Last focus of the season, HUMAN offers performances that address the times of today by placing man and his rights, his strengths, his contradictions and sufferings at the centre. After the short century, which showed the brutality of humanity and also the ability to get involved again, what have we become? Who do we want to be?

Hobsbawn said that the 1900s had ended in a global disorder of an unclear nature and without a clear mechanism to end or control it. Are we facing the new twenties, with the naïve and glitzy consciousness of what is happening around us?

Will the homo sapiens, well defined and described by Harari, be able to make sense of the world he created? And understand global developments and distinguish the mistake from what is correct?


These, the shows of FOCUS VIRTUAL.

October – November
[Travelling show]
A ZONA K production in collaboration with Casa degli Artisti

c/o places in the city


22 – 23 October

c/o ZONA K


12 – 13 November

c/o ZONA K


28 – 29November
[multimedia show]
A ZONA K co-production presented in collaboration with Olinda Onlus

c/o TeatroLaCucina


26 – 29 novembre

At the end of not only the year but also of the three-year period and of a path that until today has led us to invite the most representative names of that genre defined Theatre of reality, we will dedicate two days to a convention of reflection and comparison on what future prospects they are outlined in the relationship and in the action of the theatre on reality.
An important opportunity to take stock of the current situation in Europe but also to open up new questions and questions. For the occasion, some of the artists hosted over the years and the operators and critics most sensitive to the topic will be invited.

c/o ZONA K and other places in the city


Discover the entire programme of the Theatre Season 2020 REALITY


Photo ©Rocco Rorandelli / TerraProject

Agrupación Señor Serrano (ES)

There is a widely diffused image that traces the history of ideas: climbing a mountain, overcoming all difficulties to reach its top and, once there, being able to see the world “as it is”. Reaching the truth and not just shadows and reflections. It is a beautiful image in all respects.

But is it really so? Often looking from above you can see nothing but clouds and fog covering everything or a landscape that changes according to the time of day or the weather. What is the world like then? How is the truth? Is there the truth? Is the truth the top of a mountain to be crowned and that’s all, or rather a cold and inhospitable path that must be continually walked?

In The Mountain, the latest show by the award-winning Catalan company, the first expedition to Everest converges, the outcome of which is still uncertain today, Orson Welles sowing panic with his radio program The War of the Worlds, badminton players who they play baseball, a fake news website, a drone scanning the audience, lots of snow, mobile screens, fragmented images, and Vladimir Putin speaking content with trust and truth.

A white and diaphanous stage. Miniatures to scale on practicables, a radio studio, a reproduction of Everest, portable projection screens and film tripods form a space halfway between a TV set, a museum and a badminton court. A network of ideas, stories, images, actions and concepts is the basis of The Mountain’s dramaturgical framework. With these materials, unfolded in layers that mix, creating unexpected connections, the show presents itself as an unmapped exploration of the myth of truth.


A ZONA K co-production presented in collaboration with Olinda/Da vicino nessuno è normale

c/o Olinda/Da vicino nessuno è normale, Ex O.P. Paolo Pini – via Ippocrate, 45

Info: multimedia show – duration 70 min. – in English with Italian subtitles


creation Agrupación Señor Serrano dramaturgy and direction Àlex Serrano, Pau Palacios, Ferran Dordal performance Anna Pérez Moya, Àlex Serrano, Pau Palacios, David Muñiz management Art Republic A GREC production Festival de Barcelona, ​​Teatre Lliure, Conde Duque Centro de Cultura Contemporánea, CSS Stable Theater of Innovation of Friuli – Venezia Giulia, Teatro Stabile del Veneto – National Theater, ZONA K, Monty Kultuurfaktorij, Grand Theater, Feikes Huis With the support of Departament de Cultura de la Generalitat, Graner – Mercat de les Flors. Photo: © Jordi Soler





In Edgar Allan Poe’s story The man of the crowd, a chaotic and unpredictable world is described in which fascination and horror coexist. We are all witnesses and actors in a show where roles and origins are mixed in incessant movement. The crowd appears as a mysterious and disturbing entity that overpowers and annihilates the individual. Starting from the ideas of Poe’s story, the show explores the darkness that has characterised these last decades. Unhappiness, insecurity, suffering and uncertainty trigger fear and violence, a regression compared to the level of “civilization”, laboriously conquered and by now considered consolidated in Europe like in the United States, in India like in Australia and elsewhere. We live in a world that is more connected but less integrated. Resentment has become a global epidemic. We are stuck in the belly of a beast. Who is this beast? Are we this beast? Are they? Who are they? Think with your gut, when you have forgotten about your heart.


Conceived, written and performed by Isabelle Kralj, Mark Anderson and Alessandro Renda, the show is a gathering of three different countries, three cultures, different stories and languages, but with the same fears, the same questions, the same desires, the same insecurities. In the Belly of the Beast builds a multi-layered structure of stories, using different stylistic approaches and languages, alternating reality and dream, alienation and solidarity, irony and poetry. Between past and present. On the stage of the Theatre Season 2020 REALITY, a diverse and frantic humanity, figures of today and shadows from the past who present themselves through monologues and dialogues, music, video and movement.


c/o ZONA K

Info: show • duration 80 min. • in English, Slovenian and Italian with surtitles

Standard ticket: 15 € – Students/under 26/over 65/groups 10€



By and with Mark Anderson, Isabelle Kralj, Alessandro Renda, production Theatre Gigante (USA), Teatro delle Albe / Ravenna Teatro (IT)



In 2014, the show of the Teatro delle Albe Noise in the waters (by Marco Martinelli, with Alessandro Renda on stage) was on tour in the United States, guest at the La Mama Theater in New York, then in New Jersey and in Chicago. In Chicago, thanks to the invitation of Thomas Simpson (associate professor at Northwestern University of Chicago and translator in English of many important Italian authors, including Marco Martinelli), Isabelle Kralj and Mark Anderson, co-directors of Gigante Theater, attended the show and decided to host it in their city, Milwaukee (Wisconsin). That is how a fertile collaboration began that brought Alessandro Renda back to the United States the year after. The artistic bond between Isabelle Kralj, Mark Anderson and Alessandro Renda has been renewed in Italy, in Ravenna. The In the Belly of the Beast project is a new collaboration between the two companies in search of harmony, resonances and differences between poetry. It is the first co-production of the Teatro delle Albe with an American company and for the Giant Theatre it is the first co-production with a European company.



For the 2020 Theatre Season REALITY Valeria Raimondi and Enrico Castellani discuss together the Regeni story in the new show Giulio, dedicated to the student tortured and killed in Cairo in February 2016. A resolute investigation on the border between information and propaganda, between power and crime, between reason of state and inviolable rights, which questions the apparatus of the law, violence and the profound meaning of being free citizens in a free state.

Giulio Regeni is not just a news story.

Giulio Regeni makes us asking ourselves what a State means. What does justice mean. What does power mean. What does the police mean? What does trial mean. What does legality mean. What does prison mean. What public opinion means. What journalism and freedom of information mean.

Giulio Regeni makes us asking ourselves the fundamental questions of social and civil life.

He makes us thinking about the concept of responsibility, of humanity, of strength.

The concepts and issues we are dealing with in our lifes, literature and theatre from Greeks to Shakespeare to us. Giulio Regeni is a starting point to reflect on all this.


c/o ZONA K

To participate you must send a request for the annual membership within the day before the show, click HERE to do it NOW

Info: show • duration 60 min. • in Italian

Standard ticket: 15 € – Students/under 26/over 65/groups 10€

Part of the subscription shows



By Valeria Raimondi and Enrico Castellani, cast to be decided, production: Teatro Metastasio di Prato with Babilonia Teatri


Babilonia Teatri is one of the most innovative companies in the contemporary theatre scene, distinguishing itself for a language by many defined as pop, rock, punk. It has become relevant in the Italian scene for its irreverent and divergent gaze on the world of today. Over the years Babilonia Teatri has won numerous awards. In addition to the main Italian cities, the company’s shows have been hosted numerous times also abroad, from France to Germany, from Austria to Hungary, from Bosnia and Herzegovina to Croatia, from Colombia to Russia. Enrico Castellani and Valeria Raimondi, founders of the company in 2006, are the artistic directors of Babilonia Teatri. Playwrights, authors, directors and actors, Castellani and Raimondi are based in Verona.



In the 2020 Theatre Season REALITY of ZONA K the multi-award winning German collective Rimini Protokoll will bring the truck to Milan that in 2006 was transformed into an audience on wheels capable of transporting 50 spectators through the city: seated on one side, they will look through a large window the urban reality that will become a stage.

During the residency at Casa degli Artisti, which took place between May and September 2019, five selected artists developed a project for the truck around the theme of night work together with Rimini Protokoll.

The truck will transport spectators through the suburbs of the city and will focus the spotlights on what normally moves in the dark and in the invisible. Who works at night? How? Who pays? The submerged economy or the backbone and the backstage of the most brilliant day performances? What places host the jobs that begin when others stop and the jobs that have no beginning or an end?



A ZONA K production in collaboration con Casa degli Artisti

c/o places in the city

Info: spettacolo itinerante per 50 spectators • in Italian

Standard ticket: 20 € – Students/under 26/over 65/gruppi: 15 €

Part of the subscription shows





Helgard HaugStefan Kaegi and Daniel Wetzel founded the theatre-label Rimini Protokoll in 2000 and have since worked in different constellations under this name. With their work they look for new perspectives on the reality.

Work by work they have expanded the means of the theatre to create a poetic and unique style, that revolutionised contemporary European theatre. Rimini Protokoll often develops their stage-works, scenic interventions, performative installations and audio plays together with experts who have gained their knowledge and skills beyond the theatre. Furthermore, they like to transpose rooms or social structures into theatrical formats. Many of their works feature interactivity and a playful use of technology.
Rimini Protokoll has been awarded with numerous important prizes, such as the Mülheimer Dramatikerpreis for “Karl Marx: Das Kapital, Erster Band”, the German theatre award Faust, the Grand Prix Theatre from the Swiss Federal Office for Culture, the European Theatre Award, the Silver Lion at the Theatre Biennale in Venice, and the German Audio Play Award and the War Blinded Audio Play Prize.


In the present, increasingly built on virtual reality, augmented reality, reality shows and fake news, a reflection dedicated to virtual reality could not miss. How much does the immersive experience, now increasingly rampant, allow us to deepen our reality or is it reduced to a simple act of gamification?

