono stati significativi per la propria vita, che hanno segnato un passaggio, una svolta, un cambiamento.
La città cambia, e noi cambiamo con la città. Ma allo stesso tempo le sue strade, i suoi edifici, le sue panchine rappresentano un archivio di ricordi, emozioni, desideri, propositi. Raccontiamola attraverso le nostre esperienze personali e, perché no?, anche attraverso le nostre visioni di un futuro possibile.
“BÜRGERBÜHNE – La scena dei cittadini” si ispira all’omonimo progetto dello Staatsschauspiel di Dresda e intende sviluppare percorsi in cui i partecipanti lavoreranno alla creazione e alla realizzazione di una performance teatrale che verrà inserita nella stagione 2024 di ZONA K. I cittadini trasformeranno le loro istanze in linguaggio artistico per trovare così nuove forme di partecipazione attiva.
Il percorso è suddiviso in due parti.
1. Laboratorio propedeutico di teatro documentario condotto da Nicola di Chio e Miriam Selima Fieno. Un percorso formativo ibrido dove tecniche teatrali, ricerca documentaristica e dimensione digitale convergono, per esplorare le possibilità creative e narrative di un’indagine personale. c/o Living Moneta* / Associazione Porta Moneta – via Ernesto Teodoro Moneta 56, Milano (quartiere Affori) 6 incontri ogni martedì dalle ore 21.00 alle 23.00 nei giorni 10, 17, 24, 31 ottobre, 7 e 14 novembre
*richiesto il tesseramento annuale € 10,00
2. Laboratorio finalizzato alla creazione e alla messa in scena di una performance teatrale condotto da Federica Di Rosa. c/o ZONA K – via Spalato 11 Milano (quartiere Isola) 19 incontri dalle ore 20.00 alle ore 22.00 ogni martedì a partire dal 28 novembre 2023
NB: si può partecipare solo al laboratorio c/o Moneta oppure solo al laboratorio c/o ZONA K o, in alternativa, si può decidere di seguire entrambi i laboratori per un totale di 25 incontri.
La partecipazione al primo laboratorio è gratuita*, la partecipazione al secondo laboratorio prevede un piccolo contributo di € 100,00.
Requisiti per partecipare: occorre avere compiuto 18 anni e garantire la presenza per almeno l’80% degli incontri del laboratorio scelto o di tutto il percorso laboratoriale.
Come partecipare: entro il 3 ottobre 2023 invia all’indirizzo organizzazione@zonak.it il tipo di percorso laboratoriale scelto, i tuoi contatti, non più di 10 righe per presentarti e l’indicazione di un luogo della città di Milano che è o è stato importante per te e per quale motivo. Il gruppo di partecipanti sarà formato da un numero massimo di 15 partecipanti a laboratorio che saranno selezionati sulla base del materiale inviato e a seguito di un breve colloquio individuale. Nell’individuare i partecipanti, cercheremo di formare un gruppo il più vario possibile, che sia rappresentativo della città.
Un progetto ZONA K realizzato con il contributo di Fondazione Cariplo in collaborazione con Porta Moneta, Project for People, Stratagemmi Prospettive Teatrali
I KEPLER-452 si raccontano: una parabola tra teatro e realtà
È da qualche tempo che ci occupiamo di raccontare la realtà, di tentare di portarla in scena, con tutte le resistenze, intuizioni, difficoltà, scoperte, meraviglie che ne conseguono.
Dopo circa dieci anni di questo lavoro pensiamo di non aver elaborato un vero e proprio metodo, perché la realtà e il teatro sono due cose che, messe insieme, è difficile che forniscano due volte circostanze analoghe o anche solo simili. Il cortocircuito tra loro è un’altra realtà, ancora. Irripetibile.
Quando ZONA K ci ha chiesto di tenere una “MasterClass”, abbiamo pensato che, in poche ore, sarebbe stato difficile trasmettere a qualcuno la nostra pratica di lavoro.
Abbiamo deciso, piuttosto, di ripercorrere insieme questi dieci anni di incontri, tentativi, spettacoli, persone, identità, fallimenti, e raccontarli pubblicamente, nella speranza che questa parabola narrativa tracci qualcosa di simile, se non a un metodo, a una possibilità di teatro.
Una sintesi che offra l’occasione di affacciarsi su un’avventura che possa, forse, far intravedere una strada, un’intuizione nuova, in qualcuno che l’ascolta .
Nicola Borghesi, Enrico Baraldi
La masterclass si svolge il giorno 5 OTTOBRE 2023 dalle ORE 16.00 alle ORE 18.00 presso il Teatro OUT OFF – via Mac Mahon 16 Milano.
La partecipazione è gratuita e avviene attraverso la compilazione di ➝ QUESTO MODULO Il numero delle/dei partecipanti è limitato. I posti verranno assegnati in base all’ordine di arrivo dei moduli correttamente compilati.
18 ottobre ore 16.00 vers. ENG + ITA 19 ottobre ore 16.00 vers. ENG 20 – 21 ottobre 2023 ore 16.00 vers. ITA
Camminata urbana per soli 20 spettatori | Durata 270 min.
c/o Spazi urbani*
L’uomo che cammina è un viaggio a piedi di circa quattro ore per 20 spettatori e spettatrici alla volta. Una figura, umbratile e sfuggente, percorre la città passeggiando. Attraverso il suo viaggio il paesaggio si apre e si nasconde agli occhi del pubblico che segue a distanza, come a spiare, in bilico tra identificazione e distacco.
A partire dalla graphic novel di Jiro Taniguchi, DOM- costruisce una drammaturgia di spazi per addentrarsi sempre più profondamente nel groviglio della città, e lasciare che l’esperienza viva del cammino diventi il pretesto per un corpo a corpo con il reale. Protagonista del remake milanese è lo scrittore e drammaturgo Antonio Moresco. Mettendosi sui suoi passi e seguendo la sua figura di spalle, il pubblico si ritrova immerso dentro un fantasmatico piano sequenza. Gli spazi si susseguono – una piazza, una stazione, una cattedrale, una palude, un campo incolto, un motel, una piscina – e si intrecciano con scritture solitarie e racconti di viaggi notturni.
Dopo gli allestimenti originali del 2018 e 2019, realizzati grazie alla collaborazione tra ZONA K e Danae festival, il progetto viene ora proposto anche nella versione inglese in vista del meeting internazionale INSITU Artistic Lab.
progetto a cura di DOM- creazione, drammaturgia e regia Leonardo Delogu, Valerio Sirna con Antonio Moresco e con Paola Galassi, Isabella Macchi, Achraf Saiklaroussi con la guida di Sathya Nardelli e con la partecipazione delle allieve e degli allievi dell’ITSOS Albe Steiner liberamente ispirato all’omonimo fumetto di Jiro Taniguchi L’uomo che cammina sonorizzazione del testo “Camminare da solo, di notte di Antonio Moresco” a cura di Fabio Zuffanti con la voce di Gabriele Portoghese nella versione inglese elaborazione suono audioguida Lorenzo Danesin traduzione inglese dei testi Richard Courtenay Dixon progetto video di Studio Azzurro a cura di Alberto Danelli, Alexey Demichev, Laura Marcolini, Martina Rosa coproduzione Sardegna Teatro e ZONA K, co-produzione edizione 2018 e 2019 Teatro delle Moire con la collaborazione di Terzo Paesaggio si ringrazia per la collaborazione Museo del Novecento, Abbazia di Chiaravalle e Milanosport
Gli allievi di dell’ITSOS Albe Steiner: Johan Boccalini, Alessandro Delbosio, Deva Diminutto Formiconi, Claudia Ghielietti, Aurora Gigliotti, Manuel Giuliano, Eleanna Marseglia, Giada Mura, Sam Nalgrati, Mariangela Valle.