Some studies argue that virtual reality can be interpreted as a machine of empathy capable of making us experience different and difficult situations. Is there a difference between policemen who wear VR to imagine themselves as criminals and spectators who virtually experience the violence suffered by migrants? Is there a precise boundary between reality and fiction?


These, the shows of FOCUS VIRTUAL.

[multidisciplinary documentary theatre]
presented in collaboration with Fattoria Vittadini

c/o Fattoria Vittadini


[multimedia perfomance]
A project of ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts

c/o ZONA K


13 + 14 and 16 + 17, and from 20 to 24 May
PLAY ME (Origins Project)
A ZONA K production
[one-to-one performance]

c/o ZONA K


Discover the complete programme of Theatre Season 2020 REALITY


pic. by © Michele Borzoni / TerraProject

dram. cons. Agrupación Señor Serrano (ES)

In the Theatrical Season 2021 RAZIONE K, ZONA K presents a new production: PLAY ME (Origins Project). It continues the direction already taken with Generazione gLocale in 2017 with the involvement of children, the use of new stage devices and the creative and dramaturgical support of important names in the international scene, for this project the award-winning Catalan collective Agrupación Señor Serrano.

One button. A player. A screen.

Here are the new barbarians. Incomprehensible to the eyes of the adult world. Teenagers, hyper-connected and fragile, terrified and attracted by the image of themselves on “social media”, experts in “sexting”, “video-games” and “binge drinking”, owners of Smartphones as an extension of their body. But what do we know about today’s teenagers?
A narrative short circuit from the origins of the video game to the origins of the iGeneration. An immersive experience in which to meet today’s teenagers through the use of new technologies. A path of creation that tells our identities – real and virtual – thanks to the comparison between generations.

In this performance the audience will find himself in relation to them. You can choose whether to confirm or question your expectations, fears and prejudices. The ultimate goal will be a “performative game” to generate an unprecedented and intimate encounter. PLAY ME (ORIGINS PROJECT) is the result of a work on the biographies of young people met in the stage of research and dramaturgical development between Turin and Milan.
What the sociologist Morin defines as “cinema of total authenticity”.


Info: multimedia performance for single spectators with VR • audience aged 16 and over • duration 30 min. • entrance every 15 min • in Italian



Project direction and creation Andrea Ciommiento, creation and multimedia reference Simone Rosset, dramaturgical consultancy Álex Serrano and Pau Palacios, executive production Valentina Picariello and Valentina Kastlunger, organisation and communication Silvia Orlandi and Federica Bruscaglioni, VR application programming Luigi Sorbilli and Giuliano Poretti, creation assistent Kausar El Allam, Shady Mostafa, Imane Mouslim, Jaouher Brahim, Mattia Ghezzi, Anes Fettar, Matteo Coppola, Momo Moukett, Filippo Farina, Lorenzo Bregant, Federica Bruscaglioni, David Benvenuto. Production ZONA K (Milan), creation of Codicefionda (Turin), dramaturgical consultancy Agrupación Señor Serrano (Barcelona), in collaboration with Fuori Luogo Festival (La Spezia), Polo del ‘900 (Turin), Human Rights Festival (Milan), Instituto Professionale Albe Steiner (Turin), Yepp Italia (Turin) and Collettivo gLocale (Milan), With the support of  IntercettAzioni – Center of Artistic Residence of Lombardy and of the Municipality of Milan and Dialogues – Residences of the performing arts at Villa Manin “(CSS FVG stable innovation theatre). Thanks to ITAS Giulio Natta and Hotel San Guido in Milan and Digital Storytelling Lab – Università degli studi di Udine..

The project was carried out with the support of the Compagnia di San Paolo within ORA! Contemporary culture productions. Visit





Created together with a group of students from ITAS Giulio Natta in Milan, The Last Days Before Mars imagines the last minutes on Earth and what we are willing to sacrifice for our dear, sweet, beautiful dying planet.

The Last Minutes Before Mars is a live performance, which includes 360° video, about the exquisite ennui of life on Earth as we speed towards a terrifying future.

It is a criticism of those who suggest that the future of humanity depends on its diffusion throughout the universe. According to the Mammalians it is unlikely that solutions to terrestrial problems can be found on distant planets with hostile conditions. The current obsession with the colonisation of Mars is considered a panic-stricken response to the difficult problems humanity faces on earth: climate change, a collapsing ecosystem and the fact that many scientists believe that we are in the midst of another mass extinction of life on Earth, etc. But rather than trying to overcome our problems and probably produce a whole new set of even more difficult problems, it might be better to settle down and understand how to “terraform” the earth, making it a more hospitable habitat for humans and all others lives we rely on. Why make Mars more like Earth when there is the task of making Earth more like Earth?

NATIONAL PREMIERE for the Theatre Season 2020 REALITY



A project by ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts.

To participate you must send the request for the annual membership by the day before the show, click HERE to do it NOW

c/o ZONA K

Info: multimedia performance

Ticket price: to be decided

Membership card 2020: €2,00

Not part of the subscription shows



Director & Concept: Darren O’Donnell, Co-Director & Video Director: Konstantin Bock, Co-devising team: Darren O’Donnell, Konstantin Bock, Alice Fleming, Tina Fance, Chiara Prodi, Sorcha Gibbson, Kiera O’Brien, Thule Van Den Dam, Sara Guttadauro, Sara Ben Hamouda, Andrada Ciccotto, Fjoralba Qerimaj, Jerwin Mostiero, Morena Marra, Genny De Leon, Elisa Fasiello, Mervin Fajardo, Performed by: Sara Guttadauro, Sara Ben Hamouda, Andrada Ciccotto, Fjoralba Qerimaj, Jerwin Mostiero, Morena Marra, Genny De Leon, Elisa Fasiello, Mervin Fajardo, Producers: Tina Fance, Chiara Prodi, Alice Fleming, Set Design: Sorcha Gibson, Music Composition: Isola, 360 Expert: Fi Nicholson, Co-produced by: ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts, Thanks to: Stephen O’Connel, Fi Nicholson, Letizia Gozzini from Itas Giulio Natta, Development support from the Australian Council for the Arts and the Goethe Insitute Toronto, The performance is supported by the Canada Council of the Arts


Mammalian Diving Reflex is a Toronto-based company known for its intellectually stimulating performance. Founded in 1993 under the artistic direction of the writer and director Darren O’Donnell, Mammalian Diving Reflex reflects on the private and social dimension of language, thought and information. The company has produced various projects in Canada, Japan, Australia, Singapore, India, the United States, Ireland, England and many other European countries. Their projects include Diplomatic Immunities, pppeeeaaaccceee, The Children’s Choice Awards, Who Shot Jacques Lacan?, Dare Night, Slow Dance with Teacher, Nightwalks with Teenagers, and Haircuts by Children. The company’s artistic style recognises a performative dimension in every daily gesture and explores aesthetics and society, creating unusual alliances between the world of art and that of young people. Mammalian Diving Reflex’s research takes the form of performances, collective experiences, theoretical texts and happenings.


The show is canceled, according to the regional ordinance of 04/03/20


Nauru is a small island-state in the Pacific Ocean, once known by European explorers as “Pleasant Island”. The history of this island can be seen as a parable of our times. After the exhaustive exploitation of the island’s vast underground phosphate resources, both under Anglo-Australian rule and after its independence in 1968, the island was left in total economic and ecological ruins.

Today Nauru hosts refugee detention centres from which you cannot escape in exchange for big sums of money from Australia. Meanwhile, the island risks to be swallowed by the ocean as a result of the rising sea level.

It is in this post-apocalyptic scenario that the documentarians Silke Huysmans and Hannes Dereere meet the limitations of a world that is intent on endless growth. Drawing on interviews and conversations with the island’s residents and refugees, they seek new perspectives.

What future is there in a place that is exhausted in terms of ecology, economy and humanity? And how do we deal with the gloomy predictions that seem to wait for us?

NATIONAL PREMIERE for the Theatre Season 2020 REALITY


presented in collaboration with Fattoria Vittadini

c/o  Spazio Fattoria – Fabbrica del Vapore, via Procaccini 4 – M5 Monumentale –

Info: multimedia documentary theatre • duration 60 min. • in English with Italian subtitles

Standard ticket: 15,00 € – Students/under 26/over 65/groups: 10,00€

Part of the subscription shows



By & with: Silke Huysmans & Hannes Dereere Dramaturgical advice: Dries Douibi, sound mixing: Lieven Dousselaere, technical support Anne Meeussen & Piet Depoortere, production: CAMPO, coproduction: Kunstenfestivaldesarts, Spring Festival Utreht, Beursschouwburg, Kunstenwerkplaats Pianofabriek, Veem House For Performance, Spielart & De Brakke Grond residenze Beursschouwburg, De Grote Post, KAAP, Kunstencentrum Buda, Kunstenwerkplaats Pianofabriek, STUK & Veem House for Performance, LOD with the support of the Vlaamse Gemeenschapscommissie & KAAP. Thanks to all partners who collaborated


The work of the young playwriters Silke Huysmans and Hannes Dereere is based on concrete situations, events or places that represent a broader topic. What characterises the duo is how they carry out their research through scientific examination, interviews and fieldwork. After finishing their studies in Gant in 2013, they started working on documentary theatre. In their critically acclaimed Mining Stories (2016), they explored the impact of a recent mining disaster in southern Brazil. The next projects will be produced by CAMPO, with the support of Pianofabriek, KAAP Bruges, Kunstenfestivaldesarts and Beursschouwburg Brussels.


The FOCUS is canceled, according to the regional ordinance of 04/03/20.
All the shows are postponed.

Reality tells us that we live in the era of globalisation, made up of incredible potential and ease, despite the economic, political and social distortions that always accompany the great passages. The difficulty of finding new ethical codes, different ways of living together and distributing wealth is answered with closure, anachronistic nationalisms, fear. Is there a possible way?

If globalisation implies the development of different transnational lifestyles, is Ulrich Beck right when he says that “to survive you need a cosmopolitan realism”?

These, the shows of FOCUS GLOBAL.



c/o ZONA K



c/o ZONA K



c/o ZONA K


Discover the program of the theatre season 2020 REALITY.


photo  ©Simone Donati / TerraProject



The show is canceled, according to the regional ordinance of 04/03/20 and will be rescheduled.