*Il luogo di partenza sarà comunicato via sms il giorno precedente lo spettacolo. Sarà necessario lasciare a ZONA K il proprio numero di cellulare. Si raccomanda abbigliamento e scarpe comode. Camminata non adatta a persone con capacità motoria ridotta.
DOM- è un progetto di ricerca nato nel 2013 dalla collaborazione tra gli artisti Leonardo Delogu e Valerio Sirna. DOM- indaga il linguaggio delle arti performative, contaminandolo con l’approccio militante delle Environmental Humanities e con le istanze e gli immaginari delle ecologie femministe e queer. La ricerca ruota attorno al rapporto tra corpi e territori, investigando il nodo della permeabilità e osservando come potere, natura, cultura e marginalità interagiscono nello spazio pubblico. DOM- costruisce opere performative, camminate, giardini, testi, conferenze e dibattiti, opere audiovisive, workshop, dj-set e feste. www.casadom.org
Antonio Moresco, Scrittore italiano [Mantova, classe 1947]. Dopo aver compiuto un difficile apprendistato di cui dà conto in Lettere a nessuno (1997) documentando criticamente la difficoltà di emergere dalla condizione di scrittore sotterraneo e rifiutato dal mondo editoriale italiano, ha pubblicato nel 1993 la raccolta di racconti Clandestinità, in cui sono già presenti i temi che sostanziano la sua opera, resi in uno stile asciutto e iperrealista che ne accresce l’impatto drammatico: quello della solitudine, in primo luogo, attraversata da una dimensione del sogno come straniamento da sé, cui si affianca il motivo ricorrente di una ricerca affannata di senso che si dipana attraverso percorsi obliqui e instabili. Il fulcro dell’opera di Moresco ruota intorno alla vasta opera Giochi dell’eternità, scritta nell’arco di 35 anni, costituita da Gli esordi (1998), Canti del caos (edito in due volumi nel 2001 e 2003) e Gli increati (2015). Tra le sue altre opere: La cipolla (1995), Lo sbrego (2005), Scritti di viaggio, di combattimento e di sogno (2005), Merda e luce (2007), La lucina (2013), Fiaba d’amore (2014), I randagi (2014), Piccola fiaba un po’ da ridere e un po’ da piangere (2015), L’addio (2016), Fiabe da Antonio Moresco (2017) e, entrambe nel 2018, L’adorazione e la lotta e Il grido. Fondatore nel 2003 del blog Nazione indiana, nel 2005 ha creato la rivista telematica e cartacea Il primo amore.
con il patrocinio e il contributo di
con il contributo di
Jens Hillje, Alessandro Renda (DE/IT)
Un progetto di ZONA K
Una chiamata pubblica, decine di lavoratrici e lavoratori che rispondono. È l’inizio del progetto che si è concretizzato nell’ultimo anno con incontri, laboratori teatrali, ricerca, video documentari, canzoni di protesta, cortei, un pretesto (America di Kafka), tre attori, un regista e un dramaturg.
Il “lavoro” come fil rouge. Il lavoro come aspirazione, come scelta obbligata, come fonte di sostentamento, ma soprattutto come motore che delinea le traiettorie, definisce autostima e convinzioni personali, rischia di plasmare i nostri valori e determina dove e con chi trascorriamo la maggior parte del tempo.
Ma il lavoro definisce veramente chi siamo? Quanto risponde alle nostre aspettative? Quanto peso ha nella nostra vita e nelle scelte che facciamo? Può oggi rappresentare un punto di osservazione sullo stato di salute della società, soprattutto dopo la fase acuta dell’emergenza sanitaria?