Catalan director Roger Bernat returns to ZONA K for the 2020 REALITY Theatre Season with a show that is about a highly topical theme.

In 2012, some inhabitants of Ceuta left their families to go to Syria. During the weeks that they were in Turkey and Damascus, they called their relatives regularly. The police tapped their phones and all recorded conversations were subsequently included in the dossier of the trial that took place in Madrid. The verdict was the conviction of eleven people for participation in the recruitment network of the Islamic State. It was the first trial in Spain against the collaborators of the Islamic State. The dossier is the heart of this show: an immersion not only in words of the suicide bombers but also of the people close to them, the translators, the police and the judges who followed the interceptions.

Three actresses read or repeat the telephone conversations of Samra, Sanae and Nayua, wives of three jihadists who immolated themselves in Syria during summer 2012. Their conversations are simultaneous. The audience, equipped with a 3-channel wireless headphone, must navigate through words to reconstruct the facts, as did the secret services a few years earlier. At the end of the show, no two spectators will have listened to the same conversation.


c/o ZONA K

To participate you must send a request for the annual membership within the day before the show, click HERE to do it NOW

Info: show • duration 60 min. • in Italian

Standard ticket: 15€ – Students/under 26/over 65/gruppi: 10€

Part of the subscription shows


Performers: Silvia Calderoni, Matilde Facheris, Woody Neri and Giulia Salvarani, video design, technical direction and assistant director: Txalo Toloza, sound: Cristóbal Saavedra Vial, graphics: Marie-Klara González, general coordination: Helena Febrés Fraylich, coordination in Morocco: Arts I Love and Ahmed Hammoud, thanks to: DABATEATR (Rabat), Daha-Wassa (Rabat), Laura Gutiérrez, Toni Serra, JMBerenguer and Txiki Berraondo, show produced by Elèctrica Produccions (Barcelona), MUCEM (Marseille), Marche Teatro (Ancona ), Triennale Teatro dell’Arte (Milan), Festival Grec 2017 (Barcelona) and Temporada Alta (Girona), with the help of Les Bancs Publics / Les Rencontres à l’échelle (Marseille)


Roger Bernat, a Catalan artist and director, after having started his architecture and painting studies, studied dramaturgy and direction at the Institut del Teatre in Barcelona where he graduated in 1996, winning the extraordinary recognition. In the early years he worked as a director, playwright and performer with the General Elèctrica company which he directs together with Tomás Aragay. In 2008 he founded Roger Bernat/FFF and begins to create performances in which the audience takes the stage and becomes the protagonist. “Spectators are immersed in a device that invites them to obey or conspire, and in any case to pay with their own bodies and commitment.” The first participatory performance is Domini Públic (2008), followed by Pura Coincidencia (2009), La consagración de la Primavera (2010), Please continue (Hamlet) (2011), Pendiente de voto (2012), RE-presentation: Numax (2013), Desplazamiento del Palacio de la Moneda (2014), Numax-Fagor-plus (2014), We need to talk (2015), No se registran conversaciones de interés (2016-17) and The place of the Thing (2017 ).





The show is canceled, according to the regional ordinance of 23/02/20 and will be rescheduled.


In the 2020 Theatre Season REALITY comes the new creation of the Latvian director Valter Sīlis, Being a nationalist. It was written by the dramaturg Matīss Gricmanis. It is inspired by Gricmanis’ personal experience as an assistant to a well-known nationalist member of the Latvian Parliament.

What and who is part of the world of a nationalist today? Do the interests of the state or their own interests win? How do you measure friends and who are the patriots?

In the world of a nationalist, the interests of the state are more important than its own. Friends are like-minded people, and they don’t care about small everyday problems or world affairs. The enemies are many, but they are well known. True values ​​are about to rise once again, despite the fact that in today’s materialistic world they have lost their value. But Sīlis tells us that to live in this world full of challenges, one must first wake up in order to change one’s reality.

c/o ZONA K
To participate you must send a request for the annual membership within the day before the show, click HERE to do it NOW

Info: show • duration 90 min. • in Latvian with subtitles in Italian

Standard tickets: 15 € – Students/under 26/over 65/groups: 10 €

Part of the subscription shows



Written by: Matīss Gricmanis, direction: Valters Sīlis with: Jānis Kronis, Āris Matesovičs, Ance Strazda, scene: Uģis Bērziņs; light: Lauris Johansons, production: Dirty Deal Teatro


Matīss Gricmanis is a writer and a playwright who writes for theatre, cinema and television. From a young age he worked in politics, later conveying his experience in stage writing. In 2018 he won the contest of the new Versmė drama festival of the Lithuanian National Drama Theatre with his show “Narrow Margins of a Normative Lifestyle”, based on the diaries of a homosexual who lived during the Latvian Soviet regime. Valters Sīlis is one of the most important directors of the Baltic scene. In his work he always pays particular attention to the complexity of the human experience, bringing the most marginal and vulnerable individuals in the foreground.



The space of the Casa Degli Artisti, which is recently returned to the city, has been chosen for the opening of the Theatre season 2020 REALITY of ZONA K.

In Go Figure Out Yourself, an encounter with the audience in an unprepared space, five characters take you far beyond the protective walls of the theatre and they show you a place where you can give shape to your own thoughts, simply by looking and listening to others. At the rhythm of a soundtrack that mixes words, music and dance, you are invited to participate in an unpredictable and exciting trail.

Go Figure Out Yourself explores the boundaries between audience and performers.

Simply moving freely in the space, you will become part of a group happening, which will leave you in the end with many questions and few answers. The slowness of everything contrasts with the speed of the individual. The whole is greater than the sum of its parts. Everything is what it is.


presented in collaboration with and c/o Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89/A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

Info: dance performance • duration 75 min. • in English
Nb: audience and performers share the same stage space. There are no chairs.

Standard tickets: 15,00 € – Students/under 26/over 65/groups: 10,00€
You can pick up tickets at Casa degli Artisti, Corso Garibaldi, 89/A – via Tommaso da Cazzaniga -M2 Moscova-

Part of the subscription shows


direction, choreography, scenography Wim Vandekeybus, created and interpreted by Sadé Alleyne, Maria Kolegova, Hugh Stanier, Kit King, Tim Bogaerts, dramaturgy Aïda Gabriëls, lighting design Davy Deschepper, Wim Vandekeybus, costume design Isabelle Lhoas assisted by Isabelle De Cannière, technical coordination Davy Deschepper, sound engineer Bram Moriau, stage manager Tom de With, producer Ultima Vez, co-producer Les Brigittines (Bruxelles), with the support of the Tax Shelter measure of the Belgian Federal Government, Casa Kafka Pictures Tax Shelter empowered by Belfius, Ultima Vez is supported by the Flemish Authorisations and the Flemish community commission of the Brussels-Capital region.


Physicality, passion and intuition are the main elements of Wim Vandekeybus’ work, one of the greatest exponents of the international performance scene. A multifaceted artist, choreographer, director, performer who attended the University of Leuven where he studied psychology. Fascinated by the relationship between mind and body, this interest influenced all his choreographic work.
In 1987 he founded the Ultima Vez company with which he made almost 30 productions as well as numerous films and videos. The use of different media and languages ​​translates into a constantly evolving cast that includes dancers, circus performers, actors, musicians and collaborations with artists from different disciplines.


The season REALITY as it was planned and presented in February 2020 has been cancelled as per the regional order of 04/03/20. The season has been rescheduled as REALITY?.


You don’t want to do a philosophical analysis of realism, neo-realism, modernity and post-modernism.
Neither simplify an English word that by now has entered the common Italian vocabulary and sees Reality only and solely linked to show.

For us, Reality is simply, and perhaps trivially, the reality. That reality which keeps us anchored to the present day, to its observation, to its analysis, to its interpretation. It is the reality of the facts, the matter of reality, which we believe to exist despite the disorientation caused by the overload of information, despite the spread of “fake news”, despite shameless political propaganda that fears neither self-contradiction nor the explicit lie.

It is that reality that in 2018, with the rise of populist movements and a new form of power that disdained knowledge but was built on communication, made us think of Power. That same reality that the following year with Economy led us to turn our gaze to the economic world, its excesses and its distortions.

And it is always the reality that, at the end of the three-year period with Reality, takes the place of honour and, after two years of glossy and metaphorical images, invade with its power, as a quick overview of global reality. An overview that questions the meaning of the world and would like to be “cosmopolitan” following the thought of the German sociologist Ulrich Beck who spoke of the need for a “daily look, vigilant at history, reflective, which arises in an environment in which borders, differences and cultural contradictions vanish […] “.

GLOBAL, VIRTUAL and HUMAN are the three focuses that accompany the season, keys of interpretation to explore the current framework of contemporary society. Three focuses and not four as in previous years, to give more unity and coherence to the autumn programme and to allow a longer holding of some shows.

At the closing, not only of the year but also of the three-year period and of a path that until today has led us to invite the most representative names of that genre defined Theatre of reality, we will dedicate two days to a convention of reflection and discussion on how we view the future of the theatre in relation to the reality.

An important opportunity to take stock of the current situation in Europe but also to bring up new issues and questions. For the occasion, we’ll invite some of the artists we hosted over the years, and the representatives and critics that are the most sensitive to this topic.


15 February 2020
[dance performance]
presented in collaboration with and c/o Casa degli Artisti


FOCUS GLOBAL 27 February – 22 March 2020

27 – 28 February 2020

14 – 15 March 2020

21 – 22 March 2020
[show with headset]



2 – 3 April 2020
[multidisciplinary theatre documentary]
presented in collaboration with Fattoria Vittadini c/o Spazio Fattoria

22 – 24 May 2020
[multimedia performance]
a ZONA K and FOG Triennale Milano Performing Arts project

13 – 14 and 16 – 17 May 2020
PLAY ME (Origins Project)
[multimedia performance]
A ZONA K project


FOCUS HUMAN Octobre – Novembre 2020

start October – end November 2020
[travelling urban performance]
A  ZONA K project in collaboration with Casa degli Artisti
c/o places in the city

22 – 23 October 2020

12 – 13 Novembre 2020
M. Anderson, I. Kralj THEATRE GIGANTE (USA) and

28 – 29 Novembre 2020
[multimedia show]
A ZONA K co-production presented in collaboration with Olinda Onlus
c/o TeatroLaCucina

Novembre 2020


The artists in residence during 2020 are:
Anna Serlenga (IT)
Guinea Pigs (IT)
Muna Mussie (IT)
Yan Duyvendak (CH)
Mats Staub (DE)
Michele Losi (IT)
+ the winner of the IntercettAzioni contest 2020


photo ©Michele Borzoni / TerraProject


The season REALITY is a ZONA K project – Subject of regional relevance of the Lombardy region – With support of MIBACT Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, ORA! Compagnia di San Paolo – With the patronage of the Comune di Milano, the Belgian embassy in Rome, Istituto Cervantes Milano, Goethe Institut, Italian embassy in Canada – In collaboration with Casa degli Artisti, Fattoria Vittadini, Triennale Milano, Olinda, Stratagemmi, Mare culturale urbano, Claps Circuito Lombardia Arti Performative, Industria Scenica, Teatro delle Moire, Milano Musica – Communication partner: Profili, Neo Studio



“Generazione gLocale” is an artistic production by ZONA K, an urban and participatory performance in which the new generations of multi-ethnic societies are given a voice. The project includes theatre workshops and the creation of an urban and interactive performance directed by Andrea Ciommiento under the supervision of the Catalan artist Roger Bernat.

In what context do we live? Are we in Milan, Toronto or Manila? Do we recognise and differentiate ourselves by where we come from or how we inhabit cities? How do we defend our local belonging in a world without borders? Audience and actors look at each other, move in the space, follow the instructions of a voice in the headphones. 150 people advance and retreat until they mingle or move further and further away. Is it a generational or ethnic issue?
A gLocal vision that appropriates the term introduced by the sociologist Bauman to indicate the phenomena resulting from the impact of globalisation on local realities and vice versa, and that narrates the dialogue between small communities and increasingly complex systems.

Each performance is a site & people specific version that comes from “participatory creation” workshops with a group of local young people who become the creators, creators and organisers of the project.


The protagonists of the first project were second-generation Milanese young people involved in the course from March to July 2017 in the role of creators and organisers of the project thanks to the support of the Cooperativa Diapason (Milan) as cultural mediators.

Part of the work was carried out within the Italian language courses for foreigners together with the Association of social promotion Asnada (Milan), integrating the vision of the chosen themes with that of those who have recently arrived in Italy and with citizens (Italian and not) who live in the metropolitan city on a daily basis.

The national debut of the performance took place on Sunday 30 July 2017  in the urban spaces of Castello Sforzesco thanks to the logistical support of the Culture Department of the City of Milan and the support of MigrArti 2017 by MiBACT.
The logistic and organisational partners were C.L.A.P. Spettacolo dal vivo (MI) and OLINDA (MI).

The shows of Generazione gLocale:
IPERCORPO 2019 – Forlì
IETM 2019 – Milano
INVISIBLE CITIES 2020 – Gradisca
AL MUNICIPIO 9 2021 – Milano


POETIC.                       THE LAB

Generazione gLocale
Think different,
play local

Domenica 30 luglio 2017 – H 21
Castello Sforzesco – Milano


Uno spazio pubblico, un gruppo di persone, una voce in cuffia che pone domande, istruzioni, suggerimenti. Spettatori che si muovono nello spazio.
Chi sono oggi le tribù globali e locali delle città? Dove sono ora mentre tu sei qui?
Quanti chilometri ti serviranno per lasciarle fuori dal tuo spazio privato?
Uno spettacolo che dà voce alle nuove generazioni delle società multietniche.

I biglietti si possono acquistare:
presso il CASTELLO SFORZESCO un’ora prima dello spettacolo

Costo unico € 10,00
Cuffie limitate, pre acquisto biglietto consigliato

idea e progetto ZONA K
regia Andrea Ciommiento
supervisione Roger Bernat
creazione collettiva Anes Fettar, Deborah Yebout, George Vasquez Colonia, Imane Mouslim, Issaka Abdou, Jaouher Brahim, Kausar El Allam, Leandro Perez, Mariam Lahmpur, Milagros De Los Santos, Momo Moukett, Sabina Ali, Silvio Bruscaglia, Sumaya Jabril
coordinamento Coop. Diapason e A.P.S. Asnada
collaborazione C.L.A.P.Spettacolo dal vivo
supporto logistico Coop. Olinda
sostegno MigrArti 2017 – MiBact e Assessorato alla Cultura – Comune di Milano

“Generazione gLocale”
Il laboratorio

Gli incontri hanno avuto una programmazione settimanale approfondendo le regole e la forma del dispositivo partecipativo, il lavoro sullo spazio teatrale, la creazione di setting (campi di gioco), l’interazione di movimenti collettivi e la scrittura di narrazioni per cuffie audio wi/fi. Si sono approfondite inoltre le diverse tematiche tramite la condivisione di link video, immagini e audio sulle dinamiche del teatro partecipativo.

La visione gLocal ridefinisce le nostre identità contemporanee e il dialogo tra sistemi globali e comunità locali. Il sociologo Bauman analizza un mondo glocal raccontando l’incontro tra piccole comunità e sistemi via via più complessi: quali sono le regole di convivenza nella stretta cerchia della famiglia, passando poi alla dimensione di quartiere e infine di città? Come difendere la propria appartenenza locale in un mondo senza confini? Come immaginare una città multietnica dove le nuove generazioni possano essere legate sia all’Italia che al paese di provenienza?

È su questa discrepanza tra realtà e sua rappresentazione che il progetto “Generazione Glocale” intende lavorare, cercando di svelare falsificazioni, mistificazioni, paure, ideologie insite in ognuno di noi e dare il proprio contributo alla composizione di una narrazione della società multiculturale e costruttiva.

“Generazione gLocale”
La poetica

Il percorso ha previsto la supervisione di Roger Bernat, artista catalano tra i più noti dell’avanguardia internazionale legata alla poetica dei dispositivi partecipativi.

La poetica scelta per la creazione dello spettacolo non prevede la presenza di attori in scena, ma solo di tecnici incaricati di gestire i supporti tecnologici (come ad esempio la trasmissione di tracce audio attraverso un sistema di cuffie wi-fi in dotazione agli spettatori) atti a innescare una serie di meccanismi per il coinvolgimento diretto del pubblico nelle azioni sceniche previste, trasformando così gli spettatori stessi in attori.

Attraverso l’utilizzo delle moderne tecnologie performative, i contenuti prodotti dai ragazzi, vengono infatti veicolati al pubblico senza la mediazione di attori. Possono essere musiche, racconti, domande, istruzioni, ordini. Allo spettatore viene implicitamente richiesto non solo di ascoltarli ma anche di rispondere, reagire, eseguire, interpretare.

Viene chiesto di “agire” e farsi interprete dei contenuti che riceve, di diventare esso stesso produttore di senso. La restituzione finale è prevista all’aperto, in ambiente urbano, visibile a persone di passaggio o convenute appositamente per assistere. Così gli spettatori si fanno attori della performance fino in fondo, agendo di fronte a un pubblico esterno che li osserva e ne interpreta le azioni.

o giù di lì

Il contesto attuale di “democratizzazione” delle tecnologie digitali, vede affermarsi sempre di più la figura del filmaker, ovvero quella persona che, volendo raccontare per immagini storie o situazioni, è in grado di utilizzare tecniche e tecnologie in modo autonomo e se necessario anche da solo.

Il corso “Filmaker o giù di lì” si propone dunque di fornire le conoscenze necessarie all’uso efficace della tecnica e del linguaggio per immagini e intraprendere un percorso espressivo personale e, se possibile, professionale, passando dal puro dilettantismo ad un approccio di tipo professionistico.

Il corso sarà tenuto da professionisti di comprovata esperienza nei relativi settori di riferimento e sarà strutturato in:

– parte istituzionale: svolta durante gli incontri serali settimanali, sarà dedicata agli aspetti pratici e teorici della comunicazione per immagini: tecniche di ripresa, tecniche di montaggio, elementi di linguaggio cinematografico, strutturazione di un progetto, dall’idea alla sua realizzazione;

– parte di approfondimento: svolta durante alcuni fine-settimana dedicati al suono, alla direzione e all’esercitazione pratica.
Il corso fornisce il materiale tecnico necessario alle esercitazioni pratiche (telecamera digitale, computer e programma di montaggio). Sono previsti momenti di interazione con il corso di recitazione per cimentarsi con gli aspetti peculiari della recitazione in video.

Insegnanti: Massimiliano Pantucci (fotografia), Chiara Tognoli (montaggio), Gian Marco De Maria (linguaggio cinematografico)

Orari corso: Mercoledì 20.00–23.00 + alcuni fine settimana
Inizio corso: Mercoledì 7 novembre 2012 Fine corso: giugno 2012

Teatro o giù di lì
– lab. permanente –

Il corso è aperto a tutti coloro che abbiano voglia di cimentarsi con “lo stare in scena” che sia per pura evasione o per esplorare le proprie emozioni e risorse espressive. L’uso della voce, dei gesti e dell’immaginazione, il rapporto con i compagni e infine col pubblico, scandiranno infatti le tappe fondamentali del corso, con un’apertura ai tanti modi tra cui quelli più contemporanei di fare teatro.

Attraverso esercizi e giochi d’insieme sulla concentrazione, sull’improvvisazione, sul ritmo, sarà facile creare e comunicare spontaneamente così che emergano le personalità individuali, le inclinazioni e il poter emozionarsi ed emozionare gli altri.

Zona K sarà il luogo dove incontrarci fisicamente, creare liberamente con sé stessi, e infine confrontarsi con testo da mettere in scena e con uno o più personaggi da interpretare.

Al termine del corso è previsto l’incontro con il pubblico in un saggio aperto che vuol essere spettacolo e soprattutto momento di festa.


In sintesi

Il corso è aperto a coloro che vogliano cimentarsi con lo “stare in scena”, che sia per pura evasione o per esplorare le proprie emozioni e risorse espressive. L’uso della voce, dei gesti e dell’immaginazione, il rapporto con i compagni e infine col pubblico, attraverso il lavoro sul personaggio e su un testo teatrale, saranno le tappe fondamentali del corso, con una particolare apertura verso i tanti modi di fare teatro.