Non siamo niente, saremo tutto è la traduzione letterale di un verso de L’internazionale scritto dal poeta e rivoluzionario Eugène Pottier 150 anni fa. Non siamo niente, saremo tutto è anche il progetto teatrale prodotto da ZONA K, in cui Jens Hillje e Alessandro Renda hanno coinvolto lavoratrici e lavoratori di diversi settori, per esplorare storie individuali e affrontare il tema da differenti prospettive: possiamo specchiarci nelle storie lavorative altrui per sentirci più interconnessi? Quanto condiziona le nostre esistenze il rispetto di una volontà o di una vocazione? Comprendere felicità o insoddisfazioni individuali ci aiuta a valutare il benessere collettivo? Il concatenamento di storie diventa uno strumento di indagine per trasformare l’esperienza collettiva in una narrazione condivisa, un coro pensato come opera d’arte totale e scultura sociale per riabbracciare un desiderio di comunità e, attraverso il teatro, trovare nuove forme di rappresentazione della realtà.
c/o e in collaborazione con Teatro degli Impavidi di Sarzana (SP)
regia: Alessandro Renda; dramaturg: Jens Hillje; con: Roberto Corradino, Milena Costanzo, Matteo Gatta, i cittadini e le cittadine della chiamata pubblica di La Spezia e Milano e con i cori Four Steps Choir, Coro F.de André, Batebalengo, diretti da Gloria Clemente e Pietro Sinigaglia; scenografia: Denise Carnini e Francesca Pedrocchi; disegno luci: Mario Loprevite; editing e visual effect video: Francesco Tedde (Antropotopia); foto: Luca Del Pia; produzione ZONA K (MI); co-produzione: Pergine Festival (TN), Associazione 47|04 (GO); produzione esecutiva Valentina Picariello e Renata Viola; organizzazione Federica Bruscaglioni; con il sostegno e la collaborazione di Fuori Luogo La Spezia/Gli Scarti; in collaborazione con Olinda onlus, Project For People, Stratagemmi Prospettive Teatrali
Il progetto è realizzato con il sostegno della Fondazione Compagnia di San Paolo nell’ambito di Art Waves Produzioni di cultura contemporanea e con il sostegno di Fondazione Cariplo e del Comune di Milano
Alessandro Renda è attore, regista e filmmaker nel Teatro delle Albe di Ravenna. Si avvicina alla compagnia fin da adolescente partecipando ai laboratori della non-scuola, pratica teatral-pedagogica antiaccademica creata da Marco Martinelli. Nel 1998 viene scelto per interpretare uno dei dodici “palotini” dello spettacolo I Polacchi, testo e regia di Martinelli e da allora è attore e regista della compagnia. Dal 2001 è guida nei laboratori non-scuola. Dal 2003 si occupa di video, realizzando proiezioni per la scena o “traduzioni” in video di molti spettacoli del Teatro delle Albe e documentari su esperienze teatrali in giro per il mondo della compagnia.
Jens Hillje (Germania, 1968) dal 1989 al 1995 studia Arti applicate all’Università di Perugia, studi che prosegue a Hildesheim e a Berlino. Dal 1990 lavora nella scena del teatro indipendente tedesco come attore, autore e regista. Nel 1996 ha fondato insieme a Thomas Ostermeier lo spazio ‘Barracke’ al Deutsches Theater. Dal 1999 fino al 2009 è Chief-dramaturg e membro della direzione artistica della Schaubühne di Berlino con Thomas Ostermeier e la coreografa Sasha Waltz: con loro crea un ensemble permanente di danza e prosa di rilievo internazionale. In qualità di dramaturg lavora con i maggiori esponenti del teatro europeo: oltre a Ostermeier, Yael Ronen, Falk Richter, Luk Perceval, Sebastian Nübling, Nurkan Erpulat. Durante il suo periodo alla Schaubühne, Jens Hillje ha creato il F.I.N.D Festival nel 2000. Il festival per la drammaturgia internazionale e contemporanea ha presentato autori emergenti della scena teatrale e oggi è uno dei più rinomati festival in Germania. Dalla stagione 2013/14, Jens Hillje è co-direttore artistico e Chief-dramaturg del Gorki, insieme a Shermin Langhoff. Dal 2021 è free dramaturg. Nell’estate 2019 è stato insignito del Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia.