Giorno: Ogni giovedì dal 9 ottobre 2014 a metà maggio 2015 (il calendario nel dettaglio verrà consegnato a inizio corso)

Orario: dalle 20.00 alle 22.30

Costo: € 650,00

Lezione di prova gratuita: giovedì 9 ottobre

a. del 10% con iscrizione entro la prima metà di settembre 2014 o con il pagamento in un’unica rata
b. del 20% per gli studenti e gli over 60
c. 5 ingressi gratuiti alla rassegna PLAY K(ei) 2014-2015

NB: Gli sconti a & b non sono cumulabili

Agevolazioni: possibilità di suddividere in due tranche il pagamento del corso.

Il corso è organizzato da ZONA K e tenuto da
SABRINA SINATTI Regista, scenografa, insegnante. Diplomata alla Scuola D’Arte Drammatica Paolo Grassi di Milano e all’Accademia di Belle Arti di Brera, lavora negli anni con Giorgio Barberio Corsetti, Stephane Braunschweig, Luca Ronconi. Le sue regie sono state ospitate alla Biennale dei giovani artisti d’Europa e del Mediterraneo, al Piccolo Eliseo di Roma, alla Biennale di Teatro di Venezia. Riceve il Premio Nazionale Michele Mazzella – per una drammaturgia giovane, con il progetto inter-disciplinare Amori in prestito-storie di affido familiare. Conduce laboratori e corsi all’Istituto Europeo del Design, all’Accademia d’Arte Drammatica Nico Pepe di Udine, alla Triennale Bovisa e all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Dal 2012 è co-curatrice della stagione teatrale di PLAY K(ei) assieme a Valentina Kastlunger.

Cristina Bellon e Giovanni Bignami

Presentazione del libro “Il futuro spiegato ai ragazzi” e incontro con gli autori Cristina Bellon e Giovanni Bignami.

Il futuro si costruisce con la testa ma anche con le mani. E le mani dobbiamo imparare ad usarle per realizzare i nostri sogni. I più grandi inventori erano prima di tutto dei sognatori. L’impossibile può diventare reale e oggi abbiamo tutti gli strumenti per dimostrarlo. Quali saranno le scoperte scientifiche che cambieranno la nostra vita nel prossimo mezzo secolo? È prevista una missione umana su Marte? Come si fa a catturare una cometa? Quanti tipi di vita possono esistere? Insegneremo alle cellule a ricostruire un braccio amputato? Cos’è l’energia oscura che riempie l’universo? Come saranno i videogiochi del futuro? I robot prenderanno il posto degli uomini? Come può il silicio rendere immortali? Nel libro risponderemo a tutte le vostre domande anche a quelle che non avete mai avuto il coraggio di porre.


Cristina Bellon, scrittrice e pubblicista, crede nella comunicazione della scienza, soprattutto ai giovani. Da bambina sognava di diventare una scienziata, ma le tradizioni di famiglia l’hanno spinta su altre strade, che oggi sfrutta per parlare di scienza immaginifica al pubblico. Nelle sue trame di fantascienza si mescolano ingegneria e passione, enigmi spazio-temporali e buchi neri, con scienziati eroici e grandi protagoniste femminili. Collabora con riviste importanti, come Le Scienze e Arcipelago Milano, e apprezza quelle più mirate alla fantascienza, come Future Shock.

Giovanni Bignami, è astrofisico da sempre, non per scelta, ma perché non saprebbe fare altro. Ha vinto premi in Italia e all’estero, è stato nominato nell’Accademia dei Lincei e quella di Francia, insomma è uno scienziato serio. Ma non solo, per fortuna. Adora scrivere per tutti di scienza e di scienziati, e si sforza di farlo su quotidiani e riviste. Ha scritto sei libri, alcuni dei quali tradotti in diverse lingue. Le sue produzioni raccontano di esplorazioni spaziali (L’esplorazione dello spazio, Il Mulino, 2005), di vita extraterrestre (I marziani siamo noi, Zanichelli, 2010) ma anche di cosa resta da scoprire in molti campi della scienza (Cosa resta da scoprire, Mondadori, 2011). Attualmente è presidente dell’Istituto Nazionale di Astrofisica e del COSPAR, il Comitato mondiale per la ricerca spaziale.


La giornata incomincia con
Re Giorgio e la sua più grande magia e I giocattoli della scatola di Einstein


Atlantico Negro

Progetto che attraversa e incorpora culture musicali in movimento, con Patrizia di malta, Nenè Ribeiro e Manfredi Trugenberger

Atlantico negro come spazio fisico, oceano, attraversato nei secoli da popoli e culture: destini di gruppi e individualità mescolati in combinazioni complesse e imprevedibili. Atlantico negro come immaginario profondo, denso, cresciuto non nella stabilità della terra ferma ma nella fluidità marina, che incorpora storie e le restituisce, trasformandole, in un gioco continuo di andata e ritorno, partenze e approdi. Atlantico negro come percorso musicale, itinerante, che rivela il proprio dinamismo e apertura nell’ascolto e interpretazione della poesia di autori uniti dall’appartenenza a un grande viaggio impermanente, sulle onde della vita.

Patrizia di Malta – voce e percussioni

Nenè Ribeiro – chitarra e voce

Manfredi Trugenberger – pianoforte, tastiere e voce



Storia di un topolino e della sua pelliccia

la giornata continua con
Atlantico Negro


Federico è un topolino molto particolare: l’inverno è alle porte, i suoi amici lavorano sodo per fare scorta di cibo e lui sembra non fare niente. Poltrisce al sole, ascolta il vento, ricorda parole. Mentre gli altri pensano solo a mangiare lui fa scorta di bellezza, di poesia, di calore, per rendere l’inverno meno duro per sé e per i suoi compagni, con i quali condividerà tutto ciò che avrà raccolto nella memoria trasformandolo in un racconto che nutrirà i suoi amici anche quando il cibo sarà finito.

La memoria di Federico passa dai sensi: il sole sulla pelle, i profumi della campagna, il sapore dei cibi ma soprattutto i suoni, veri protagonisti di questa narrazione. Realizzati dal vivo e in tempo reale, accompagnano la storia e si associano agli eventi e ai personaggi principali. Durante e dopo la narrazione i bambini vengono guidati in un percorso di ascolto evocativo, focalizzato sul rapporto tra quello che sentiamo e le sensazioni che ci suscita: dal suono del vento a una musica, dalle voci dei personaggi ai rumori della natura, fino a quello che ci si può inventare… il Sole ad esempio, che rumore fa il Sole?


PLAY K(ei) è anche Palcoscenico del presente

Cristina Dona’ e Claudia De Lillo (Elasti)

Claudia De Lillo, più celebre come Elasti, e Cristina Donà – donne di musica e parole – si raccontano e si confrontano tra il serio e l’ironico su come dovrebbe essere l’educazione sentimentale dei giovani ragazzi. Madri e figlie sono chiamate a dire la loro opinione!


Claudia de Lillo, conosciuta come Elasti mamma, vive a Milano con il marito e i figli e lavora come giornalista finanziaria.  Nel settembre 2006 apre il blog, oggi stabilmente tra i primi cento blog italiani più seguiti. Nel 2008 esce il primo libro, Nonsolomamma, che riscuote un immediato successo. Dal febbraio 2010 tiene una rubrica su D di Repubblica, «Appunti & divagazioni di una (non solo) mamma». Nel 2010 pubblica il seguito di Nonsolomamma intitolato Nonsolodue.

Cristina Donà. All’inizio ci furono gli studi accademici e una passione ardente per la musica, il cinema, l’arte: oggi basta chiedere di lei, della sua voce e delle sue canzoni, per sentirsi rispondere che Cristina DONÀ ha lavorato intensamente e con pazienza per dar vita ad un lungo e felice percorso artistico di cantautrice, che la distingue nel panorama musicale contemporaneo. Grazie alle sue prime performance sospinte da una voce unica, nei primi anni novanta viene notata da Manuel Agnelli degli Afterhours: nasce la collaborazione che porta all’album di debutto, Tregua (1997), che vince la Targa Tenco. Si susseguono quindi splendide prove d’autrice: Nido (1999) con il magico Robert Wyatt;Dove Sei Tu (2003) prodotto da Davey Ray Moor; Cristina Donà (2004) album in inglese pubblicato in tutto il mondo; La quinta Stagione(2007) prodotto da Peter Walsh; Piccola faccia (2008) con alcuni dei brani più amati del suo repertorio e due affascinanti cover. Il 2009 e 2010 sono gli anni in cui Cristina intreccia la sua vita artistica con l’esperienza della maternità e che segnano l’inizio della collaborazione con Saverio Lanza: con lui condivide, per la prima volta, la composizione della parte musicale di nuovi brani che daranno poi origine aLL’album Torno a casa a piedi (2011). A settembre 2012 il MEI Supersound di Faenza le conferisce il premio come miglior artista live.


Precede l’incontro:
Con Luca Stetur
Testo di Tiziana Colla

In un mondo dominato dalle donne che si sono inserite in ogni ambito, dalla politica alla cultura, dall’imprenditoria all’istruzione, un uomo coraggioso si ribella e propone di ristabilire l’ordine naturale delle cose. Riportare le donne a i loro ruoli di base: mamme, badanti, intrattenitrici. “Pulire il linguaggio” è il titolo della conferenza che il professor Lamberto Ottiero Guerzoni, già rettore dell’università “Santissimo Redentore Trafitto” di Policastro al Corno, propone alle platee di uomini illuminati che vogliono porre fine al dominio femminile nella nostra società. Interessante ed argomentata, l’esposizione, sarà supportata da immagini che chiarificheranno in modo esaustivo il pensiero del luminare. Affinché la nostra comunità possa ritrovare l’ordine e la civiltà che per millenni è stata alla base di una convivenza civile e perché non ci si renda complici del degrado culturale del nostro paese invitiamo, gli uomini sensibili, a partecipare numerosi.


La giornata incomincia alle 11.00 con il laboratorio teatrale
Di madre in figlia



Carlo Ottolini

Madri e figlie insieme si esplorano e scoprono, attraverso il gioco, modalità nuove di relazione e complicità. I figli vedranno le madri fare cose diverse dal solito, osserveranno da fuori madri improvvisare con altre madri. E viceversa. Lavorando da soli, in coppia e in gruppo. Senza vergognarsi, giocando.


Carlo Ottolini, Diplomato nel 1992 alla Scuola Civica d’Arte Drammatica “Paolo Grassi” di Milano. Nel 2004 è menzionato, in occasione del premio Stregagatto, dall’Ente Teatrale Italiano come migliore attore del teatro ragazzi con la seguente motivazione: “Attore di buona scuola ed esperienza, Carlo Ottolini sa coniugare la sua eccellente prestanza fisica, al limite dell’acrobatica, con le capacità dei narratori. Ne è prova evidente la diversità dei tre spettacoli in cui viene premiato”. Conduce da anni laboratori di teatro rivolti ai ragazzi delle scuole elementari e medie. Dal 2009 partecipa come animatore/educatore al progetto di creazione di un servizio di Pronto Intervento per i bambini in difficoltà nella città di Pokara (Nepal) coordinato dal GRT (Gruppo Relazioni Transculturali) e dal CWIN (Child Workers in Nepal). Lo spettacolo “Beata Gioventù”, sui diritti dei bambini, ha il Patrocinio del Comitato Regionale per l’UNICEF della Lombardia.


La giornata continua alle 17.00 con l’incontro gratuito
Così vi vogliamo! con Cristina Donà e Claudia de Lillo aka Elasti



Qui e ora con Laura Valli

con Laura Valli
liberamente tratto da “La riparazione del nonno” di Stefano Benni

Nonno Telemaco 87, due soli pollici, non ha nulla da invidiare alla televisione. E la sua memoria è più potente di quella di un computer. Gli basta un bicchiere di Barolo e la Cattura del Toro Innamorato o la Costruzione del Campo di Calcio diventano racconti epici quanto la guerra di Troia. Vengono da ogni dove per ascoltare le sue storie. Fino alla fatidica sera in cui, colpito da un fulmine, gli si fondono i circuiti narrativi. Uno dei racconti più amati ed esilaranti di “Bar Sport Duemila” di Stefano Benni accompagnato dalle immagini di Spider.

Ma dove sono finite quelle storie a misura d’uomo e di bambino che ci raccontavano i nonni? Due musicisti e un’attrice raccontano questa storia dolce e ironica. Una storia che ci permette di affrontare in modo divertente e coinvolgente problemi serissimi come quelli della comunicazione nell’era del video, della memoria, delle radici.


Qui e Ora Residenza Teatrale è un progetto di aida associazione culturale, in collaborazione con la compagnia teatrale Figure Capovolte, e con i Comuni di Comun Nuovo, Dalmine, Osio Sotto e Verdello, concepito nell’ambito dell’iniziativa di Fondazione Cariplo ÊTRE – Esperienze teatrali di residenza. Qui e Ora è un progetto di residenza teatrale che nasce dall’ascolto di un territorio per dare vita a un luogo dove fare esperienza di sé in relazioni con gli altri, un luogo dove vi sia la capacità di osservare profondamente ciò che accade nel corpo sociale e trasformarlo in racconto, in atti poetici e artistici. Al centro del lavoro offrire la possibilità di sentirsi parte di una comunità nella scoperta di tutte le bellezze e risorse della comunità stessa; imparare a raccontare il proprio vissuto e immaginario partendo dal reale per assurgere a un contesto mitico ed emblematico, dove il quotidiano diventi straordinario, extra – ordinario.

Cristiana Ottaviano

Presentazione del volume di C. Ottaviano, Ri-nascere nonne e nonni. Legami intergenerazionali nella società complessa (Liguori, Napoli 2012), attraverso una performance teatrale a cura dell’Associazione Isabelle il Capriolo.

Il progetto – di cui questa iniziativa è parte – è risultato meritevole del Premio 2012 per “Iniziative di promozione dell’invecchiamento attivo e della solidarietà tra le generazioni” da parte della Presidenza del Consiglio dei Ministri – Dipartimento per le politiche della famiglia.

Cristiana Ottaviano, Professore Associato confermato di Sociologia dei processi culturali e comunicativi presso il Dipartimento di Scienze Umane e Sociali, Università degli Studi di Bergamo

Curzio Maltese, Marco Imarisio e Natascha Lusenti

Due giornalisti, due inviati, insieme per raccontare la passione per il loro mestiere e condividere con grandi e piccoli le storie che più li hanno colpiti. Chiude l’appuntamento domenicale il laboratorio sull’attualità di Paola Ponti. Cos’è una notizia? Cos’è un’opinione? Come la percepiscono e la raccontano i nostri figli? E gli adulti? Un laboratorio in cui affrontare insieme mezzi, strumenti e  modalità per analizzare e raccontare il mondo che ci circonda e le nostre opinioni in proposito. A moderare l’incontro la voce femminile di Caterpillar AM Natascha Lusenti.

Curzio Maltese, nato a Milano, vive a Roma. Dopo gli studi in Scienze Politiche, entra nel mondo dei quotidiani, occupandosi di sport e cronaca per la Gazzetta dello Sport e la Notte. Inviato della Stampa per otto anni, è poi passato a Repubblica, dove tuttora è editorialista. E’ autore di alcuni saggi: “Come ti sei ridotto (modesta proposta di sopravvivenza al declino della nazione)” del 2006, “I padroni delle città” 2007, “La questua – Quanto la chiesta costa agli italiani” 2008, “La bolla – la pericolosa fine del sogno berlusconiano” 2009.

Marco Imarisio, nato a Milano, vive a Roma. Inviato del Corriere della Sera, quotidiano per il quale ha seguito i principali avvenimenti di cronaca degli ultimi dieci anni. Si occupa in prevalenza di fatti italiani, ha trascorso anche lunghi periodi in Iraq, Afghanistan, Kosovo. Ha pubblicato “Mal di Scuola” 2007, premio Corrado Alvaro, e “I giorni della vergogna” 2008. “La ferita. Il sogno infranto dei no-global italiani”, 2011.

Natascha Lusenti, nata in Svizzera (Bienne), vive principalmente a Milano. Inizia come modella ma intraprende prestissimo la carriera di giornalista. Tra le ultime collaborazioni segnaliamo: “Il mondo che verrà” (LA 7, autrice e conduttrice insieme all’ex premier Romani Prodi), “Gli intoccabili” e sempre per LA 7 conduce con Marco Paolini “L’importanza della carta stagnola”. Dal settembre 2012 è la voce di Caterpillar AM su Radio 2 con Filippo Solibello e Marco Ardemagni.



Segue “COS’E’ UNA NOTIZIA?” – laboratorio sull’attualità a cura di Paola Ponti


Tiziana Colla

testo e regia Tiziana Colla
con Lucia Malcovati e Alessandro Dinuzzi

“Acqua finita, comprata e venduta acqua perduta inquinata dall’uomo
buttata, sprecata, dispersa persa per sempre acqua piovana che non viene giù
acqua che ora non ce n’è più….”

Si dice: “facile come bere un bicchier d’acqua!” Ma se un giorno, per un misterioso motivo, dai nostri rubinetti non ne uscisse più una goccia? Vi immaginate il caos?  Noi ci abbiamo provato ed abbiamo scoperto loschi  trafficanti di bottigliette d’acqua.  Imprenditori miliardari che possiedono piscine mentre la maggior parte della popolazione è assetata; esperti, tuttologi, opinionisti che danno pareri; strani professori, che promettono di clonare l’acqua…. Insomma, tutto già visto!

Tiziana Colla. Attrice, regista, autrice. Da oltre vent’anni lavora in Italia e all’estero, affiancando alla propria attività teatrale, quella di insegnante e di formatrice.

inQuanto teatro

PREMIO SCENARIO INFANZIA 2010 | spettacolo finalista


con Floor Robert, Giacomo Bogani, Andrea Falcone
drammaturgia Andrea Falcone
luci e audio Giulia Broggi
in collaborazione con Kinkaleri e La Piccionaia – I Carrara


Oltre le diversità del mondo presente, oltre la distanza del tempo, abbiamo cercato una storia capace di unire bambini e adulti, nonostante le loro differenze; abbiamo ritrovato il primo uomo, la prima donna, in un mondo senza tempo, dove tutto è ancora possibile. Seguendo le loro avventure attraverso le tradizioni, i racconti greci e latini, arabi, ebrei e slavi, ci siamo incamminati nei territori dell’immaginazione. Quello che abbiamo visto è un mito rinato che ancora può essere scoperto, vissuto e reinventato. Il nostro desiderio è quello di accompagnarci, insieme ai bambini, verso questa storia e ritrovare un posto dove le suggestioni della tradizione e le possibilità del presente possano vivere insieme, mescolarsi, giocare. Questa storia è la più vecchia e allo stesso tempo la più nuova: parla dell’inizio. Oggi può iniziare ancora. Il futuro, infatti, è tutto da scrivere.


La giornata continua con
Rebirth-Day e il Terzo Paradiso

Giovanna Lepori e Giorgio Häusermann (CH)

La giornata continua con la presentazione del libro
Il futuro spiegato ai ragazzi


Ore 11.00 –  per bambini dai 4 anni in su con genitori un po’ magici

Re Giorgio e la sua più grande magia – laboratorio spettacolo

di Giovanna Lepori e Giorgio Häusermann (Ascona Svizzera)

Viene narrata la storia di Re Giorgio che viveva tutto solo nel suo castello sulla collina. Re Giorgio trascorreva felicemente le giornate grazie alla sua bacchetta magica che realizzava tutti i suoi desideri. O meglio, quasi tutti, perché a Re Giorgio qualcosa mancava ancora…

Lo spettacolo è diviso in due parti: nella prima si racconta la fiaba, ricca di magie e di giochi tratti dal mondo della fisica, nella seconda si offrono ai bambini le spiegazioni degli esperimenti visti. In bilico tra la magia e la fisica, lo spettacolo è una storia ricca di apparizioni e strani esperimenti. E quando cala il sipario, si corre dietro le quinte! Per scoprire i segreti che si nascondono nella magia del teatro e della scienza.


Ore 16.00 – per bambini/ragazzi dai 10 anni con genitori che si sentono un po’ geni


I giocattoli della scatola di Einstein – conferenza spettacolo

Lo spettacolo presenta il contenuto de “La Scatola di Einstein” ovvero giocattoli e oggetti con i quali si può studiare la scienza, e in particolare la fisica, divertendosi. Osservare, ragionare, sperimentare, stupirsi e imparare sono gli elementi che accompagnano tutta la presentazione che si basa sull’utilizzo di giocattoli e di semplici esperienze. Con l’aiuto del pubblico sono presentate esperienze che sembrano magiche ma che ritrovano la loro spiegazione nelle leggi della fisica. Gli argomenti sono trattati come se fossero presi da un immaginario manuale di carattere scientifico dove al posto delle pagine, delle formule, delle definizioni, degli esercizi ci sono giocattoli e semplici esperienze che mostrano come nel loro funzionamento si possano ritrovare i concetti e i fenomeni studiati nei corsi scolastici.

Giorgio Häusermann Formatore di didattica delle scienze presso il Dipartimento della Formazione e dell’Apprendimento della SUPSI a Locarno (Svizzera). Laureato in fisica nel 1975. Ha insegnato matematica, scienze, fisica e didattica della fisica nelle scuole ticinesi Da quindici anni presenta con diverse attività il tema dell’apprendimento della fisica per mezzo dei giocattoli ai vari livelli scolastici e in festival scientifici. Nel novembre 2010 ha aperto il “Giardino della Scienza” presso le scuole di Ascona.


PLAY K(ei) è anche Palcoscenico del presente


la serata incomincia con Volare via dal mondo


Notte. Pioggia incessante. Un personaggio senza nome attacca bottone a un passante, con la scusa di cercare da accendere. È l’inizio di questo lungo monologo famoso per essere scritto senza un punto, un impetuoso fiume di parole che parlano d’amore, di fantasie e desideri, di incontri notturni, di stranieri e di specchi, di puttane e leggende, del progetto di una città che non conosca divisioni, dove i lavoratori che non si conoscono possano fermarsi tutti insieme in un giorno come gli altri per sedersi sull’erba e parlare.

Alla voce stanno le parole da dire, al suono la creazione di un flusso narrativo, in quello che è più di un reading e meno di una messa in scena. Ci sono solo due persone: una parla a microfono, l’altra produce suoni. Dal loro gioco nasce qualcosa che va semplicemente ascoltato.

Effetto Larsen nasce nel 2007 a Milano ad opera di Matteo Lanfranchi, attore diplomato presso la Scuola paolo Grassi di Milano, allo scopo di promuovere progetti di ricerca sui linguaggi performativi, in particolare il teatro in tutte le sue forme. Primo spettacolo è Dukkha – azione privata, pezzo per attore solo. Nel giugno 2007 realizza D:VERSO. Nel 2008 crea per il Festiva Danae di Milano TUO/OUT, intervento performativo urbano presentato sulla banchina del tram davanti al Teatro Litta. Sempre nel 2008 realizza Lo sguardo di Amleto, secondo premio al Festival Internazionale di Regia. Nel 2009 vince la Biennale Giovani artisti d’Europa e del Mediterraneo – Skopje 2009 con la performance Aggregazione, seconda parte del progetto Dukkha. Nel 2010 sviluppa la terza e ultima parte del progetto Dukkha, Elogio del disagio – ovvero il fallimento dell’azione, e la performance urbana di massa STORMO, entrambi prodotti dal Danae festival di Milano. Nel 2011 vince il Premio di Scrittura di Scena Lia Lapini con Innerscapes.

Roberto Rettura: Sound Producer, vice a Bologna, classe 1974. Come musicista partecipa con il gruppo Frida Frenner alla colonna sonora di Jack Frusciante è uscito dal gruppo e lavora nel film come consulente musicale. Laureato al DAMS-Musica con una tesi sul sonoro cinematografico-multicanale, collabora dal 2000 come tecnico e consulente del suono con studi di produzione audiovisivi e sonori, compagnie teatrali, etichette musicali, offrendo servizi e consulenze sul suono in tutte le sue forme. Negli ultimi anni ha focalizzato la sua attività nel Teatro contemporaneo e nella Musica. Nel 2004 ha fondato, insieme a Marco Valerio Amico e Rhuena Bracci, la compagnia Gruppo Nanou di Ravenna, con all’attivo diversi lavori presentati sia in Italia che all’estero. Nel 2010 ha creato a Bologna Lo Studio Spaziale, studio di registrazione audio dove offre servizi di sound engineering a etichette di produzioni musicali indipendenti e consulenze per pre-produzioni artistiche.


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Indigena Teatro

la serata incomincia con Talita Kum


con Stefano Scandaletti
adattamento teatrale e regia Stefano Pagin
musica Gabriella Zen
assistente alla regia Marta Meneghetti
cura elementi scenici Lucia Morato e Paolo Bertinato
luci e direzione tecnica Gianfranco Gallo e Francesco Agostini
foto di scena Alberto Brescia
distribuzione Roberta da Soller
si ringrazia Teatro a l’Avogaria di Venezia e Teatro Fondamenta Nuove di Venezia
musiche registrate in occasione dei laboratori teatrali della Biennale di Venezia 2008
Premio off Teatro Stabile del Veneto. Premio Argot-off 2012 da Orlando di Virginia Woolf

Orlando – Orlando è l’ironica allegoria dell’artista contemporaneo che identifica se stesso con la sua opera, sperimentando suo malgrado che la natura e l’arte nutrono una naturale antipatia reciproca.

“Poiché l’amore, al quale possiamo ora ritornare, ha due volti: uno bianco e l’altro nero; due corpi: uno liscio e l’altro villoso. Ha due mani, due piedi, due code, due insomma di ogni membro, e uno è l’esatto opposto dell’altro. Eppure essi sono così strettamente connessi che non è possibile separarli.”

Motivazione Premio Argot-Off 2012:

Per una prospettiva tutta personale di lettura del testo, capace di suggerire lo smarrimento della propria identità fisica e interiore, questione tuttora irrisolta della nostra presenza nel mondo contemporaneo.


Indigena Teatro è un gruppo di recentissima formazione. È nato dall’esigenza di Marta Meneghetti, Stefania Felicioli, Stefano Pagin, Stefano Scandaletti tre attori e un regista attivi in campo professionale da alcuni anni. La poetica di Indigena si orienta verso un teatro di parola, si lega a testi teatrali e  poetici o ad elaborazioni drammaturgiche di opere letterarie. Crediamo fortemente che, pur nella sperimentazione, si debba continuare a ribadire la fiducia nella parola scritta: parola che evoca, che emoziona, che educa.


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Costanza Givone

the evening begins with Ingoia e fai finta di niente


a performance by and with Costanza Givone
set design and lighting design Samuele Mariotti
assistant director and designer João Vladimiro
photos Luís Martins

A young woman meets herself in a space that is neither inside nor outside: the skeleton of a room. An ancient game of chess reveals to her the story of a perfectly shaped princess named Salome. A head falls off. There is no turning back. The head stares motionless at the girl, for eternity. Escape is impossible. They belong to each other, there is nothing left for them but to live, in a grotesque world, where reality is madness, and only in a dream is peace found.

A performance inspired by Salome’s story about the loss of self. The mind is shipwrecked, the lights that guide us go out, the floor crumbles under our feet in a show where dance, theatre and plastic arts meet.

A chess game tells us about Salome’s life, a clay head, which transforms in the actress’s hands, reveals her inner world.

I am interested in the encounter between the arts; in my work as in my training, I navigate the boundaries between the different artistic disciplines. Important people in my artistic training are the director N.Karpov (theatre biomechanics), the dancers and choreographers Virgilio Sieni, Simona Bucci, Sofia Neuparth, Ainhoa Vidal, Peter Michael Dietz, Vera Mantero, the dancers of the figure theatre company Derevo, Thanya Kabarova and Alexej Merkushev, the actress Gey Pin Ang (Grotowsky centre), the singer and vocal researcher Gabriella Bartolomei. I also consider fundamental for my growth the work as performer and co-creator with the Zaches Teatro company in italy and with the choreographers Madalena Victorino and Aldara Bizarro in Portugal. (Costanza Givone)


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the evening begins with Visual Bluff

coordination and direction by Marco Ivaldi, Marco Monfredini and Francesca Tortora
with Chiara Cardea, Roberta Maraini, Silvia Mercuriati, Salvo Montalto, Elena Pisu
technical direction Andrea Sancio Sangiorgi
distribution, organisation and press office OffRome
stage photos Alessandro Bosio
poster image Marco Monfredini
filming and video editing Giulia Gobbi and Francesco Dinolfo

the project TRICHER has been selected for the NAPOLI FRINGE FESTIVAL 2013


I want to do a survey.
I want to know the truth.
I want to find the right question to get the answer I don’t expect.

I want to stop lying.

I want to be an eyewitness.

I want to give my testimony.

Our starting question is always the same: “What is the difference between not telling the truth and lying?”
In this third chapter we will try to answer by focusing our analysis on the contribution that “Testimonies” can make to the search for _no lie_.

MO.Lem continues to deepen the themes addressed in the previous chapters by updating them on the basis of the continuous real changes in society and politics. The show changes according to the period of its staging, it is a continuous work in progress that allows the companies to work constantly together on the project. The show is conceived and structured to be staged also (and above all!) in unconventional places, which allow a more direct relationship with the public, so as to reproduce an ideal “agora”. “[…] A work in progress in which five actors deal with social and current themes, representing and dismantling the dearest fairy tales of our memories. […] The economic crisis, job insecurity and the chimera of a steady job are ready to get to the heart of the play and create a surreal and realistic atmosphere. […]”. Stefano Rogliatti – Quotidiano Piemontese, 13/04/2012


The MO.Lem collective (Movimento Libere Espressioni Metropolitane) was founded in July 2009 and is formed by the Turin-based theatre companies Anticamera Teatro, Chi per Es Teatro, Ivaldi|Mercuriati and Chiara Cardea, joined in 2012 by Grimaco Movimentiumani. 

The aim of the collective is to unite different theatrical experiences for the realisation and organisation of projects linked to contemporaneity.


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Codice Ivan

This event is preceded by
 THE CITY OF HAPPINES. Milano Tappa specifica per l’Isola by Codice Ivan

h 21.00 (at ZONA K)
GMGS_What  the hell is happiness

collective creation Codice Ivan
scenes Codice Ivan
original music Private Culture
production Codice Ivan
co-production Centrale Fies
in collaboration with Fondazione del Teatro Stabile di Torino/Prospettiva
with the support of FAF (Florence), Contemporanea Festival/Teatro Metastasio Stabile della Toscana
creative residencies Centrale Fies (Dro), Pim Off (Milan), FAF (Florence), Spazio K Kinkaleri (Prato)
Codice Ivan thanks nEXt Emerson (Florence), Private Culture, Simona Bonacina.

Codice Ivan is part of the Fies Factory project


There is only one innate error, and that is to believe that we exist to be happy. (A. Schopenhauer)

The project GIVE ME MONEY, GIVE ME SEX_What the hell is happiness? (GMGS), stems from the need to confront a concept, an engine of everyday life and its often obsessive search: happiness. Everyone struggles to achieve it without understanding where or how to go. The only certainty is the (self-)banishment from a perfect world, and the awareness of the daily difficulty of choice. And so we ask ourselves: how should we live?

Codice Ivan was founded in 2008 by Anna Destefanis, Leonardo Mazzi and Benno Steinegger. The group’s work was immediately oriented mainly towards the performing arts/theatre, but it also started a research path aimed at using different formats. In 2009 they won the Scenario Prize with Pink, Me & The Roses and in 2011 the TransartPrize with the project SCORE. 
Since 2009 Codice Ivan has been part of Fies Factory, a project of Centrale Fies.


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Mechanics for Dreamers

with Luca Valisi, Federico Bassi, Alessio De Meo, Daniele Napoli
machine construction by TanaCreatures and Piccolo Circo Volante

Pyrophons are organs that vibrate a ferrous body through the heat of the fire, producing a long, low sound that can be modulated using an electric motor system. Made exclusively from industrial waste materials, they are the main instruments used in the performance Pirofonia, which was born from the encounter between Federico Bassi’s TanaCreatures and Daniele Napoli’s Piccolo Circo Volante and musicians Luca Valisi, on bass and loop station, and Alessio de Meo, on mixer and effects.

From a future past, the four unusual characters, half argonauts and inventors of playful machines, take the audience on a journey through unknown and remote sounds. A journey under the skin, in the memory of the body, through sounds, noises, rhythms and melodies born from the primordial volcano, as well as from the industrial world. The result is a performance, as well as a sound one, strongly visual and of great scenic impact.

Mechanical-analogue sculptures built with discarded objects that produce sounds and awaken wonder. A live performance, an installation. A real forge of sounds and steampunk visions made real.


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Ermanno Olmi e Maurizio Zaccaro

Presentazione a cura di Andrea Peraro della Cineteca di Bologna con l’importante testimonianza di don Gino Rigoldi da sempre impegnato a dialogare con i ragazzi. Modera. Giancarlo Bertolino.

Un film nato da un progetto di Ermanno Olmi per IpotesiCinema-formazione, girato da Maurizio Zaccaro e presentato al Festival di Venezia nel settembre 2012: “in tutti questi anni non ho mai trascurato di mantenere vivo il dialogo con i ragazzi e le ragazze man mano si affacciavano le nuove generazioni. Noi non cercavamo risposte reboanti né convenzionali, e loro hanno detto con sincerità quel che sperano di poter fare. Sono sensati. Sanno che non sarà facile e che, lo vogliano o no, toccherà solo a loro affrontare il futuro, con loro idee e loro forze e che il mondo non sarà più quello di prima.” [E. Olmi, agosto 2012)

Un film-documentario a più voci per raccontare come oggi un giovane deve immaginare il suo futuro nel quale investire la propria esistenza, perché “La vera modernità è quella che sa immaginare il proprio futuro.” Come recita l’incipit, scritto dai ragazzi coinvolti nella realizzazione del documentario:

“Non è con le sole domande che si risolvono i problemi delle nuove generazioni, ma abbiamo anche bisogno di confrontarci per scambiarci, con sincerità, risposte per un futuro. Non quello che ci viene imposto o proposto, ma quello che vogliamo immaginare e che siamo fermamente disposti a prenderci perché ci spetta come diritto, e affermato come un dovere di cittadini. Con dignità. Per questo intendiamo realizzare un film che sia documento delle nostre ideali aspettative.”



Don Gino Rigoldi, coinvolto per il suo impegno sociale, per il suo dialogo con i giovani e perché alcuni ragazzi della sua Comunità Nuova sono convolti nel film. Fin dagli anni Settanta è impegnato per dare risposte concrete ai ragazzi abbandonati e in difficoltà. Cappellano del carcere minorile Beccaria, è fondatore di Comunità Nuova, casa di accoglienza per bambini e minori con gravi problematiche familiari e sociali e per tossicodipendenti. Membro della commissione di beneficienza della Fondazione Cariplo, nel 1999 ottiene l’Ambrogino d’oro.

Maurizio Zaccaro, diplomato alla Scuola del Cinema di Milano. Ha lavorato con Olmi, Nichetti e Bozzetto. Ha realizzato 16 cortometraggi fra i quali Overkill ha vinto nel 1982 il premio Juso miglior film al Festival Int. di Oberhausen. Dal 1982 al 1990 ha collaborato a Ipotesi Cinema, laboratorio di cinema e televisione nato da un’idea di Paolo Valmarana ed Ermanno Olmi. Nel 2011 ha fondato la FreeSolo Produzioni srl, casa indipendente multimediale per la produzione cinematografica, televisiva, teatrale ed editoriale, nata da un desiderio estremo di libertà e indipendenza, ma anche della volontà di allargare i propri orizzonti creativi, sia in ambito nazionale che internazionale, attraverso nuove modalità e tecnologie esecutive, originalità delle idee e massima libertà d’espressione. “Nello scrivere, preparare e girare un film ho un’unica certezza: ogni decisione presa non potrà mai piacere a tutti. Ed è una certezza che mi rende leggero e libero come la piuma di Forrest Gump. Quello che conta, a quel punto, è solo la qualità del mio lavoro”


La giornata incomincia con il laboratorio
Flip Flap…Zzzzzz per un futuro più sostenibile

Pane Arte e Marmellata

Lana, caucciù, cotone, foglie, cuoio, rametti, velina… costruiamo un piccolo nido, un bozzolo morbido e accogliente, un luogo ideale dove poter custodire e prendersi cura di un minuscolo e prezioso insetto. Si trasforma ogni “nido” in una spilla per permettere all’insetto di volare insieme a noi.

PANE ARTE E MARMELLATA  è un’associazione culturale fondata nel 2004 da Marta Motterlini e Antonella Orlando, esperte in didattica dell’arte, con lo scopo di avvicinare bambini e ragazzi all’arte moderna e contemporanea. Tutte le attività proposte sono un’occasione educativa e formativa, momenti di gioco e divertimento dove poter sperimentare, creare, porsi delle domande e reagire agli stimoli e alle provocazioni dell’arte. Durante gli incontri bambini e ragazzi fanno amicizia con le opere e gli artisti e si appropriano di diversi linguaggi espressivi per scoprire nuovi modi di raccontare ed esprimere se stessi.


La giornata continua con il film-documentario
Come voglio che sia il mio futuro di Olmi e Zaccaro

inQuanto teatro

The evening begins with LOLA POLIO. Poemetto borderline

with Floor Robert, Giacomo Bogani, Andrea Falcone, Francesco Michele Laterza
lyrics Andrea Falcone
musical project Giacomo Bogani
lighting design and technique Giulia Broggi
stylistic consultancy Maria Sole Vannetti
production inQuanto teatro
co-production Operaestate Festival Veneto
in collaboration with Kinkaleri, La Piccionaia
nil admirari | jury mention Premio Scenario 2011

Nil admirari is a research project started at the beginning of 2011. The project, presented at the Final of Premio Scenario, was awarded with the Special Mention of the Jury. “For the wit of a scenic game that involves the audience with intelligence and irony and for the creation of an original language that invents a parallel world populated by objects and governed by accumulation and non-sense”.

AD 2012 is a work about time, built on discrepancies and analogies between old and new gestures and discourses. It is a work against time. We respect every version of the facts based on a before, a now and an after, but that is not what interests us. We seek an awareness: where are we?

AD 2012 is a work out of time, bringing together characters from Sacred Representations and passages of recitar cantando with ephemeral scenes and artificial landscapes, with everyday objects that we cannot find normal. In contradiction, in error, that is where we find ourselves. This is a human portrait, perhaps that of a generation, more certainly that of a genre of people: romantics, one might say. In love with the elsewhere and the otherwise. Time has passed, we are told, but it is not true: time remains, it is we who are leaving.

inQuanto teatro is an artistic collective founded in 2010 in Florence by Andrea Falcone, Floor Robert and Giacomo Bogani. Part of a wider network of links and unions, extended in space and time, inQuanto teatro collaborates or has collaborated with Giulia Broggi (performance, graphics, video editing), Matteo Balbo (performance, graphics), Susanna Stigler (photography), Duccio Mauro (photography), Maria Sole Vannetti (costumes) and Francesco Michele Laterza (performance). Currently, inQuanto teatro is part of Officina Teatro, a project of Operaestate Festival Veneto for young companies, and receives the support of Kinkaleri and La Piccionaia – I Carrara, Teatro Stabile d’Innovazione di Vicenza. inQuanto teatro is a network of tense connections and understandings in the artistic field; a knitting with many hands, reusing plots and shreds from another time to weave the text of tomorrow.


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Gianluca De Col

the evening continues with AD2012.Progetto Nil admirari


by and with: Gianluca De Col
scenic dramaturgy: Gianluca De Col, Alessandra De Santis, Attilio Nicoli Cristiani
supervision: Alessandra De Santis, Attilio Nicoli Cristiani
technique: Monia Giannobili
sound: Luca Pagliano
played piano for the recording: Davide Dellino
Production De Col, Olinda and Teatro delle Moire

In Milan there is a neighbourhood, once called the Casbah of Porta Chica.
In the 80s and 90s it was famous for the presence of transsexuals and transvestites.
In the Casbah there was “the dolls’ palace”.
The house where transsexuals and transvestites – the dolls – lived.

Lola is one of those dolls.
Lola Polio is used to walking on glass.
Lola has the vocation of a poet and a specialisation in survival…
Lola tries to resist time and the indifference of the times.
Lola talks a lot just to give herself the impression of still being someone.

Gianluca De Col was born in Belluno in 1978. He lives and works in Milan. He graduated from the Carlo Goldoni School for Actors of the Teatro Stabile del Veneto (2000) and from the Dramaturgy Course of the Paolo Grassi School of Dramatic Art (2003). He works as an author, actor and performer, and has been working for several years on disguise as a theatrical craft (in the role of Cassandra Casbah, he plays the role of Serata Gaudenzia). In the 2011 edition of “From up close no one is normal” he presented Transfigurata, the spiritual testament of a drag queen. She collaborates with Teatro delle Moire and Milena Costanzo.


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